Mit der Bearbeitung des schottischen Volksliedes „Auld Lang syne“, arrangiert von THOMAS CAPLIN, legt der „cantando musikkforlaget Norwegen“ eine weitere Version des bekannten Liedes, diesmal für Solo und gemischten Chor, vor.

Thomas Caplin ist als Chorleiter international unterwegs, sein Schwerpunkt ist allerdings in Dänemark, Norwegen und Schweden. Eine umfangreiche Publikationsliste von Bearbeitungen für Chor (mit und ohne Solisten) liegt im Cantando musikkforlaget Norwegen, vor. Die Ausgabe von „Auld lang syne“ umfasst acht Seiten.

Thomas Caplin verwendet in seinem Arrangement neben der weltweit bekannten, und von den Pfadfindern als Abschiedslied verwendeten Version, noch eine weitere, spätere Version dieses Liedes. Die bekannte Version erscheint musikalisch erst in Takt 37 des knapp 80 Takte umfassenden Arrangements. Der Chorsatz ist durchgehend harmonisch und rhythmisch schlicht gehalten, der Chor – oder verschiedene Chorstimmen – beteiligen sich selten mit Text – die meiste Zeit singt der Chor auf Tonsilbe. Die Harmonik spiegelt eine einfache Jazzharmonik wieder, die sich gerne Sextakkorden, Sextakkorden mit hinzugefügten Septimen etc. bedient, aber immer zum harmonischen Dur-Zentrum zurückkehrt. Harmonisch steigert sich das Arrangement von B-Dur über Es-Dur nach As-Dur. Der Notentext ist gut lesbar, der Druck und Papierqualität gut. Blätterstellen sind für den Chor in Ordnung.

Das Arrangement ist von den musikalischen Proportionen durch die zwei Versionen des Liedes geprägt. Die erste Hälfte ist der „neueren Fassung“ gewidmet (Chor nur Begleitung), die zweite Hälfte der „traditionellen Fassung“, in der  Teil der Chor aus der Begleiterrolle herausrückt und aktiv den Text – neben dem Solo – mit gestaltet. Im zweiten Teil rückt der Chor für kurze Zeit in den Mittelpunkt, da dem Solo eine Pause (15 Takte) komponiert ist.
Das Arrangement sieht auf den ersten Blick leicht aus – aber es erfordert eine rhythmische Sicherheit und Stabilität und eine saubere Intonation, die nicht nur in den Rückungen sich bewähren muss, sondern auch in der Harmonik. Das Solo wird keiner Stimmlage zugeschrieben – nur ab Takt 37 notiert der Komponist des Arrangements, dass „(a) female Soloist humming“ eine weibliche Stimme summen soll. Für das Solo können durchaus stimm,- und intonationssichere Sängerinnen und Sänger aus dem Chor genommen werden, da der Ambitus des Solos (as – d1) für alle Lagen gut darstellbar ist.

Ob es eine weitere Bearbeitung dieses Liedes gebraucht hätte, mag der Verfasser dieser Rezension nicht urteilen, die hier vorliegende ist schön, musikalisch ansprechend, eingängig. Sie bietet aber keine Überraschungen, weder musikalisch, rhythmisch noch harmonisch.

Fazit: Das Stück ist gut umsetzbar, wenn es auch Rhythmus,- und Intonationssicherheit des Chores voraussetzt. Es ist eine wohlgefällige Bearbeitung der unbekannten und der tradierten Melodie des gern gesungenen „Auld Lang syne“ und damit eine Bereicherung des Repertoires für viele gemischte Chöre, die nach einer gefälligen Zugabe suchen.


Ingo Hoesch
NOvember 2021 / Juli 2022

Jingge Yan (*1986 in Peking) lernte am Zentralkonservatorium für Musik in China, von 2007 bis 2011 studierte er am Oberlin Conservatory in Ohio (USA) bei Peter Takacs und ergänzte seine Ausbildung am Mozarteum in Salzburg bei Pavel Gililov, wo er nun seit 2017 auch selbst Klavier unterrichtet. Nach seinem Erfolg beim Internationalen Beethoven Wettbewerb in Bonn im Dezember 2011 spielte er 2013 seine erste CD mit Beethovens Diabelli-Variationen, op. 120 (1823), und den Bagatellen, op. 126 (1824), ein, die hoch („Stiltreue und gleichzeitige Kreativität“) gewürdigt wurde. 2015 wurde Jingge Yan vom Beethoven-Haus und der Stadt Bonn mit der Ernennung zum “Beethoven Botschafter” geehrt.

Seit 2016 widmete er sich einer Gesamteinspielung aller Sonaten Beethovens, welche nun vorliegt. So groß das Vorhaben, so groß auch die Erfüllung dieser selbst gestellten Aufgabe. Jingge Yan spielt mit einer Präzision, die betroffen macht. Da ist selbst bei den schwierigsten pianistischen Griffen kein Rubato o.ä. zu hören, jedes Piano, Forte etc. wird genauestens erfüllt. Sein Spiel ist perlend klar, wozu ihm ein „Concert Royal“-Flügel von Grotian-Steinweg unterstützend zur Verfügung stand. Jinge Yan lässt Beethoven pur sprechen, nimmt dabei aber auch Rücksicht auf formale Gliederungen. Durch seine Sonaten hindurch ist der Weg vom hochbegabten Komponisten zum Konstrukteur allerhöchsten Anspruchs an sich und sein Publikum gut zu verfolgen, Jingge Yan dabei sein getreuer Diener, befähigt, Beethovens Ansprüche an sprühende Virtuosität jederzeit zu befriedigen. Bewunderung!


Rainer Goede
Dezember 2021 / Juli 2022

Beethoven - Ein neuer Weg
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Interpret: Andreas Staier
Label: harmonia mundi

Klaviersonaten op. 31, Variationen op. 34 und 35

Andreas Staier hat diese CD auf dem Fortepiano von Matthias Müller (Wien c 1810) aus der Sammlung Edwin Beunk eingespielt. Das Instrument liefert glasklare Töne, in der Tiefe etwas blasser. Phantastisch! Auf diesem nahezu zeitgleichem Instrument zu Beethovens Kompositionen, die 1802 gedruckt wurden, zeigt Staier eine nachdenkliche wie virtuose Sicht auf den Wiener Klavier-Revolutionär. Traditionell sind eigentlich nur noch die Wiederholungen in den Eingangssätzen der drei Sonaten, pausendurchsetzte aphoristische Gegensätze prägen die Binnengestaltung, fast an barocke Rhetorik erinnernd, fast. Selten sind melodische Miniaturen zu hören, harmonisch reihen sich Arpeggien an chromatische Tonleitern, trotz allem Formaufbrechen auch Formerfüllung, ein gleichzeitiges ständiges Suchen und Finden, dem Staier mit seiner haargenauen Interpretation den Spiegel vorhält, nichts verklärt oder gar in andere Welten entführt als Beethoven total, noch urwüchsiger kann wohl selbst Beethoven nicht gespielt haben.

Die Variationen op.34 beginnen ganz traditionell, gleichzeitig Unerhörtes versprechend, was bereits die erste Variation mit virtuoser rechter Hand und vollgriffiger Begleitung in linker Hand einlöst, die vierte mutiert zu einem Menuett, die fünfte zu einem Trauermarsch, nicht ohne wahnsinnig schnelle Oktavgänge der linken Hand, die sechste schließt mit einer Coda, die das Thema am siebten Himmel erscheinen lässt, ehe es sich nach virtuosem Treiben leise verabschiedet. Die Eroica-Variationen op. 35, nach vier „Vorstellungen“ schreibt Beethoven „Tema“, nach 15 Variationen, die alles, aber auch alles bringen, was denkbar ist, folgt das „Finale. Alla Fuge“, bravouröser Höhepunkt einer atemlosen Atemlosigkeit fordernden Durchführung, die gleicherweise Variation, Kontrapunkt, finale Kadenz und Griff nach den Sternen ist. Peter Gülke versucht, Formales im Booklet klarzustellen, Andreas Staier folgt dem Komponisten durch alle Passagen mit einer Genauigkeit, die nur staunen lässt. Da ist nichts mehr vom komponierten Griff nach den Sternen, sondern nur noch Ehrfurcht vor einer hier Ereignis werdenden Klammer zwischen Evolution, Revolution und Vollkommenheit. Beethoven total, phantastisch!


Rainer Goede
Dezember 2021 / Juli 2022

"Heiteres bis Besinnliches" - Kammermusik - Band 1-3
Direktlink: www.notenkeller.de/rezensionen.html#20220705_scheunert_kammermusik

Komponistin: Ruth Scheunert
Verlag: Daniel Kunert

1–3stimmig für Violine/Cello & Klavier // Violine, Flöte und/oder Oboe & Klavier // Flöte/Oboe/Klarinette und Klavier // Blechbläser und Klavier

Bei dem vorliegenden Werk möchte ich zunächst auf die „Hardware“ eingehen, bevor ich zur Musik komme:
Die Bände liegen im handlichen DINA4 Format vor und sind nicht zu dick. Das Papier lässt sich gut blättern. Die Verwendung von weißem Papier und der erfreulich deutliche Druck und der klare Satz machen die Noten auch für Musiker mit Sehbeeinträchtigungen gut lesbar, selbst bei immer mal wieder auftretenden schlechten Lichtverhältnissen.
Der Pianist benötigt nicht zwangsweise einen Notenwender, da beim Layout darauf geachtet wurde sinnvolle „Blätterstellen“ einzufügen. Einige wenige Stücke wie z. Bsp. „Träume“ und „Serenity, Repose, and Glee“ erstrecken sich auf 5 bzw. 7 Seiten. Hier könnte evtl. über die Möglichkeit nachgedacht werden, gegen eine kleine Gebühr eine einzelne Seite erstehen zu können, um es dem Pianisten etwas luxuriöser einzurichten.
Die Melodieinstrumente müssen gar nicht blättern. Einzig eine Nummerierung der Stücke wäre auch komfortabel, wenn man zusammen sitzt und eine Auswahl trifft.

Diese Bände zeichnen sich im besten Sinne durch ihre Vielseitigkeit aus. Die vorliegenden Stücke bieten sich nicht nur für die Hausmusik oder die Ensemblearbeit an, sie eignen sich auch vorzüglich für das Musizieren im sakralen Rahmen. Möchte man in der Kirche musizieren, so kann die Klavierstimme auch gerne von der Orgel übernommen werden. Wobei erfreulich ist, dass man nicht ausschließlich manualiter spielen muss, sondern sogar ausgiebig das Pedal einsetzen kann.

Auch in der Besetzung bieten sich viele Möglichkeiten. Stehen nur Flöten zur Verfügung? Kein Problem, sie übernehmen einfach den Part von Oboe oder Violine. Sehr reizvoll ist auch die Besetzung Cembalo und Gambe/Violine/Flöte.

Die Bände eignen sich gut, um erste Erfahrungen im Ensemblespiel zu sammeln. Die Komponistin versteigt sich nicht in unzumutbare Herausforderungen, wobei ein überraschender Akkord hier, eine kleine rhythmische Raffinesse dort keine Langeweile aufkommen lassen. Die Stücke erwecken schon beim bloßen Ansehen der Noten den Wunsch einfach los zu spielen und sich und andere damit zu erfreuen, eben heiter bis besinnlich.

Der Organist ist überraschend ausgefallen, der Kollege spontan verhindert? Kein Thema! Der Anfänger wird nicht überfordert, der Wiedereinsteiger findet sich schnell zurecht. Für den Profi bieten die Bände eine ebenso leichte wie erfrischende Möglichkeit sein Repertoire um eine „Schnelle Eingreiftruppe“ zu erweitern.

Einziger Wermutstropfen: Es fehlt (vorerst hoffentlich) ein Band für 4stimmige Besetzung, etwa 1./2. Violine/Flöte, Viola, Violoncello und Klavier/Orgel.
Ebenso reizvoll wäre eine reine Streicher oder (Holz-)Bläserbesetzung ganz ohne Klavierstimme.

Fazit: Bitte mehr davon!


Karin Buntrock
Dezember 2021 / Juli 2022

Messe e-moll
Direktlink: www.notenkeller.de/rezensionen.html#20220426_zelenka

Komponist: J. Dismas Zelenka
Verlag: Breitkopf & Härtel

Mit dem Band 5577 der Partiturbibliothek legt der Verlag Breitkopf und Härtel nun eine weitere Messe des J. Dismas Zelenka (1679-1745) vor. Diesmal ist es die groß angelegte Missa votiva in e-moll für Solisten (SATB), Chor (SATB) und Orchester – wobei dies nur aus Streichern, Continuo-Gruppe und zwei Oboen besteht. Der 198 Seiten umfassende Band kostet 96,-€

Breitkopf legt hier ein Werk vor, die „Missa votiva“ von Zelenka, welches bis dato nur in der Reihe „Erbe deutscher Musik, Bd. 108; Abteilung Motette/Messe Band 17; 1997, rev. 2016) erschienen ist. Der Herausgeber ist Reinhold Kubik, die Generalbassaussetzung erfolgte durch Wolfgang Horn. Die Aufführungsdauer der Messe wird mit 70 min. angegeben. Die Partitur / der Klavierauszug ist käuflich zu erwerben, das Stimmmaterial nur leihweise erhältlich.

Das sehr umfangreiche Vorwort, von Reinhold Kubik und Thomas Kohlhase (Wien, Tübingen, 1988/1994) ist sehr umfangreich. Es bietet Informationen zur Entstehungsgeschichte des Werkes, zur Aufführungsgeschichte, zu Besonderheiten der Komposition und zur Quellenlage der Stimmen für diese Messe. Es ist Zelenkas bedeutendster Beitrag zur Gattung der Messe, da diese eine sog. „Missa integrae“ ist – eine Messe, die den ganzen Messtext vertont (im Gegensatz zur Missa Brevis etc.). Ihr folgen noch weitere Messen und kleinere kirchenmusikalische Werke.
Am Ende der Ausgabe findet sich ein sehr umfangreicher kritischer Bericht, der sehr dezidiert auf die generelle Quellenlage eingeht und im folgenden dann die einzelnen Sätze auflistet und bespricht.
Das Notenbild des Notentextes ist sehr übersichtlich und kontrastreich gedruckt. Die Oboen stehen oben, darunter die Streicher (Violinen/Viola), dann der Chor / Solisten und darunter das Continuo. Der Generalbass ist sowohl ausgesetzt, als auch in der Bezifferung notiert. Somit behält Breitkopf die übliche Reihung der Stimmen bei. Standardmäßig sind zwei Stimmblöcke pro Seite gedruckt, bei Solo-Arien auch mal drei.

Breitkopf legt hier eine überarbeitete, revidierte Fassung vor, die  auf die Ausgabe von 1997 zurückgeht, aber neuere Erkenntnisse der Forschung über die Werke Zelenkas mit einbezieht. Die „Missa votiva“ ist ein Werk, dass den Rahmen des liturgischen Gebrauchs sprengt (70 min), aber ein sehr lohnendes und selten zu hörendes Werk des böhmischen Meisters.


Ingo Hoesch
November 2021 / April 2022

Gloria
Direktlink: www.notenkeller.de/rezensionen.html#20220421_gloria

Komponist: Sundlisaeter, Ole Karsten
Verlag: Cantando

Ole Karsten Sundlisaeter ist ein 1976 geborener norwegischer Komponist, Organist und Dirigent. Hier soll sein Werk „Gloria“ für Chor, Flöte, Trompete und Orgel rezensiert werden. Leider ist das Datum der Komposition nicht bekannt – allerdings ist das Copyrigth des Cantando Musikkforlaget, Norwegen von 2010.
Die Partitur umfasst 14 Seiten. Die Noten für Flöte, Trompete und Chor liegen bei. Der Preis der Ausgabe liegt ca. 12 €.

Das Werk „Gloria“ von Sundlisaeter ist ein zeitgenössisches Werk in kleiner Besetzung (Flöte, Trompete, Orgel & Chor), 114 Takte lang, damit gut in der Liturgie des Gottesdienstes zu verwenden.  Die Struktur des Werkes erschließt sich aus der Partitur: 8 T + 4 T + 12 T + 4T + 6T + 4 T + 8 T – Generalpause – Wiederholung – ab Takt 92 neue Motivik, die sich aber von den Harmonien und Rhythmus auf den Anfang bezieht. Das Metrum schwankt zwischen Vierteln und punktierten Vierteln – damit kommt ein tänzerischer Aspekt in die Musik. Die Orgel übernimmt in diesem Stück den perkussiven Part, wobei die Akkordik von großen Septimen und Tondoppelungen geprägt ist. Der Schwierigkeitsgrad der Orgelstimme ist nicht hoch. Das ist darauf gegründet, dass sich der erste Teil wiederholt und in den einzelnen klein-taktigen Phrasen keine rhythmischen oder tonalen Änderungen passieren.

Der Flötenpart ist anspruchsvoll. Dies, weil die Stimme meistens in der dreigestrichenen Lage (oder darüber) zu spielen hat, sondern auch, weil die Spielweise „flutter“ (Flatterzunge) intensiv zum Einsatz kommt. Dagegen ist die Trompetenstimme nicht so anspruchsvoll. Die Trompete steht im melodiösen Dialog mit der Querflöte steht, egal, was die Orgel als rhythmisch, perkussives Instrument, macht.

Die Stimmenauszüge für Trompete und Flöte sind ohne Blätterstellen eingerichtet, der Orgelauszug (vier Seiten) ist mit eigenem Blättern nicht zu bewältigen – entweder muss man hier eine Hilfe haben oder sich die vier Seiten zurechtkopieren. Das Druckbild der Noten (Einzelstimmen sowohl auch Partitut) ist sehr großzügig, lesefreundlich. Die Einzelstimmen sind auf schwererem Papier gedruckt als normales Papier.
Es ist unabdingbar – trotz der kleinen Besetzung – einen Dirigenten zu haben – die Partitur ist von den Blätterstellen für einen „Dirigenten“ zu bewältigen, für einen „orgelspielenden Dirigenten“ allerdings nicht – der könnte den Chor nur durch Kopfnicken durch die Partitur „dirigieren“. Der Dirigent ist dabei nur für den Chor wichtig – die Instrumentalisten benötigen ihn nicht.

Einen „Chor“ gibt es in diesem Stück nicht als Gruppe, in diesem Stück ist der Chor reduziert auf eine sprech-singende/singend-sprechende Gruppe vom Imdividuen. Im Chorauszug finden sich für den Chor nur Anweisungen: Stimmen starten im forte mit einem Cluster (mittlere Stimmlage) und singen/improvisieren kurze Phrasen auf „Gloria“ (intensiv(im Ausdruck)) / Die Sänger singen auf größeren Intervallen – mehr Intensität / Die Hälfte der Gruppe singen / improvisieren auf: „in excelsis Deo“ / Alle singen individuell „in excelsis Deo“.  Der Chorgruppe ist also absolut frei in ihrem Tun, es gibt keine tonalen Vorgaben, nur die Aufforderung zur freien Improvisation...

Das Werk macht einen sehr festlichen, einem Gloria angemessenen Eindruck. Es entspricht sicherlich nicht den Hörerwartungen eines Gottesdienstbesuchers, doch kann sich dieser durch die einfache Kompositionsstruktur gut in das Werk hineinfinden. Auch für den Chor ist es sicherlich erstmal ein Experiment, improvisatorisch tätig zu sein, und damit als Gruppe singend-sprechender Individuen das Stück zu prägen, aber sicherlich ein lohnendes und spannendes Experiment.
Für Musiker sicherlich ein lohnendes Stück auch für die sonntägliche Liturgie oder Konzert.
Für einen Chor sicherlich ein spannendes Stück, da es die Individualität der einzelnen Sängerin/des einzelnen Sängers betont. Ein lohnendes Stück, nicht nur für Musiker, die sich für moderne Musik interessieren.


Ingo Hoesch
November 2021 / April 2022

Peter Kopp beschäftigt sich gerne mit Themen, die so selbstverständlich bekannt wie völlig unbekannt sind, zuletzt z.B. mit Dresdener Freimaurermusik (0301152BC) und dem Florilegium Portense (CV 83.492). Jetzt also, quasi zum 300. Jahrestag der Gründung der Herrnhuter Gemeinde in Hernhut im Landkreis Görlitz in der Oberlausitz eine Einspielung mit Weihnachtsmusik. Der Schwerpunkt liegt auf der Christ-Nachts-Music am 24. December 1765, die sich gliedert in Chöre, Soli, Gemeinde-Choräle, Kinderchor und Lesungen. Sie stammt von Christian Gregor (1723 – 1801), seit 1742 Organist und Leiter der Gemein-Musik, seit 1789 dann Bischof der Gemeinde. Die Musik ist zeitgemäß vierstimmig homophon mit schönen Melodien, sie lässt an Homilius und Rolle denken, gefällig und so geschrieben, dass sie für breite Schichten der Herrnhuter vokaliter wie mit Streichern gut musizierbar war. Dass dieses Niveau auch der Grund war, dass die eifrigen Boten von Glaube und Kultur ihre Musik auch in ihren Gemeinden in Nordamerika etc. verbreiten konnten, ist nachzulesen in den reich bestückten Musik- und Kirchen-Archive in Bethlehem (Pennsylvania) und Salem (North Carolina) oder bei den aus den Herrnhuter hervorgegangenen bedeutenden Musikern wie z.B. der schwedischen Familie Mankell.

Kopp beschränkt sich auf Herrnhuter Musiker aus dem 18. Jh., auf Kompositionen u.a. auch von Peter Mortimer, Gregors Schwager, der aus einer englischen Brüdergemeinde kam. Er war ein ausgezeichneter, liturgischer, gefühlvoller Orgelspieler. 1821 erschien sein Hauptwerk Der Choral-Gesang zur Zeit der Reformation, gedruckt mit Hilfe Zelters und des preußischen Ministeriums. Das umreißt auch die enge Verflechtung Herrnhuter Musiker mit der Wissenschaft.

Die eingängige Musik, so einfach, naiv und zeitgemäß sie ist, ermüdet allerdings nach einiger Zeit, der Hörer wünscht sich dann eine wenig Schwarzbrot in Gestalt einer deftigen Fuge o.ä. Das schmälert nicht die Leistung der Ausführenden auf dieser CD, die musikwissenschaftlich orientiert ist und das 18. Jh. in Hernhut dokumentiert samt urlangsamer Choraltempi mit Zwischenspielen ohne jede Dramatik, einfühlsam gekonnt gespielt von Sebastian Knebel. Aber nicht nur Dokument ist diese CD, sondern in gleicher Weise auch eine persönliche wie gemeindliche Weihnachtsbotschaft der Hallenser Pietisten, hörens- wie wissenswert.


Rainer Goede
November 2021 / April 2022

Ein weiterer wahrer Meilenstein in der Editionsgeschichte ist der neue Band II,2 der RWA. Die überaus sorgfältige und genaue Auflistung zur Entstehung und Herausgabe der Lieder (hier: die Lieder zwischen 1899 und 1901: Sechs Lieder Op. 35, Fünf Gesänge Op. 37, Lieder WoO VII/21 und VII/22, Acht Lieder Op. 43, Sieben Lieder Op. 48, Lieder WoO VII/23-29, Zwölf Lieder Op. 51 und Fünfzehn Lieder Op. 55, dazu im Anhang einige Transpositionen) mit den Erklärungen zur Edition, zur Chronologie aller Lieder, zum biographischen Kontext und zur frühen Rezeption und zu Parallelvertonungen mit Richard Strauss sowie zu Orchesterfassungen lässt keinen Wunsch offen. Dazu kommt der Kritische Bericht von 38 Seiten, der genaueste Auskunft gibt über Entwürfe, Autographe, Widmungsexemplare, Erstschriften, Stichvorlagen, Erst- und Neudrucke sowie Regers Revisionen. Das Notendruckbild ist superklar und mühelos zu lesen, wäre da nicht Regers Stil, der ihn oft unmöglich viele Noten in einen Takt schreiben lässt, so dass eine Notenzeile oft nur einen Takt fassen kann. Ungenauigkeiten bleiben nur da stehen, wo Reger, bzw. Setzer schon ungenau war, bei Phrasierungsbögen und Notenlängen bei Noten, die durch einen Hals zusammengefasst sind.

Reger, der mit seinen Kompositionen penetrantes Aufsehen erregen wollte, schrieb die Lieder mit einer harmonisch wie melodisch ausufernden  Kompromisslosigkeit, die bis heute Interpreten und Publikum fasziniert wie abschreckt. Die Texte fand er bei u.a. Detlev von Liliencron und Richard Dehmel, die einer modernen Gefühlssprache Ausdruck gaben. So sind weniger schöne Melodien als vielmehr Deklamationen in der Nachfolge Hugo Wolfs, dem das Opus 51 gewidmet ist, zu hören. In der Einleitung werden die damaligen Sänger genannt, die sich der mühsamen Arbeit des Lernens von Regers Liedern unterzogen, seltsamer Weise die Pianisten nicht, die diesen Wust gleichermaßen zu studieren hatten. Lediglich die Lieder, die Reger als Einzelbeiträge zum Abdruck in der Neuen Musik-Zeitung (WoO VII/23–29) schrieb, sind einfacher gehalten.

Wie schön wäre es, wenn jede Edition so aussähe!!! So hieße das Maximallob für diese Ausgabe, wäre da nicht auch noch der technische Fortschritt zu verzeichnen, der mit diesem Band Einzug in die Editionsgeschichte hält. Waren bisher den Bänden der RWA DVDs beigegeben, so wird bei dieser Hybrid-Ausgabe auf das Internet verwiesen, wo bis auf die Gesamtansicht des Editionstextes, die dem Nutzer der gedruckten Bände vorbehalten bleibt, alle Editionsbestandteile auf der neuen Projektseite RWA online zentral und frei zugänglich sind. Diese Editionsteile bestehen aus den Begleittexten, den digitalen Editionen mit Kritischem Bericht und einer umfangreichen digitalen Enzyklopädie zu Leben und Werk Max Regers. Hier kann auch der Fortgang des gesamten Editionsprojekts mitverfolgt und der aktuelle Forschungs- und Publikationsstand eingesehen werden. Noch 2022 sollen alle bisher erschienenen Bände der Reihe II (Lieder und Chorwerke) und I (Orgelwerke) auf diese Weise erschlossen werden, womit die umfangreiche digitale Reproduktion von Regers Handschriften und der jeweiligen Erstdrucke der edierten Werke verbunden ist.


Zur Information (Stand: November 2021):
RWA Abteilung II: Lieder und Chorwerke

Rainer Goede
November 2021 / April 2022

Kantaten, bzw. Motetten zum ewig faszinierenden Johann Franck-Choral „Jesu, meine Freude“ mit der ebenso faszinierenden Johann Crüger-Melodie von Telemann, Doles, Bach und Krebs, eine Programm-Idee, die so frappierend wie einfach ist – bisher kam nur noch niemand drauf. Gordon Safari und sein Ensemble aalen sich in dieser Idee wie der allemal tollen Musik der vier barocken Zenite, deren zwei Gipfel Krebs und Doles in keiner Weise geringer sind als die von Telemann und Bach. Faszinierend das Tik-tak der Uhr (Schlage doch, gewünschte Stunde) in Neumeisters Kantatenfassung bei Telemann und das Ticke-tacke zur gleichen Textgrundlage (Schlage doch, geliebte Stunde) bei Krebs. Unmittelbar mitreißend der Donner und Krach (mag es donnern, krachen, blitzen) in Schlegels Text bei der Doles-Kantate. Höhepunkte dieser Art ließen sich noch dutzendweise nennen, da muss sogar Bachs Motette um ihren Platz kämpfen.

Hoch engagiert musiziert das junge Salzburger Ensemble BachWerkVokal, das natürlich auch instrumental besetzt ist. Spiritus Rektor ist Diözesankantor Gordon Safari, der sein Ensembles zu Spitzenleistung verführt, was die Interpretation angeht. Dazu braucht er keine übertriebene Lautstärke oder Tempi, sondern eine genaue inspirierte Gestaltung der „Klangrede“ nach den barocken Regeln der Rhetorik. Und das kommt rüber und an, direkt. Höchst empfehlenswert!


Rainer Goede
November 2021 / März 2022

Mit der Bearbeitung des schottischen Volksliedes „Auld Lang syne“ arrangiert von THOMAS CAPLIN legt der „Cantando musikkforlaget Norwegen“ eine weitere Version des bekannten Liedes für Solo und gemischten Chor vor.

Thomas Caplin ist als Chorleiter international unterwegs, sein Schwerpunkt ist allerdings Dänemark, Norwegen und Schweden. Eine umfangreiche Publikationsliste von Bearbeitungen für Chor (mit und ohne Solisten) liegt vor allem im Cantando musikkforlaget Norwegen, vor. Die Ausgabe von „Auld lang syne“ umfasst acht Seiten und kostet um die drei Euro (27 norwegische Kronen), die Mindestbestellmenge sind 15 Exemplare.

Thomas Caplin verwendet in seinem Arrangement neben der weltweit bekannten und von den Pfadfindern als Abschiedslied verwendeten Version noch eine weitere, spätere Version dieses Liedes. Die bekannte Version erscheint musikalisch erst in Takt 37 des knapp 80 Takte umfassenden Arrangements. Der Chorsatz ist durchgehend harmonisch und rhythmisch schlicht gehalten, der Chor – oder verschiedene Chorstimmen – beteiligen sich selten mit Text – die meiste Zeit singt der Chor auf Tonsilbe.  Die Harmonik spiegelt eine einfache Jazzharmonik wieder, die gerne Sextakkorde, Sextakkorde mit hinzugefügter Septime etc. bedient, aber immer zum harmonischen Dur-Zentrum zurückkehrt. Harmonisch steigert sich das Arrangement von B-Dur über Es-Dur nach As-Dur. Der Notentext ist gut lesbar, der Druck und Papierqualität gut. Blätterstellen sind für den Chor in Ordnung.

Das Arrangement ist von den musikalischen Proportionen durch die zwei Versionen des Liedes geprägt. Die erste Hälfte ist der „neueren Fassung“ gewidmet (Chor nur Begleitung), die zweite Hälfte der „traditionellen Fassung“, in der  Teil der Chor aus der Begleiterrolle herausrückt und aktiv den Text – neben dem Solo – mit gestaltet. Im zweiten Teil rückt der Chor für kurze Zeit in den Mittelpunkt, da dem Solo eine Pause (15 Takte) komponiert ist.

Das Arrangement sieht auf den ersten Blick leicht aus – aber es erfordert eine rhythmische Sicherheit und Stabilität und eine saubere Intonation, die nicht nur in den Rückungen sich bewähren muss, sondern auch in der Harmonik. Das Solo wird keiner Stimmlage zugeschrieben – nur ab Takt 37 notiert der Komponist des Arrangements, dass „(a) female Soloist humming“ eine weibliche Stimme summen soll. Für das Solo können durchaus stimm,- und intonationssichere Sängerinnen und Sänger aus dem Chor genommen werden, da der Ambitus des Solos (as – d1) für alle Lagen gut darstellbar ist.

Fazit: Das Stück ist gut umsetzbar, wenn es auch Rhythmus,- und Intonationssicherheit des Chores voraussetzt. Es ist eine wohlgefällige Bearbeitung der unbekannten und der tradierten Melodie des gern gesungenen „Auld Lang syne“ und damit eine Bereicherung des Repertoires für viele gemischte Chöre, die nach einer gefälligen Zugabe suchen.


Ingo Hoesch
November 2021 / März 2022

Anlässlich des 250-jährigen Jubiläums hatte sich der Traditionsverlag Schott Schätze aus dem Archiv gesucht, gefunden und neu ediert. Schon allein das Durchblättern und Studieren der Titel macht große Freude. Chronologisch geordnet gibt es Werke von vierzehn Komponisten, angefangen von Sebastian Lee (1805-1887) bis hin zu Arnold Trowell (1887-1966). Damit wendet sich dieser hochwillkommene Sammelband an professionelle Musiker und fortgeschrittene Liebhaber, die an lohnenden Neuentdeckungen abseits des Standartrepertoires interessiert sind. Er enthält Werke der Romantik: virtuose Kabinettstücke, Zugabe-, Charakterstücke, Perlen der Salonmusik bzw. kunstreiche Arrangements von bekannten (Opern-)Melodien. Neben Tannhäuser de Richard Wagner gibt es auch Reminiszensen an Mozart, Chopin. Äußerst reizvoll ist: Fantaisie facile sur l´Opera de Rossini „Le Barbier de Seville“ op. 71 von keinem Geringeren als Jacques Offenbach. Ein weiteres Plus: viele Originalkompositionen und Bearbeitungen stammen von Klaviervirtuosen des 19. Jahrhunderts.

Fazit: Rundum eine vielseitige und sehr empfehlenswerte Ausgabe für die Kombination Violoncello und Klavier.


Christoph Brückner
November 2021 / März 2022

Bach im Winde verweht signalisiert das Cover mit einem Portraitfoto der jungen Frankfurter Solistin, die sich mit ihrem Toccaten-Programm in die Gesellschaft von u.a. Angela Hewitt und Masaaki Suzuki begibt, die in naheliegender Weise ein Cembalo für ihre Einspielung nutzen, Leon Berben macht es anders, er spielt die Schnitger-Orgel in Alkmaar. Clair Huangci macht es noch anders, sie spielt BWV 910 – 916 auf einem Yamaha-Flügel und beginnt mit der Busoni-Fassung der Toccata BWV 565 – womit vergangene Zeiten wieder höchst präsent werden. Unterstützung hierfür bekommt sie in einem längeren Bookletaufsatz von dem Wiener Pianisten, Organisten und Komponisten Kit Armstrong, der sich wortreich windet, ob denn das moderne Klavier eine eigene Perspektive auf Bachs Toccaten erlaubt.

Der Höreindruck bestätigt tatsächlich eine neue Perspektive, zunächst ist da die unglaubliche Fingerfertigkeit und Artikulationsfähigkeit der Interpretin, die am Curtis Institute of Music in Philadelphia und von 2007 bis 2016 an der Hochschule für Musik, Theater und Medien in Hannover bei Arie Vardi studiert hat. Nur selten verhallt sie ihren Bach mit dem Pedal. Der Yamaha-Flügel kommt ihr mit einem eher trockenen aber präzisen Sound entgegen. Was Busoni nun für seine Zeit meisterhaft auf das Klavier uminstrumentierte, sind rauschende Kaskaden, Rubato-gesättigtes Spiel, das eben die durchaus forschende Tradition des 19. Jahrhunderts spiegelt, Clair Huangci gelingt eine bemerkenswerte Wiedergabe dieses romantischen Geistes.

Bei den Toccaten, im 19. Jahrhundert nicht bemerkt und romantisiert, wirkt eine solch romantische Interpretation heute anders, wie ein künstlicher (Liszt-)Deckel auf einem original flammenden Topf. Bachs Noten wollen nicht so recht unter diesen Interpretationsdeckel passen, quellen immer wieder hervor und rufen nach ihrer ihnen eigenen Stilistik. So gekonnt das technische Spiel der Interpretin ist, das Ganze hat nicht nur den Hauch von Esoterik, es passt einfach nicht zusammen. Experimente sind von der Sache her immer gut, wenn sie denn als solche gesehen werden. Clair Huangci aber sieht ihre romantische Interpretation als modern an, doch in Wahrheit wirkt die Musik jetzt verkitscht. So muss, was Experimenten ja durchaus eigen ist, das Scheitern – auf hohem spieltechnischem Niveau - konstatiert werden. Auch ein Kit Armstrong kann da mit vielen Worten keine Berechtigung herbeischreiben.


Rainer Goede
November 2021 / März 2022

Mit über 50 Seiten in guter Papierqualität liegt ein Sammelband mit Klaviermusik von Komponistinnen aus Serbien, Slowenien und Montenegro vor, der in Folge des Konzerts unter dem Titel „Medio in ponte“ (2012) entstanden ist. Initiatorinnen waren die Komponistinnen Snežana Nešić und Tatjana Prelević sowie die Kulturwissenschaftlerin Cornelia Hemmann. Idealerweise verbinden ja Brücken über räumliche Distanzen hinweg und wer denkt da nicht auch etwas an „Bridge over troubled water“. Somit klingt das Bild „Brücke ohne Ufer“ zunächst nicht einmal unbedingt besonders positiv.

Erfreulicherweise handelt es sich um einen gut gestalteten Notenband mit vielen Besonderheiten. Zu allen fünf vertretetenen Komponistinnen gibt es Biografien und Werknotizen. Der Notensatz ist meistens sehr großzügig, leider aber eben nicht beim komplexen Stück „Skozi ogledalo“ (Through a mirror), denn gerade hier ist aufgrund vieler Vorzeichen, rhyhtmischen Turbulenzen wie Triolen, Quintolen, Septolen u.a. eine wahnsinnige  konzentrative Gedächtnisleistung beim Vortrag erforderlich. Exotisch: Eine Gebrauchsanweisung mit Stimm- und Gummistäbchen  zu „Bolero in Dark Red“ wird auf Seite 34 und 35 mitgeliefert. Dementsprechend innovativ ist das Notenbild gestaltet. An meinen früheren Schlagzeugunterricht erinnert mich dabei das Stück Djet(l)ic (The Woodpecker/Der Specht) im doppelten Wortsinn, ein Wortspiel aus Djetic (heranwachsender Junge) und Djetlic (Specht). Aufgrund der Abstraktion des Notenbildes entsteht hier bereits optisch nicht nur ein dissonanter Eindruck, sondern noch mehr das Gefühl von Zerissenheit. Eine Klangcollage, die neben Noten auch geometrische Elemente mit einbezieht. Musik mit happening und performance-Attributen. Musik mit Auflösungsphasen.
Am meisten spricht mich von Jelena Dabic die Danube Suite (Donau Suite) an. Es ist ein origineller Zyklus aus individuellen Stimmungsbildern zu I. Germany II. Austria III. Slovakia IV. Hungary V. Serbia VI. Romania VII. Bulgaria an. Es wurden hier absichtlich bekannte Melodien ausgewählt, die sofort Assoziationen evozieren. Hier ist ein melodischer Bogen erkennbar, die Stücke steigern sich von ¾ Takt über Rubato-espressivo  mit bewusstem Taktverzicht (Senza misura), über Allegro, bis hin zum Finale: Vivace im 7/8-Takt.

Fazit: Musik für besondere Zielgruppen im Rahmen interaktiver cross-over-Projekte.


Christoph Brückner
November 2021 / März 2022

Gilbert Rowland wurde 1946 in Glasgow geboren. Er studierte Cembalo bei Millicent Silver am Royal College of Music und debütierte noch während seines Studiums im Fenton House. Auftritte bei großen Festivals in Großbritannien und im Ausland sowie Sendungen für BBC Radio 3 und Capital Radio haben dazu beigetragen, seinen Ruf als einer der führenden britischen Cembalisten zu etablieren. Seine Aufnahmen mit Werken von Soler, Fischer, Rameau, Scarlatti und Soler sind beachtlich und wurden von der Musikpresse hochgelobt.

Obwohl die Aufnahmen der Doppel CD bereits ins Jahr 2015 zurückgehen, kommt auch beim jetzigen Hören immer noch viel Freude auf. Eingespielt sind insgesamt auf zwei CDs jeweils fünf, summa summarum also zehn Suiten von G. F. Händel. Das Doppelalbum ist die dritte Aufzeichnung von Rowland für Divine Art „Die Göttliche Kunst“.
Auch wenn davon zwei Suiten, nämlich Suite in C minor, HWV 445, sowie Suite in G minor, HWV 451 unvollendet sind, wird man durch den vitalen und nuancierten Vortrag immer von der angenehmen Seite berüht. Es handelt sich bei allen Suiten um virtuose Kompositionen, die aber viel zu lange von Händels Opern, Oratorien und Orchesterwerken überschattet waren. Neben zahlreichen Einzelarbeiten wie Fugen, Chaconnen, Fantasien, Präludien und Tanzsätzen hat Händel insgesamt 25 Cembalosuiten komponiert. Dabei wurde die Tonart d-Moll offensichtlich von Händel mehrfach bevorzugt.

Für mich bedeuten diese angenehme Musikstücke immer auch rezeptfreie und ganzheitliche Therapie. Gerne hört man sich diese Stücke als Kraftquellen immer wieder an. Bereits die Ausgestaltung von  Arpeggien bieten jedem Interpreten viele kreativen Freiräume. Und Gilber Rowland nutzt diese. Ganz besonders inspiriert davon und tänzerisch wirkt auf mich Suite in G minor, HWV 453 mit den Sätzen: Ouverture, Enrée, Menuets I & II, Chaconne. Rhythmisch prägnant und wirkungsvoll präsent wirkt die Courante der Suite in C minor,  HWV 445. Einfalls- und Variationsreichtum von Händel wirkt immerzu lebendig und perlend prickelnd. In diesem Sinne wirkt auch Chaconne mit 62 (!) Variationen unübertroffen. Barocke repräsentative überzeugende Meisterschaft in einer mustergültigen Interpretation. 

Als Referenzinstrument (das leider nicht näher vorgestellt wird), diente für die grandiosen Aufnahmen ein zweimanualiges französisches Cembalo von Andrew Wooderson (2005) nach Goerman (Paris 1750).

Fazit: es lohnt sich sehr,  diese facettenreichen und filigranen Kunstwerke anzuhören. Der Einfalls- und Variationsreichtum von Händel wirkt und bleibt immerzu lebendig und perlend prickelnd.

Christoph Brückner
November 2021 / Februar 2022

Tanya Ekanayaka, Jahrgang 1977, hat  sich mit Ihrem Portfolio an Klavierkompositionen schon frühzeitig zu einer der berühmtesten internationalen Solopianistinnen Sri Lankas entwickelt. Sri Lanka (bis 1972 Ceylon) als südasiatischer Inselstaat gilt als multireligiöses und multiethnisches Land. Die Künstlerin arbeitet somit in einer musikalischen Welt voller spontaner Kreativität. Dabei können Partituren innerhalb weniger Minuten entstehen. Ihr etwa zehnminütiges Vannam (Gajaga, Mayura & Hanuma) & You, wurde an an einem einzigen Februar-Nachmittag Februar 2013 vollendet. Von jedem etwas, oder wie kann man Ihr Erfolgsrezept sehen? Zur Entstehungsgeschichte der einzelnen Werke soll unbedingt das Booklet konsultiert werden,  denn dieses liefert hier nützliche Hinweise und Übersetzungen.

Stilistisch sind ihre Partituren etwa zwischen Liszt, Beethoven, Debussy,  Chopin und Rachmaninow einzuordnen, angereichert  mit virtuosen Passagen, Läufe, Arpeggien und Arabesken. Dieser „Mix“ zeigt gefällige Motive und Stücke, mit einer breiten Vielfalt an nationalen und folkloristischen Melodien. Viele Kompositionen mit jeweiliger Spieldauer von 5 bis zu über 15 Minuten pro Titel erfolgten als Uraufführungen in St Martin in the Fields in London.  Ich denke, wir können uns einfach zurücklehnen und diese angenehme und melodische Musik genießen:  Spontan. Subtil. Schön. Musik auch als Therapie.

Christoph Brückner
November 2021 / Februar 2022

Der Band vereint Beiträge von den Jahrestagungen der IDBG 2018 und 2019 mit einigen freien Beiträgen. Ulf Grapenthin beschäftigt sich in seinem sehr informativen Aufsatz, betitelt nach einem Walther-Zitat (Artikel Leyding), mit Reincken, Buxtehude und Theile als ‚Informator‘ von Buxtehude. Harald Vogel schreibt über den Codex E.B. 1688 und die Buxtehudewerke im Zusammenhang mit der Musica sub communione, ein wahres Lückenthema, denn bisher wurde die liturgische Bestimmung der Werke Buxtehudes nicht thematisiert. Wenn auch keine direkten Quellen exakte Zuweisungen bieten, so lässt doch die Praxis, bzw. die Spuren, die sie hinterlassen hat, einige Rückschlüsse zu und führt damit zu einer gewinnbringenden sinnvollen Positionierung von einigen Buxtehudewerken in der heutigen Praxis. Matthias Schneider schließlich bringt einige interpretatorische Anmerkungen zur Aufführungspraxis, vornehmlich der Toccata in d, BuxWV 155, die jedem Studierenden u.a. nur ans Herz gelegt werden können.

In weiteren Beiträgen schreibt Jürgen Heering zu den Nachmittagsgottesdiensten und Vespern zur Zeit Buxtehudes, ebenfalls ein Beitrag zur liturgischen Ordnung der Zeit. Ulf Werner stellt das wieder aufgefundene Fragment eines Choralconcerts „Christ lag in Todesbanden“ vor, Gary Verkade bringt einige Anmerkungen zur Choralbearbeitung „Herr Jesu Christ, ich weiß gar wohl“, BuxWV 193, dem leider der Hinweis fehlt, dass dessen Melodie auch im EKG noch vertreten ist unter den Nr. 89 und 219. Nadine Heydemann stellt in einem sehr instruktiven Beitrag einen der Nachfolger Buxtehudes vor, Adolph Carl Kunzen (1720 – 1782), leider ist ein Werkverzeichnis nicht angefügt. Derzeit kann an Orgelwerken offenbar nur eine Fuge C-Dur nachgewiesen werden (Caecilia I, 21), Cembalokonzerte finden sich in: Norddeutsche Klavierkonzerte des mittleren 18. Jahrhunderts, ed. A. Edler, München/Salzburg 1994 (= Denkmäler norddeutscher Musik Bd. 5/6), ISBN 3-873971-71-2, einige Oratorien und Sinfonien sind immerhin im Manuscript erhalten.

Mit diesem Band mausern sich die Buxtehude-Studien zu einem Periodikum mit hohem Anspruch, dessen gleichbleibende hohe Qualität immer wieder fesselt.

Rainer Goede
Oktober 2021 / Februar 2022

Auf ihrer neuen CD hat sich die in Riga gebürtige Kölner Cembalistin Tatjana Vorobjova Johann Kriegers (1652 – 1735) Sechs Musicalische Partien,bestehende in Allemanden, Courenten, Sarabanden, Doublen und Giquen, nebst eingemischten Bouréen, Minuetten und Gavotten allen Liebhabern des Claviers auf einem Spinet oder Clavicordio zu spielen… (Nürnberg In Verlegung Wolfgang Moritz Endters, 1697) vorgenommen. Neben den bedeutenden 25 freien Stücken der Anmuthige Clavier-Übung (Nürnberg, 1699) für liturgischen Bedarf sind es die einzigen überlieferten Cembalokompositionen des großen Zittauer Director Chori Musici und Organisten an St. Johannis. Seit 1682 prägte er bis zu seinem Tode 54 Jahre lang das musikalische Leben der Stadt. Auch von seinen titelmäßig bekannten 235 geistlichen Werken sind  nur 33 erhalten. Neben einigen Liedern und Motetten ist noch eine Sonate à 5 für Streicher greifbar.

Die Partien, Suiten in traditioneller Satzfolge, sind prachtvolle Beispiele für die damalige Kunst, harmonische Vorlagen in Tanzsätzen vielgestaltig zu variieren. Schade, dass Vorobjova die Wiederholungen ausspart, hätten doch gerade sie noch weiten Raum für Auszierungen gegeben, die sie doch gekonnt virtuos zu spielen weiß. Das hört man bereits im eröffnenden Preludio in d, das wie einige andere Programmnummern aber nicht zu den Partien gehört. Unter diesen ist vor allem die abschließende Passacaglia in d ein Glanzstück. Weitere Tänze füllten leere Seiten der Druckausgabe 1697, alle hervorragende spielfreudige Stücke, dass man sich fragt, warum Johann Krieger im Konzertleben so selten, eigentlich gar nicht auftaucht. Insofern ist diese Einspielung von ganz großem Wert.

Matthias Schneider lieferte für das Booklet eine kundige Einführung in Kriegers Vita und Werk. Die Aufnahmequalität ist wie immer bei MDG auf hohem Niveau. Wer die Nürnberger Hohe Schule eines Heinrich Schwemmer (1621–1696) und eines Georg Caspar Wecker (1632 – 1695), zu denen auch ein Johann Pachelbel gehörte, noch nicht kennt, der muss hier unbedingt zugreifen.

Rainer Goede
September 2021 / Januar 2022

Die vielseitige Bremer Blockflötistin Julia Fritz leitet seit März 2017 die Flötenklasse am Vorarlberger Landeskonservatorium. Für ihre neue CD hat sie sich auf Werke des u.a. in Venedig und seit 1612 am englischen Königshof wirkenden Angelo Notari (1566 - 1663) und des in Rom, Venedig und Padua wirkenden Giovanni Battista Fontana (1589 -1630) konzentriert.

Von Fontana sind nur seine 1641 in Venedig erschienenen 18 Sonate a 1. 2. 3. per il violino, o cornetto, fagotto, chitarone, violoncino o simile altro istromento überliefert, deren erste sechs Sonaten für Solovioline und B.c. Julia Fritz hier für ihr Instrument adaptiert hat. Fontana, „einer der einzigartigsten Virtuosen des Violinspiels, die das Zeitalter erlebt hat“, stellt sich Julia Fritz als ebenbürtig virtuose Interpretin von heute zur Seite, so schnell wie sie spielt, kann man kaum hören. Fontanas Notentext fügt sie zumeist Auszierungen wie z.B. Tonleitern hinzu, die in ihrer gefälligen Art den Frühbarock erstklassig lebendig werden lassen.

Der englische Hofmusiker Notari unter den Thronfolgern Henry und Karl, bzw. nach dessen Thronbesteigung 1625 unter König Karl diente als Sänger und Lautenspieler bis spätestens 1649. Einzig gedruckt wurden seine Prime musiche nuove (London 1613), das verschiedene Stücke im neuen italienischen Stil der „seconda prattica“ bringt. Daraus hat Fritz verschiedene „Arien“ über bekannte Themen wie „Il ruggiero“, „La monica“ und „La romanesca“ ausgesucht sowie eine Ciacona und die Canzone passaggiata. Beiseite stehen ihr in weiteren Arien die Sopranistin Magdalena Harer, die Harfenistin Reinhild Waldeck und Johannes Hämmerle an der Antegnati-Orgel (1565) der Basilica di Santa Barbara, Mantua. Diese gibt Stimmtonhöhe und mitteltönige Temperatur vor, denen zu folgen die anderen Musiker keine Schwierigkeiten haben.

Natürlich ist diese Einspielung eine Demo-CD für die absolute Virtuosin Julia Fritz, gerne hätte man aber auch die anderen Beteiligten Musiker dynamisch auf gleicher Ebene gehört. So gehen vor allem die Delikatessen der Antegnati-Orgel unter, die wenigstens das Schlussstück, eine Toccata von Francesco Rovigo (1541 – 1597), noch solistisch beisteuern darf. Ebenso gern hätte man auch die Continuotehnik der Harfenistin Reinhild Waldeck deutlicher vernommen, Magdalena Harer musste sich beschränken auf die wenigen Textvorlagen, die ihr einen Platz einräumten. Wenn man auch nicht von einem ausgeglichenen Teamwork sprechen kann, so ist die CD natürlich reizvoll allein durch die hohe Virtuosität von Julia Fritz. Michael Struck-Schloen steuerte einen kundigen Booklettext bei.

Rainer Goede
Juli / Dezember 2021

Mit diesen intimen Miniaturen ist wahrlich für einen Klangrausch der Sinne im besten Sinne gesorgt! Und warum gibt es bislang leider nur eine YouTube Einspielung von Pastels 2, denn auch die Orgel verträgt weitere solcher Stücke mühelos, bis zum Beweis des Gegenteils!

Musikalisch hat Mons Leidvin Takle, Jahrgang 1942, hier wunderbare kurze Stücke geschaffen, die zu unterschiedlichsten Anlässen passen und viele Zuhörer ansprechen.
Bis auf wenige Ausnahmen (3/4 und 12/8) sind ansonsten alle Titel im 4/4 Takt angelegt. Das unterstreicht sehr passend den mal groovigen, mal melancholischen, jazzigen Stil.
Für Freunde der Chromatik: auch hier findet sich entsprechendes in Pastels 16, ich würde sagen: Ein Perpentuum mobile. Für Gospel-Feeling würde ich Pastel 19 konkret empfehlen. Solche wunderbare Musik des Augenblicks lebt von Triolen, originellen Pattern, punktierten Rhythmen im Sinne von Free Jazz. Und genau das ist überzeugend gelungen.

Zudem: Zu allen Stücken gibt es konkrete Zeitvorgaben. Damit hat der Komponist eine gute Vorstellung geliefert, wie lange die jeweiligen Stücke dauern.
Ein weiteres großes Plus: Viele Stücke lassen sich kombinieren. Wie wäre es mit einem Medley? Und: Wer sucht, der findet!
Durch dieses Albums habe ich eine wunderbare neue collection dankbarer Stücke, die sich für Unterrichtszwecke, Gottesdienste, Konzerte, Zugaben idealerweise eignen.
Trotzdem sei die Warnung ausgesprochen: hochexplosiv! Denn Good vibrations, Freude, gute Schwingungen und Stimmungen sind gewollt. Diese werden sich übertragen und könnten sich fortsetzen. Garantiert. Wetten, dass….?

Somit Erkennungs-Motto: kleine aber äußerst feine Stücke!
Wer somit hoffentlich Appetit auf noch mehr Werke des vielseitigen Musikers bekommt: unbedingt hier einsehen:
www.monstakle.no

Christoph Brückner
Mai / November 2021

Wenn Musik verklungen ist, verbleibt zumeist nichts, im besten Fall noch das Notenmaterial. Besser ergeht es da anderen Tätigkeiten, in Wolfenbüttel z.B. der Büchersammelwut des Herzogs August der Jüngere (1579–1666). Bei seinem Tod war seine Bibliothek mit 135.000 Titeln in 35.000 Bänden eine der umfangreichsten Büchersammlungen dieser Epoche, bis heute verwahrt in der berühmten Herzog August Bibliothek in Wolfenbüttel, die im 17. Jahrhundert den legendären Ruf als 8. Weltwunder genoss. Ihr erster Bibliothekar unter Herzog Julius von Braunschweig-Lüneburg (1528–1589) war übrigens ein Musiker, 1571/72 Leonhart Schröter (1532 – 1601, später Kantor in Magdeburg), seine Nachfolger waren u.a. Gottfried Wilhelm Leibniz (1690–1716) und Gotthold Ephraim Lessing (1770–1781).

Unbedingt ranggleich sind aber die Musicalien zu werten, die am Hof und in der herzoglichen Grablege, der Hauptkirche Beatae Mariae Virginis, erklangen, dafür bürgen schon allein die Namen etlicher Hofkapellmeister, z.B. Thomas Mancinus, Michael Praetorius, Heinrich Schütz, Johann Jakob Löwe von Eisenach, Johann Rosenmüller, Johann Theile, Reinhard Keiser, Georg Österreich, Johann Adolf Hasse und Carl Heinrich Graun. Als die Residenz 1753 nach Braunschweig verlegt wurde, endete diese ruhmreiche stolze Epoche, an die dieses Buch mit seinen 14 Aufsätzen erinnert.

Dieses faszinierende Panorama deutscher und europäischer Musikgeschichte wird aufgeblättert von Matthias Meinhardt, der einen Überblick über die Geschichte der Welfen in Wolfenbüttel an den Anfang stellt. Rainer Schmitt schreibt zur Musik am Hof, Gerhard Aumüller zu Herzog Heinrich Julius als Förderer der Orgelkunst, speziell der Beck-Orgel in Gröningen, Winfrid Elsner zur Compeniusorgel der Herzogin Elisabeth in Schloss Hessen, die seit 1616 in Frederiksborg/DK steht. Der Lautenist Gregorius Huwert steht im Mittelpunkt des Aufsatzes von Sigrid Wirth, Michael Praetorius und seine Festmusiken werden von Siegfried Vogelsänger beschrieben, Heinrich Schütz von Anne Spohr und Johann Rosenmüller von Josef Floßdorf. Carsten Neimann widmet sich dem letzten Hofkapellmeister in Wolfenbüttel Georg Caspar Schürmann.

Kurzvitae der Kapellmeister und die Wiedergabe einiger Dokumente beschließen den Band, der so informell wie kurzweilig geschrieben ist.
Dieser wichtige, grundlegende Informationsband kann nur bestens empfohlen werden!


Rainer Goede
Mai / Oktober 2021

Diese CD ist die dritte von vier geplanten Programmen, die sich mit dem musikalischen Erbe der Ostseeregion des Mittelalters beschäftigen. Den Schwerpunkt setzt Agnieszka Budzińska -Bennett mit ihrem Ensemble Peregrin a dieses Mal auf die überlieferten Texte eines sich darin selbst nennenden Wizlav. Ob es sich dabei um den Fürsten Wizlaw III. von Rügen († 1325) handelt, muss offenbleiben. Überliefert sind die Texte in der Jenaer Liederhandschrift Ms El f 101.

Die Gesänge werden von Agnieszka Budzinska-Bennett und Marc Lewon vorgetragen, sparsam begleitet mit Laute, Citter und Vielle versetzen sie den Hörer in das Reich der Minnesänger. Ein instruktiver Booklettext von Meinolf Schumacher verhilft zu einigem Verständnis dieser musikgeschichtlich so weit zurückliegenden Kunst. Das Ziel, die mittelalterliche Musik an der Ostsee zu sammeln und ein wenig populärer zu machen, erreicht diese CD wieder mühelos.

Rainer Goede
Mai / Oktober 2021

Eine sehr interessante Entdeckung ist dem Vokalensemble Lamaraviglia mit den räteromanisch gesetzten Psalmen von Lurainz Wietzel (Strada/Engadin 1733) und Andrea Planta (Strada 1740) gelungen. Es kombiniert einstimmige französischsprachige Genfer Psalmen von 1562 mit den vierstimmigen Sätzen von Claude Goudimel (Genf 1564) und den Übertragungen ins Deutsche von Ambrosius Lobwasser (Zürich 1749) zu einem dreisprachigen Schweizer Erlebnis.

Calvins Psalter wurde von Goudimel (c. 1514 – 1572) im einfachen Note-gegen-Note-Satz mit der Melodie im Tenor gesetzt und bald darauf ins deutsche (Ambrosius Lobwasser, Königsberg 1573), niederländische, italienische (ders. 1574) und räteromanische (Lurainz Wietzel, 1661) übersetzt. Jan Pieterszoon Sweelinck (1562 – 1621) legte seine kompletten  Psalmenvertonungen in französischer Sprache in vier Editionen 1604, 1613, 1614 und 1621 vor, alsbald erschienen sie auch mit der deutschen Textunterlegung Lobwassers, der Kirchenchor in Zuoz im Engadin sang diese Psalmmotetten zu Beginn des 18. Jahrhunderts in räteromanischer Sprache.

Aus diesem Fundus stellte Stephanie Boller ein sprachlich buntes wie musikalisch formal abwechslungsreiches Programm zusammen, das so verschiedenes unter einer Nation, der schweizerischen Nation kompetent zusammen bindet. Nicht nur ob dieser Einmaligkeit gebührt dieser CD besondere Beachtung, auch das Ensemble singt akkurat und nicht auf Extravaganz bedacht, dass es eine große Freude ist. Stephanie Boller zeichnet auch für den instruktiven Booklettext verantwortlich. Preiswürdig sind Idee und Ausführung gleichermaßen.

Rainer Goede
Juni / Oktober 2021

Noch vor Corona-Zeiten ist diese CD eingespielt worden, sie bringt mit den Klaviertrios von Ravel und Saint-Saens zwei traumhaft schöne Werke. Ravels Trio, entstanden 1914, fußt im ersten Satz auf (unhörbaren) Einflüssen des Baskenlandes und ist in strenger Sonatenhauptsatzform geschrieben. Ihm folgen nach dem schwelgerischen langsamen Satz eine Passacaglia und ein atemberaubendes Finale. Saint-Saens Trio op. 92 von 1892 macht seinem Schöpfer als Meister herrlicher Melodien in durchaus strengen Formen alle Ehre, die fünfsätzige Komposition ist ein herrliches Beispiel für die schönste Romantik französischer Provenienz.
Im Booklet ist eine genaue Beschreibung der Werke von Jean-Pascal Vachon zu lesen und ein kurzes Portrait der drei Solisten Alexander Sitkovetsky, Isang Enders und Wu Qian.

Rainer Goede
Juni / Oktober 2021

Im Grunde ist es eine wunderbare CD. Die Aufmachung stimmt. Das Cover ist schlicht und geheimnisvoll. Das Booklet ist inhaltsreich, mit Texten zu den Liedern und Informationen zu den Künstlern. Auch ein Großteil der „inneren“ Werte stimmen: Die Intonation der Sängerin ist hervorragend, der Pianist überzeugend, die Aufnahmetechnik einwandfrei. Und doch kann ich diese CD nicht empfehlen, denn die Texte sind völlig unverständlich. Das Vibrato der (wirklich eindrucksvollen) Stimme von Bettina Smith ist so stark und die Aussprache so undeutlich, dass man nicht entspannt zuhören kann, sondern etwas lauter aufdrehen und mit aller Anstrengung lauschen muss, um den ein oder anderen Wortfetzen zu erhaschen. Bedauerlich: Damit ist die CD für einen angenehmen Musikgenuss nicht zu gebrauchen.

Daniel Kunert
Mai / Oktober 2021

Von dieser Komponisten-Reihe von Peter Heilbut bin ich rundum begeistert. Hier hat der Herausgeber eine beliebte Collection ins Leben gerufen, die überzeugt. Jedes Heft ist einem bestimmten Komponisten gewidmet und somit immer auch individuell „einmalig“. Dabei wird ausführlich, detail-, und facettenreich Leben, Weg, Wirkung des jeweiligen Komponisten gewürdigt. Schon künstlerische Portraits sind dabei jeweils ein hoch willkommener Einstieg. Stabiler Kartoneinband und hochwertige Papierqualität machen diese Hefte darüber hinaus immer zu etwas Besonderem, eben: Qualitätsprodukte der Edition Hug. Obwohl diese Notenausgaben (hier: G. F. Händel und F. Chopin)  bereits ins Jahr 1974 zurückgehen, sind diese Hefte zeitlos gültig und für pädadogische Unterrichtszwecke meiner Meinung nach unübertroffen. Die Kunst liegt wohl in der geglückten Auswahl.

In der Händel-Ausgabe finden sich: Menuette, Chaconne, Rigaudon, Suite d-Moll mit den Einzeltiteln: Allemande, Courante, Sarabande, Gigue.
In der Chopin-Ausgabe sind herrliche Mazurkas, Préludes in e-Moll, h-Moll, a-moll, g-moll sowie Valse vertreten.

Bei allen ausgewählten Stücken handelt es sich um originale Klaviermusiken, die sich als reizende Spielstücke und Miniaturen ideal für Unterrichtszwecke eignen und die zudem mit individueller Tonsprache Maßstäbe setzen. Besonders hingewiesen sei ebenfalls auf die Auswahl (Sammel)bände: Leichte Spielstücke (epocheübergreifend) von Telemann bis Schubert, quasi Barock meets Romantic


Christoph Brückner
Mai / Oktober 2021

CDs unter Corona-Bedingungen gibt es Gott sei Dank inzwischen mehrere, eine ist die hier vorliegende mit dem Klavierkonzert Nr. 2 a-Moll (1821) von Johann Nepomuk Himmel (1778 – 1837), dem Konzertstück F-Dur, op. 79 (1821), von Carl Maria von Weber (1786 – 1826) und dem Capriccio brillant h-Moll, op. 22 (1832) von Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809 – 1847). Aufgenommen in einer Lockdown-Pause im Dezember 2020 bringt die CD diese brillanten Kompositionen, die nie den Weg in den Mainstream gefunden haben und deshalb viel neugieriger angehört werden können als andere bekannte Highlight-Klavierkonzerte. Was der Rostocker Klavierprofessor hier zusammen mit dem Sinfonieorchester des Hessischen Rundfunks auf die Beine gestellt hat, ist nicht nur eine erfolgreiche Perlenfischerei, die eingespielten Werke entpuppen sich eher als Diamanten einer glücklichen Epoche am Anfang des 19. Jahrhunderts, für die Experimente genauso wichtig waren wie die Leuchttürme Beethovens. „Die Werke verlangen ein hohes Maß an Präzision, Virtuosität und eleganter Klangrede“, wird Kirschnereit im Booklet zitiert, dieses Streben hört man in der höchst glücklichen Zusammenarbeit zwischen ihm und dem Orchester, freut sich über die markanten Töne einzelner Orchesterinstrumente wie über das klare Spiel Kirschnereits und das wunderbare Tuttierlebnis unter dem unauffällig aber stringent leitenden Michael Sanderling. Ein Hörerlebnis erster Klasse, eine CD zum glücklich werden!


Rainer Goede
Mai / August 2021

Eine wahre Schatzkiste haben da die Editoren dieser Musik geöffnet, was eigentlich für alle Musik des Zerbster Hofkapellmeisters gilt. Johann Friedrich Fasch (1688 – 1758) hatte 1714 bei Christoph Graupner studiert, 1722 trat er auf Vermittlung seines Freundes Gottfried Heinrich Stölzel aus Gotha den Dienst am Anhalt-Zerbster Hof an und schlug im Dezember deswegen die vakante Thomaskantorenstelle zu Leipzig aus. Fasch organisierte von ca. 1728 bis 1755 einen „Musicalien-Wechsel“ von Zerbst aus mit Kollegen in Dresden(Pisendel), Darmstadt (Graupner) u.a.. Prägend war seine Musik vor allem durch die bevorzugte Bläserbesetzung und die motivisch-thematische Arbeit, z.B. in den zweiten Abschnitten der Ouvertüren anstelle von Fugen. Sein Werkverzeichnis umfasst u.a. 82 Ouvertürensuiten, 67 Konzerte, 32 Sonaten und 19 Sinfonien, ist aber immer noch nicht komplettiert. Darin nehmen die hier eingespielten sechs Quartette (darunter ein Horn- und ein Flötenquartett) eine besondere Rolle ein, zu ihnen gesellen sich in dieser Einspielung noch das Fagott-Concerto C-Dur, FWV L:C2, und das Flöten-Concerto F-Dur, FWV L:F6. Die Quartette sind nach der älteren Art der italienischen Kirchensonate viersätzig, die moderneren Concerti dreisätzig.

Das Ensemble Marsyas, besetzt mit Oboe, Horn, Violine, Viola, Violoncello, Theorbe und Cembalo, dazu den Solisten Peter Whelan, Fagott, und Pamela Thorby, Flöte, bereiten sich und dem Hörer ganz große Spiel- und Hörfreude, die Musik von Fasch gehört schließlich zum Besten ihrer Zeit, voller Schwung und Einfälle. So vergehen die 72 Minuten der Einspielung im Nu, so dass man die CD gleich noch einmal einlegen muss. Das Booklet bringt einen gründlichen Text von Brian Clark, der auch für die Notenherstellung verantwortlich zeichnete. Musik vom Feinsten, aufs Feinste zu Gehör gebracht!  


Rainer Goede
April / August 2021

Der in Brüssel gebürtige Francesco Venturini (1675 – 1745) war seit 1698 Mitglied der hannoverschen Hofkapelle, wo er ab 1714 in der Nachfolge Georg Friedrich Händels Hofkomponist und als „Maestro die Concerti“ die Kammermusiken leitete und schließlich 1725 auch Hofkapellmeister wurde. Agostini Steffani ,seit 1688 Opernkapellmeister unter Kurfürst Ernst August hatte die Musik am Hof in Hannover groß gemacht, Venturini setzte dieses Niveau mit reiner Instrumentalmusik fort unter Georg Ludwig, der allerdings 1714 König in England wurde und nur einige Male nach Hannover zurückkehrte. 12 Concerti di camera a 4 – 9 instromenti, op. 1 (Amsterdam 1715), außerdem Violinkonzerte und Sonaten sind überliefert, zudem eine Ouvertüre à 5 e-Moll und ein Concerto à 6 A-Dur aus schwedischen Quellen. Diese beiden und drei Concerti di camera (No 2, 9 und 11) sind auf dieser CD eingespielt.

Venturinis Musik ist eine Entdeckung, geschrieben im vermischten Stil bringen sie einerseits italienische Concerti, andererseits französische Suiten und dritterseits auch einen kunstvollen Kanonsatz. Die Concerti wechseln zwischen Tutti-, Gruppen- und Solobesetzungen diverser Art lebhaft hin und her, Kombinationen von Oboen, Blockflöten, Violinen, auch zwei Fagotten und zwei Celli oder auch Oboe, zwei Blockflöten und Violine führen zu Farbwechseln, die an die später entstandenen Konzerte Bachs denken lassen. Die meist kurzen Sätze, die den Eingangsätzen folgen, bringen eine virtuose, anspruchsvolle, auch elegant tänzerische Musik, die ihresgleichen sucht.

Das 2014 in Hannover gegründete Ensemble la festa musicale spielt das alles erstklassig zupackend und mitreißend! Mit dieser CD legt das Ensemble, das bisher vor allem Kantaten und Oratorien begleitete, seine erste eigene CD, eine gewichtige Visitenkarte vor. Dass es damit auch noch einen lokalen Komponisten vorstellt, der wie so viele der Vergessenheit anheimfiel, obwohl er dasselbe Niveau wie z.B. ein Fasch bot, ist ganz hoch zu würdigen!


Rainer Goede
April / Juli 2021

Fünf von 82 Ouvertürensuiten haben hier mit dem zu früh verstorbenen Luder Rémy befreundete Musiker eingespielt, dass es eine wahre Freude ist. Die dreisätzigen Ouvertürensuiten bringen nach einer umfänglichen Ouvertüre, deren Mittelsatz Fasch anstelle einer Fuge mit einfallsreicher thematischer Arbeit füllt, noch jeweils zwei Sätze, seien es italienische Arias oder mit Andante und Allegro betitelte Suitensätze. Fasch, seit 1722 Hofkapellmeister am Hof in Anhalt-Zerbst, war durch seinen von ca. 1728 bis 1755 betriebenen „Musicalien-Wechsel“ mit Kollegen in Dresden(Pisendel), Darmstadt (Graupner) u.a. hervorragend vernetzt und konnte so Musik auf modernsten und höchstem Niveau schreiben. Das ist auch der hier eingespielten Musik anzuhören, prächtig, lustvoll, gediegen und rauschhaft gelingt dem groß besetzten Orchester diese kaum bekannte Musik. Ein Gewinn in jeder Hinsicht! Im Booklet schreibt Manfred Fechner einen gründlichen sehr guten Text zu den Kompositionen, der allein schon den Kauf dieser Edition rentabel macht. Wer sich in Pandemiezeiten eine besondere Freude machen möchte, der greife hier zu!


Rainer Goede
April / August 2021

Eine der letzten Aufnahmen des unvergessenen Ludger Rémy (1949 – 2017) beschäftigt sich mit ungezeichneten Concerti aus der Sammlung „Schrank II“ der Sächsischen Landesbibliothek * Staats- und Universitätsbibliothek Dresden. Dieser Schrank stand in der katholischen Hofkirche und enthielt die nach dem preußischen Bombardement der Stadt 1760 dort gebündelten Reste eines einst riesigen Bestandes aus dem frühen 18. Jahrhundert, für den Namen wie Pisendel, Fasch, Graun und Vivaldi stehen. Man könnte diese Concerti, besetzt mit Flauto, Violino, Violoncello (oder Viola da spalla) und Basso continuo, auch Triosonaten nennen, da die Stimme des Violoncellos häufig sich mit dem der Continuostimme deckt, ab und u aber auch dem Violoncello Raum gibt für virtuose eigene Partien. Die drei- oder viersätzigen Concerti sind herrliche Beispiele für den vermischen Stil der Zeit, da finden sich italienische Concerti und französische Suitentänze wie Fugensätze in munterer Abwechslung wie Geschlossenheit. Wie unbekümmert man damals musiziert hat, macht Rémy deutlich mit einer eigenen Bearbeitung eines Concertos für zwei Cembali.

In seinem  Bookletbeitrag beschreibt Rémy in kunstvoller Bescheidenheit die Kunst der Anonymi, in den Abschnitten „Über die Schönheit des Namenlosen“ und „Über den Wert des Namenlosen“ sinniert er über die Bedeutung von signierten und unsignierten Kompositionen und die Schwierigkeit, sie gleichermaßen zu schätzen. Rémys Ensemble „Les Amis de Philippe“ spielt bei aller Kunstfertigkeit mit solchem Verve, dass diese CD eine reine Freude ist, Unterhaltungsmusik des Dresdener Hofes vom Feinsten des 18. Jahrhunderts.


Rainer Goede
April / Juli 2021

Rainer Goede
April / Juli 2021

Der Band enthält die Vorträge der Tagung der Strukturbezogenen Kommission Kunstgeschichte, Literatur- und Musikwissenschaft der Sächsische Akademie der Wissenschaften zu Leipzig vom November 2017, die sich mit der Frage zur Zeitenwende 1917 beschäftigte, wie diese in den verschiedenen Kunstbereichen greifbar wird. Nach einführenden Vorträgen wie den von Michael Dreyer Krieg und Revolution 1917 – der Einbruch der USA und der Sowjetunion in die europäische Politik und Kultur und Beiträgen zur Politik Woodrow Wilsons und der sowjetischen Kulturpolitik verweist Helmuth Kiesel in seinem Beitrag zur Literaturgeschichte Vorschein und Widerhall darauf, dass die russische Oktoberrevolution keinen baldigen deutschen literarischen Text evozierte, erst 1940 erschien Alfred Döblins November 1918. Matthias Warstat beschreibt in seinem Beitrag zur Versammlungskultur und Theater der Weimarer Republik, wie die sozialdemokratischen Massenspiele und kommunistisches Agitproptheater zwischen Kunstsphäre und Mobilisierung pendeln. Frank Zöllner beleuchtet in seinem Beitrag Kunst als Sinnstiftung anhand der Gemälde Bernhard Heisigs zur Pariser Kommune die Frage, ob Kunst mit ihrem Autonomiepostulat sinnstiftend oder Sinn befragend zu sein habe. Die Beispiele der Einheitsdenkmäler in Berlin und Leipzig zeigen offenbar nicht Sinn befragende Natur. 

Helmut Loos beschäftigt sich unter dem Titel Der Komponist der Moderne, Kontinuität statt Bruch mit der neuen Sachlichkeit anhand der Entwicklung der Oper (Orff, Hindemith, Will, Krenek, Egk und Strauß) sowie der Jugenmusikbewegung, beschreibt mit Adorno ihren unangemessenen Kultus fernab jeder Kunst (eine leichte Beute des Nationalsozialismus). Wolfgang Hirschmann beschreibt neben den aufsehenerregenden Ereignissen des Jahres 1913 (Sacre du printemp und Watschenkonzert des Schönbergkreises in Wien) die Edition Sports & Divertissements, in der Eric Satie zu Illustrationen von Charles Martin Klaviersätze „schrieb“, oder eher kongenial zu den Mode-Jugendstilbildern, bzw. kubistischer Art Deco kalligraphisch notierte. Saties Kunst der Negierung alles Althergebrachten wie Anspruchsvollen, das dennoch Premiere eines Kunststils war, nimmt vorweg, was Minimalistik und andere Stilformen der zweiten Hälfte des Jahrhunderts praktizierten.    

So ist der Band eine gute Lektüre für alle, die sich orientieren wollen über die Hintergründe der breiten musischen Entwicklung in der Zeit der Weimarer Republik.


Rainer Goede
April / Juli 2021

Die 2018 im norwegischen Musikkforlag Cantando erschienen 24 Pastels von M.L. Takle sind abwechslungsreiche Stücke mit verschiedenen technisch tendenziell hohen pianistischen Ansprüchen. So finden sich Stücke, in denen die Geläufigkeit mal für die rechte Hand und mal für die linke Hand betont gefordert wird. Die Musik erinnert manchmal an große Vorbilder, wie z.B. J.S. Bach (1), Chopin (3), Scarlatti (4), C. Czerny (5), Anklänge von Ravel z.B. Klavierkonzert (6), Sonatine (14) und vielen anderen. Insgesamt betrachtet sind die Stücke von Takle oftmals harmonisch ungewohnt, jedoch immer interessant. Für den sehr fortgeschrittenen Klavierspieler ist das gesamte Werk gut zu schaffen und lohnenswert. Um einen Eindruck zu erhalten, gibt es einen verlinkten Soundtrack.


Cristian Peix
März / Juli 2021

Musik für Harmonium auf CD ist per se schon etwas Besonderes. Musik für Harmonium und Klavier noch mehr. Und dann sind hier auch noch Klänge von Richard Wagner für diese Besetzung bearbeitet: Das kennt wohl selbst der besten Wagner-Kenner nicht unbedingt. Auch wenn manch Musikkenner mit dem Bearbeiter und Komponisten Sigfrid Karg-Elert vielleicht noch etwas anfangen kann, mit diesen Stücken ist nicht viel Staat zu machen. Karg-Elert war durchaus ein origineller Komponist der späten deutschen Orgelromantik mit durchaus entdeckenswerten Werken. Aber diese Bearbeitungen sind es ehrlich gesagt nicht. Außer der Tatsache, dass man mit diesen Bearbeitungen etwas wahrlich Besonderes kennen lernt und mit Raritätenkenntnissen angeben kann, gibt es wohl keinen Grund, sich diese Musik zu Gemüte zu führen, außer wenn man sich für die historische Dimension derartigen Komponieren beziehungsweise Bearbeitens interessiert.

Der dünne Klang eines Harmoniums, der durchaus faszinierend sein kann, wenn man an Arnold Schönbergs Wiener-Walzer-Bearbeitungen denkt, erscheint hier zumeist nur wie ein schwachbrüstiges Akkordeon oder eine Orgel, die zu wenig Luft hat. Das mag am speziellen Instrument liegen, am Spieler oder auch an der Aufnahmetechnik, auf jeden Fall mag ein Harmoniumsklang  vielleicht für Wagners „Siegfried-Idyll“, das „Parsifal“-Vorspiel oder die „Gralsmusik“ aus der gleichen Oper eine Option im positiven Sinne am Rande des Denkbaren sein, der hier genauso eingespielte Trauermarsch aus der „Götterdämmerung“ jedoch wirkt einfach nur lächerlich und armselig in dieser Bearbeitung. Armer Wagner! Aber auch so Nummern wie „Winterstürme wichen dem Wonnemond“ aus der „Walküre“ oder das Spinnerlied aus dem „Fliegenden Holländer“ wirken eher wie Karikaturen ihrer selbst und Wagners in einem, aber nicht wie ernst zu nehmende Musik.

Karg-Elert ist vielleicht der einzige Komponist, der sich speziell dem Instrument Harmonium zugewandt hat. Die Unmengen von Originalstücken mögen ja teilweise reizvoll sein, aber die Wagner-Bearbeitungen dieser CD sind eher skurril.

Natürlich gibt es Momente, in denen die Klangfarben eines Harmoniums reizvoll sind als Annäherungen an die Orchesterklangfarben Wagners, aber diese Annäherungen sind eben doch Lichtjahre vom Original entfernt. Und auch die Argumentation, dass man mit diesen Arrangements die Musik Wagners einem weiteren Zuhörerkreis hat zugängig machen können – die Bearbeitungen stammen schließlich aus der Zeit direkt vor dem ersten Weltkrieg – kann nicht recht ziehen. Das Harmonium war nie ein Instrument, das weit verbreitet gewesen wäre. Und heute gibt es solche Instrumente höchstens mal noch in Ausnahmefällen auf Friedhöfen oder in privaten Sammlungen. Dieses Instrument hat sich total überholt. Und wenn, dann spielt man doch besser Originalliteratur, zum Beispiel von Cesar Franck oder dessen Umfeld, wo durchaus manch Reizvolles für das Harmonium zu entdecken ist. Oder man spielt eben Orgelliteratur auf dem Harmonium, aber dann natürlich Stücke ohne Pedal. Historisch ist diese CD hoch interessant. Mehr aber nicht.    

Reinald Hanke
April / Juli 2021

Das Klavierwerk „Chessmen“ von Timothy Miller enthält  sechs Charakterstücke. Als Vorlagen dafür dienen die Figuren des Schachspiels. Jede einzelne von ihnen wird von dem Komponisten mit pädagogischen Hinweisen zur Spielweise am Klavier bedacht. Die musikalischen Umsetzungen sind wunderbar gelungen: 1.der König majestätisch, 2.die Königin elegant, 3.der Springer hurtig, 4.der Turm starr und steinern, 5.der Läufer eilig und abschließend 6.der Bauer energiegeladen. Das geforderte technische Niveau an PianistInnen ist nicht besonders hoch (2.Lernjahr), dennoch ist der künstlerische Wert der Stücke aufgrund der musikalisch interessanten Ideen beachtlich.

Cristian Peix
März / Juli 2021

Derzeit erfährt Hans Fährmann (1860 – 1940), von 1890 bis 1926 Organist und Kantor an der Dresdner Johanneskirche und seit 1892 Orgellehrer am Dresdner Konservatorium und damals herausragender Virtuose, eine echte Wiederbelebung mit dem Revidierten Reprint der Erstausgabe Leipzig o.J. seiner Chorwerke, einer CD-Einspielung dieser Werke mit dem renommierten SWR Vokalensemble und bereits der Folge V seiner Orgelwerke. Von denen gibt es 14 teilweise sehr umfangreich angelegte Orgelsonaten, 3 Konzerte für Orgel und Orchester und darüber hinaus noch eine ganze Reihe weiterer großer Orgelkompositionen, Choralvorspiele und Charakterstücke, außerdem Lieder, weitere Chorwerke, zwei Oratorien und Kammermusik.

Fährmanns spätromantische Kunst – er arbeitet viel mit übermäßigen, bzw. chromatisierten Akkorden, ungewöhnlichen harmonischen Verbindungen, relativ wenig polyphonen Strukturen bei einem meist achtstimmigen dichten Satz – ist höchstens vergleichbar mit der Kunst eines Middelschulte oder Reger, viel Aufsehen hat sie damals erregt. Damit war es aber auch schnell vorbei, als Sing- und Orgelbewegung andere Ziele deklarierten und sich die Romantik schlichtweg überlebt hatte. Nach dem zweiten Weltkrieg war nicht nur sein Verlag (Junne) zerstört und seine Druckausgaben vergessen, sondern ihr Komponist Fährmann damit ebenso. Dank des unermüdlichen Einsatzes von Dietrich von Knebel hat sich das geändert, zumindest in studierten Kreisen ist Fährmanns Name wieder ein Begriff. Seine Musik, so beeindruckend schön sie stellenweise ist, tut allerdings heute auch eine andere Wirkung, sind doch rund hundert Jahre inzwischen vergangen, die neue Erfahrungen gebracht haben. Unter diesen Voraussetzungen hört man sich seine gesteigerte Chromatik auch schnell über, was das Verdienst der Interpreten nicht schmälern darf, ist doch das von ihnen geforderte Können sehr hoch anzusetzen.

Interessant sind Fährmanns Chor- und Orgelwerke allemal, aber Weniges ist da auch genug! Nach solcher Vollkost wirkt der Biedermeierstil eines Rheinberger oder Mendelssohn wie Schwarzbrot. Wer Fährmann noch nicht kennt, hat jedenfalls eine Wissenslücke, darum sehr empfehlenswert!

Rainer Goede
März / Juli 2021

Der junge Franzose Thomas Dunford (*1988) legt hier seine erste Bach-Einspielung vor, zu der die g-Moll-Suite BWV 995 und eigene Übertragungen der 1. Violoncello-Suite G-Dur BWV 1007 und der Chaconne aus der Violin-Partita d-Moll BWV 1004 gehören. Er spielt eine Laute, die Giuseppe Tumiati aus Cremona 1993 fertigte. Der Lautenlaie, als der sich der Rezensent bezeichnen muss, hört eine sehr angenehme knappe Stunde Musik, wie die Auswahl des Komponisten auch nicht anders erwarten lässt. Dass Übertragungen vorhandener Kompositionen auf die Laute gängig waren und sind, dafür steht vor allem Bach selbst Pate mit seiner Fassung von BWV 995, die nichts anderes ist als die Lautenfassung der Cellosuite c-Moll, BWV 1011, transponiert nach g-Moll. Insofern ist das Programm logisch und in sich schlüssig aufgebaut. Bach war bekanntlich auch in der Transkriptionstechnik ein Meister. Der Höreindruck dieser CD besagt, dass seine g-Moll-Suite auch die klangvollste der drei Opera ist. Dunfords Übertragungen sind notengetreu und sehr durchsichtig anzuhören, die Chaconne natürlich immer ein Ohrwurm. Dunford spielt überlegt, überlegen und ohne die so oft zu hörenden Nebengeräusche. Der Rezensent kann ob seiner fehlenden Kenntnisse nicht sagen, warum Dunfords Transkriptionen weniger klangvoll klingen. Was aber nichts bedeutet, Bachs Musik ist, egal wer sie überträgt, immer Spitzenmusik!


Rainer Goede
März / Juni 2021

Claudio Monteverdi (1567 – 1643), aufgewachsen in Cremona, seit 1591 für 22 Jahre bei Vincenzo I Gonzaga (1562–1612) am Herzogshof in Mantua, danach Kapellmeister am Markusdom in Venedig, hat früh begonnen, seine Opera zu veröffentlichen. So ist er beim Druck seiner dritten Madrigalsammlung 1592 gerade 25 Jahre alt - und mitten drin in der aufregenden Entwicklung einer neuen Musiksprache, seiner Seconda prattica. Den fünfstimmigen A-Capella-Madrigalen liegen Dichtungen von Pietro Bembo, Giovanni Battista Guarini, Torquato Tasso und Angelo Grillo zugrunde, lyrische Liebesgedichte, hohe Kunst der späten Renaissance. Vergessen ist die alte Kunst der Niederländer - und blieb doch Grundlage dieser Sätze. Aber nicht die Satzkunst als solche steht im Vordergrund, sondern der empathische Ausdruck, am besten zu hören in Torquato Tassos Combattimento di Tancredi e Clorinda (Track 15 – 17, i.e. der Moment am Ende des Kampfes zwischen Tancredi und Clorinda, in dem der christliche Krieger seinen Helm abnimmt, nur um festzustellen, dass er unwissentlich seine Geliebte getötet hat, aus Tasso’s Gerusalemme liberata 1574). Monteverdi sollte ihn ein Lebensalter später 1624 noch einmal vertonen, dann veröffentlicht in seinem VIII. Madrigalbuch Madrigali guerrieri et amorosi (Madrigale von Liebe und Krieg, Venedig 1638), mit der Seconda prattica so theatralisch, dass seine Zuhörer weinen mussten.

Dahin ist Monteverdi hier auf dem Weg, was Altmeister Rinaldo Alessandrini eindrucksvoll mit seinem Ensemble Concrto italiano nachzeichnet. Wechsel in jeder Hinsicht, Homo- und Polyphonie, Lautstärke, Tempo, Besetzung, Dynamik, vor allem die gekonnte deutliche Artikulation macht die Sprache mitfühlend, lässt die musikalischen Farben sprühen, die dramatische Bühne erahnen. In seinen Madrigalen schuf Monteverdi eine Atmosphäre, in der Schilderungen traumatisch werden, Liebe tötet. Mehr als Empfehlenswert!


Rainer Goede
März / Juni 2021

Der 450. Geburtstag des Komponisten im Jahr 2017 war dankenswerterweise Anlass für eine ganze Reihe an Produktionen. Dass es eines solchen Anlasses nicht wirklich bedarf, sondern die Marienvesper eine währende Anziehungskraft hat, bezeugen zwei weitere Einspielungen, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Da Monteverdi in seiner Sammlung Sanctissimae Virgini missa senis vocibus ad ecclesiarum choros ac vespere pluribus decantandae cum nonnullis cacris concentibus ad sacella sive principum cubicula accomodata opera … nichts Genaues zum Zweck, Verwendung und Besetzung aussagt außer, dass die Sammlung ihn Papst Paul V. empfehlen soll, muss ein jeder Interpret zunächst sich Gedanken zur Zielsetzung seiner eigenen Aufführung machen.

Boterf sieht mit Blick auf die zuvor stehende sechsstimmige Messe den liturgischen Rahmen als bestimmend an, Halubek aus seiner Praxis heraus eine Darstellung im Opernbetrieb. Boterf beschränkt sich deshalb auf eine A-Cappella-Besetzung mit Basso continuo (Gambe, Posaune, Basszink und eine italienische Orgelkopie, die also den Gesamtklang stark beeinflusst) und zweier Cembali, ergänzt die Antiphone, behält aber die die Vesperpsalmen kontrastierenden Concerti bei, anstelle der Sonata supra Sancta Maria steht das Ricercar von Frescobaldi (aus Fiori musicali, 1635) mit demselben Text und schließlich ertönt das sechsstimmige Magnificat, so nähert sich Boterf der üblichen Besetzung von Messen und Vespern um 1610 an.
Halubek wählt die schon traditionelle groß besetzte Instrumentalfassung, lässt allerdings die jeweiligen Instrumente, bzw. Soli zusammen aus je einem Stimmbuch musizieren, um der Aufführungspraxis von 1610 näherzukommen, wobei er besonderes Augenmerk auf die Durchhörbarkeit der Psalmtöne legt, und schließlich erklingt das siebenstimmige Magnificat. Beide Ansätze sind so selbstverständlich wie überzeugend und das klangliche Ergebnis ist in jedem Fall wirklich toll zu nennen. Die entschlackte Boterf-Lösung lässt die komponierte Pracht des virulenten Opernkomponisten ebenso klingen wie die virtuosen Leistungen der erprobten Halubek-Mannschaft, vor allem die Zinken glänzen hier natürlich bravourös. Die Aussprache bei der französischen Produktion ist etwas gewöhnungsbedürftig, die der deutschen aber auch nicht immer ganz deutlich.

Die CD versammelt Werke aus der Düben-Sammlung für Sopran und Streicherensemble, wozu fallweise noch ein Fagott tritt. Im Mittelpunkt steht eine Vertonung des Psalms 100 (Confitebor tibi Domini) von Claudio Monteverdi, Spitzenstück ist aber Johann Rosenmüllers Fassung des Psalms 6 (Ach Herr, strafe mich nicht in deinem Zorn), in der der Wolfenbütteler Hofkapellmeister (zwischen 1682 und 1684) selbst die Theatralik eines Heinrich Schütz weit übertrifft. Formal umfassen die Geistlichen Konzerte instrumentale Sinfonien, Ritornelle und  madrigaleske Vokalpartien, typisch hierfür ist Augustin Pflegers lateinische Motette „Ad te clamat cor meum“. Rein instrumental ist Scheidemanns Choralbearbeitung „Christ lag in Todesbanden“ wiedergegeben, ob seiner strengen polyphonen Gestaltung nicht so recht passend in das übrige Programm. Christoph Bernhard ist vertreten mit Psalm 130 (Aus der Tieffen), Dieterich Buxtehude mit der Kantate „O clemens, o mitis, o coelestis pater“, BuxWV 82, und Andreas Hammerschmidt mit seinen Konzerten „Vulnerasti cor meum“ (Hohelied Salomonis 4,9ff, nur mit der Orgel (Brice Sailly) besetzt) und „Nun danket alle Gott“ (Jesus Sirach 50,24-26).

Die CD gibt der Sopranistin Julie Roset eine einzigartige Gelegenheit für ihr CD-Debüt, was wohl die Programmzusammenstellung auch motiviert hat. Sie singt einsam schön, versteht sich auf die Kunst des Non-vibrato-Singens genauso gut wie auf Verzierungen, und bringt jeden Textinhalt emotional vollkommen  herüber. Leider hat die Aufnahmetechnik sie etwas weit in den Hintergrund gestellt. So dominieren die Streicher unter der Leitung von Stéphanie de Failly, denen man allerdings auch sehr gerne zuhört.

So gelungen die Interpretation von Julie Roset, die leider nicht immer textverständlich singt, und dem Ensemble Clematis ist, so defizitär ist das Booklet. Abgesehen von einigen Satzfehlern verschweigt es jede Information über die benutzten Instrumente sowie alle Texthintergründe, weswegen ihre Herkunft wenigstens in dieser Rezension genannt sei. Auch ein Wort zur Verwendung der Geistlichen Konzerte am Hof und im Gottesdienst fehlt im Beitrag von Jéróme Lejeune. Macht aber akustisch nichts, denn die Musik ist wirklich sehr gut gemacht!


Rainer Goede
März / Juni 2021

Josef Suk - Piano Works

In der vorliegenden Auswahl finden sich Klavierstücke des tschechischen Komponisten Josef Suk eingespielt von Karl-Andreas Kolly. Einflüsse von Schwiegervater und Lehrer Antonin Dvorak sind besonders im Zyklus op.10 sowie Dumka op.21,3 zu erkennen. Kolly gelingt hier das Virtuose  (Capriccio) sowie der Griff in den Farbtopf der Klangmöglichkeiten. Manches Ruhige erinnert gar an Gabriel Fauré.
Der Kern der Einspielung – der Zyklus op.30 „Erlebtes und Erträumtes“ ist kompositorisch abwechslungsreich und fordert den Pianisten heraus dieses zu zeigen, was dem Interpreten auch gut gelingt, besonders erwähnenswert hier der Ausklang „Adagio“.

Für den Rektor des Prager Konservatoriums Josef Suk scheint die Klavierkomposition eine besondere Herausforderung zu sein. Selbst als 2. Geiger im böhmischen Streichquartett arbeitet er viele Möglichkeiten für das Klavier heraus. Das jazzige „Vivace“ z.B. zeigt neue harmonische Ufer.

Das letzte Stück der CD „Liebeslied“ schließt großartig den Kreis dieses interessanten Projektes, das den Zeitgenossen Arnold Schönbergs auf liebevolle Art und Weise würdigt.


Cristian Peix
März / Mai 2021

Hanns Eisler - Lieder Vol. 4

Diese sehr hörenswerte Aufnahme früher Lieder Hanns Eislers zeigt die Vielseitigkeit des jungen Komponisten. Aus den ca. 500 Liedern ist in dem 4. Volume Holger Falk und Steffen Schleiermacher eine abwechslungsreiche Auswahl gelungen. Thematisch und musikalisch zeigt die vorliegende Zusammenstellung den großen Bogen der Jahre 1917-1927. Sensibel und stimmungsvoll gestalten Sänger und Pianist die manchmal musikalisch reichhaltigen, manchmal fast trocken anmutenden Stücke des Schönberg – Schülers. Hanns Eislers 1.Weltkriegserfahrungen spielen in die Kompositionen hinein (Der Tod u.v.a.), wie auch die Prägung im Umfeld der 2. Wiener Schule (Sechs Lieder op.2). Besonders hervorzuheben sind die Vertonungen von Zeitungsausschnitten.

Die überwiegend kurzen Lieder bieten den beiden arrivierten Interpreten die Möglichkeit, viel von ihrem Handwerk – welches sie sehr gut beherrschen -  zu zeigen. Holger Frank überzeugt mit einem samtigen Timbre, müheloser Höhe und ehrlichem Ausdruck, Steffen Schleiermacher gestaltet als wunderbarer Partner am Klavier mit vielen Nuancierungen und hält dabei gleichzeitig den musikalischen Bogen.


Cristian Peix
März / Mai 2021

24 Pastels for Piano

Für die Musik aber eine dringende Empfehlung nicht nur für Klavier, sondern teilweise auch auf der Orgel oder auf dem Cembalo, die Farbigkeit steckt an!


Sven Dierke
Januar / Mai 2021

In der letzten Folge seiner Kompletteinspielung des Fitzwilliam Virginal Book, (15 CDs, 16‘14‘‘) bringt der renommierte niederländische Cembalist Pieter-Jan Belder Werke von Giles und Richard Farnaby, William Byrd und einige anonyme Stücke. Für diese Gesamteinspielung regte er die Neuausgabe des FVB bei Lyrebird an, die die Cembalisten Francis Knights und Jon Baxendale jüngst edierten. Nach der ersten Druckausgabe des Manuskriptes (ca. 1607 – 1619) durch John Alexander Fuller-Maitland im Verlag Breitkopf & Härtel 1899 und etlichen Nachdrucken ist dies erst die zweite Ausgabe, die manches revidiert und klärt. Jon Baxendale schrieb denn auch den ausführlich informierenden Booklettext zur Einspielung.

Bewundernswert ist allein schon das Mammut-Vorhaben, das FVB, der größten Sammlung von Klaviermusik des 16. und des 17. Jh., mit seinen 297 Tänzen, Variationen, Grounds, Fantasias, Intavolierungen, Preludes und Toccaten, komplett einspielen zu wollen. Das immense Repertoire umfasst Werke fast aller großer Komponisten der elisabethanischen Zeit und der Epoche Jakobs I., die für Tasteninstrumente komponiert haben: John Bull (1563–1628), William Byrd (ca. 1543–1623) und Giles Farnaby (c. 1563–1640) stellen den größten Teil der Stücke. An vierter Stelle folgt Peter Philips (1561–1628). Auch Stücke unbekannterer Komponisten, wie Martin Peerson (c. 1572–1650), John Mundy (1550–1630), Edward Johnson (ca. 1572–1601), William Tisdale (auch Tisdall, c 1590) und William Inglott (1554–1621) sowie anonyme Stücke hat der Kopist Francis Tregian d.J., Rekusant aus Cornwall (1574–1619), in seine Sammlung aufgenommen. Als ausländische Komponisten sind nur der Niederländer Jan Pieterszoon Sweelinck, der befreundet war mit Peter Philips, und Giovanni Picchi, venezianischer Komponist und Tanzlehrer, vertreten.

Giles Farnabys hier eingespielte Werke sind eine Entdeckung mit ihren kompositorischen Freiheiten wie ungekannten Taktarten (z.B. 3+3+2/4) oder Wechsel von je zwei Takten 4/4 und 6/4, seinen ideenreichen Virtuosität verlangenden Variationen, Grounds und Tänzen. Belder tischt diese auf zwei klangschönen Ruckers-Kopien von Adlam Burnett von 1980 und 2014 auf, versieht sie mit geschmackvollen Verzierungen (Triller, Mordente, Schleifer) und spielt sie mit nicht nachlassender Hingabe und klarer überlegter, manchmal etwas kurzer Artikulation, seine Interpretation richtet sich nach den Spielanweisungen Frescobaldis. Die vier Stücke, die von Farnabys früh verstorbenen Sohn Richard im FVB überliefert sind, sind stilistisch denen seines Vaters ähnlich. Etwas „seriöser“ geben sich die Stücke des ja fast eine Generation älteren William Byrd, z.T. gespielt auf einem Muselar, einem rechtsspieligen Virginal, das sich sehr reizvoll „klopfig“ anhört. Byrds Meisterstück, die Phantasie „Ut, re, mi“ ist eine phänomenale kontrapunktische, eben „altmeisterliche“ Komposition. Dass er auch ganz anders konnte, auch mit verschiedenen Taktbetonungen in beiden Händen und virtuosen Läufen, zeigt er in den anderen Phantasien, Variationen und Tänzen. Den Praeludien sieht man so richtig ihre praktische Funktion an, bei ihrem Erklingen die später mitspielenden Gamben zu stimmen.
Die CD reizt förmlich, die meist nicht allzu langen Stücken selbst zu spielen, welch schöner Effekt einer Einspielung!

Im Booklet-Programm haben sich bei der Nummerierung der Stücke leider einige Fehler eingeschlichen.


Rainer Goede
März / Mai 2021

Der spanische Komponist Federico Mompou schrieb vor allem Klavierstücke übersichtlicher Art. Die zumeist kurzen Stücke werden von dem Pianisten Steffen Schleiermacher treffend als Kostbarkeiten erkannt und gestaltet.

Der Titel der vorliegenden Aufnahmen ist nicht nur einer der Zyklen, sondern auch wohl Lebens- und Kompositionsthema von Mompou selbst. Schleiermacher fühlt sich ein und bringt die Welten zum Klingen.

Das Zurückgezogene in Mompous` Kompositionsstil ist Spiegelbild seines Lebens. Außenseiter, Fremdling – aber in der Welt der Musik mit sich und allem in Einklang. Das bringt Schleiermacher zu Gehör. Eine wunderbare Aufnahme, wunderschöne Klaviermusik. Beides darf ruhig große Verbreitung finden.

Cristian Peix
März / Mai 2021

„Auld Lang Syne“ mit dem berühmten Text von Robert Burns gibt es in zwei verschiedenen Melodien, die der Arrangeur Thomas Caplin in seiner Bearbeitung geschickt kombiniert. Der Aufbau der Komposition ist vierteilig.

1. Chor als Begleitung der Solostimme
2. Solostimme als Begleitung bzw. zusätzliche Klangfarbe des Chores
3. Chorsatz klassisch
4. Alles kombiniert.

Der an sich klassische Chorsatz wird durch popularmusikalische Stilmittel aufgelockert und bietet sowohl klassisch singenden als auch popularmusikalischen Ensembles die Möglichkeit gemeinsam zu singen. Der Satz ist nicht schwer, die Solostimme ist in Alt-Lage auch gut von einer kleinen Chorgruppe zu singen.
Die Ausgabe ist übersichtlich, wenn auch etwas klein gedruckt, offenbar haben sich einige Druckfehler eingeschlichen, die beim redigieren nicht aufgefallen sind.

Sehr gut singbarer Satz auch für weniger geübte Chöre.


Sven Dierke
Januar / April 2021

„Auld Lang Syne“ mit dem berühmten Text von Robert Burns gibt es in zwei verschiedenen Melodien, die der Arrangeur Thomas Caplin in seiner Bearbeitung geschickt kombiniert. Der Aufbau der Komposition ist vierteilig.

1. Chor als Begleitung der Solostimme
2. Solostimme als Begleitung bzw. zusätzliche Klangfarbe des Chores
3. Chorsatz klassisch
4. Alles kombiniert.

Der an sich klassische Chorsatz wird durch popularmusikalische Stilmittel aufgelockert und bietet sowohl klassisch singenden als auch popularmusikalischen Ensembles die Möglichkeit gemeinsam zu singen. Der Satz ist nicht schwer, die Solostimme ist in Alt-Lage auch gut von einer kleinen Chorgruppe zu singen.
Die Ausgabe ist übersichtlich, wenn auch etwas klein gedruckt, offenbar haben sich einige Druckfehler eingeschlichen, die beim redigieren nicht aufgefallen sind.

Sehr gut singbarer Satz auch für weniger geübte Chöre.


Sven Dierke
Januar / April 2021

Die Weihnachtsmotette „Puer natus est“ über den bekannten Text aus dem Buch Jesaja (Vers 9,6) basiert auf der der bekannten Choralmelodie aus dem 14. Jahrhundert. Der norwegische Komponist Tord Kalvenes bedient sich in seinem Stück improvisatorischen Techniken, die einen geübten Chor bzw. ein geübtes Ensemble erfordern, die sich auch mal trauen, solistische und individuelle rhythmische Partien zu übernehmen. Ähnlich, wie z.B. bei Nysted, arbeitet der Komponist mit sich verändernden Cluster-Klängen aus denen die Melodie des Chorals immer wieder hervortritt. Dieses spannende Stück hat sowohl den lateinischen Text, wie auch eine norwegische Übersetzung, die aber leicht in andere Sprachen übertragbar ist. Etwas Akustik schadet dem Stück sicher nicht. Endlich mal ist das Druckbild des Stückes in einer ordentlich lesbaren, die Seiten ausfüllenden Größe.

Für Kammerchöre sehr zu empfehlen.


Sven Dierke
Januar / April 2021

H. Arlen/E.Y. Harburg/B. Rose: PAPER MOON
arrangiert für Solostimme, SATB mit Akkordsybolen vom Håvard Sveås, Starvanger, Cantando o.J.

Ole Børud: THE VOW
für SAT+SAT (oder Bläser) mit Akkordsymbolen, arrangiert vom Håvard Sveås, Starvanger, Cantando o.J.

Bobby Troup: ROUTE 66
arrangiert für Solostimme, SATB mit Akkordsybolen vom Håvard Sveås, Starvanger, Cantando o.J.

Die Chorserie „Variert Velklang“ des Cantando Verlages bietet meist arrangiert von Håvard Sveås, Popchorarrangements von Klassikern wie neueren Songs in englischer und norwegischer Sprache. Die drei vorliegenden Ausgaben bieten eine nicht zu schwere Repertoireerweiterung für Chöre, die sich gerne mit Popularmusik beschäftigen. Alle Arrangements dürften Interpreten wie Publikum Spaß machen:

THE VOW
„I made up my mind, I made up my soul“ ist eine funkige Liebeserklärung an die Angebetete von Ole Børud. Komponiert für zwei SAT-Chöre, bietet die Ausgabe verschiedene Besetzungsvarianten. Chor 1 hat den Songtext, Chor 2 füllt den Satz mit Scatsilben, bläserähnlich auf. Es besteht die Möglichkeit, diesen Chor auch mit Bläsern zu besetzen. Improvisatorische Kenntnisse von Pianist oder Band sind unabdingbar, da es keine ausnotierte Instrumentalstimme gibt.

ROUTE 66
Håvard Sveås Bearbeitung des Bobby Troups Hit „Route 66“ für Solostimme (f1-d2) und vierstimmigen Chor, bietet Chören die Möglichkeit „Background-Chor“-Erfahrungen zu machen, singt der Chor doch durchgehend auf Scatsilben („Bap, bap bara bap“). Text und Melodie sind der Solostimme anvertraut. Für versierte Pop-Chöre ein schönes „Futter“ für zuwischendurch.

PAPER MOON
Der Klassiker „It is only a Paper Moon“ von 1933 erinnert im Arrangement von Håvard Sveås an die großen Vokaljazz Ensembles, wie die Andrew Sisters. Sowohl a cappella, als auch mit Piano oder Bandbegleitung (Jazz-Trio) bietet die nicht sonderlich schwere Bearbeitung eine gelungene Repertoireerweiterung für Chorkonzerte. Die Solostimme (a0-h1) bietet auch mal einer „Alt-Stimme“ die Möglichkeit zu solistischen Auftritten, aber auch in einer kleinen Chorgruppe ist der Solopart gut machbar.


Sven Dierke
Januar / April 2021

„Nachdeme unter Anleitung des ohne Schmeicheley besten Meisters der Welt Hr. Jo: Jos. Fux, Kaiserl: Obrist-Capell-Meister durch vieljährige Mühe in der Schlagkunst mich so weit als möglich zu kommen geflissen, habe mich bereden lassen in Väterliche Fussstapfen zu tretten…“ Als Sohn des berühmten Geigers, Organisten und Theoretikers Georg Muffat waren diese Fußstapfen groß. Allerdings schloss Gottlieb Muffat meisterhaft an das musikalische Erbe seines Vaters und das seines Lehrers Johann Joseph Fux an. Er komponierte in einem italienisch-französischen Mischstil, den man durchaus als österreichisch bzw. süddeutsch bezeichnen kann. Geboren in Passau machte sich der junge Gottlieb nach dem Ableben seines Vaters auf den Weg nach Wien, um als Angestellter am Wiener Hof tätig zu sein. Neben seiner Aufgabe als Hoforganist war er als „Maestro di Cembalo“ auch für den Clavierunterricht zuständig. Zu seinen Schülerinnen zählte unter anderem die spätere Kaiserin Maria Theresia.

Neben seinen 72 Versetten sammt 12 Toccaten, aus dessen Vorwort „An den günstigen Leser“ das Zitat zu Beginn stammt, und einer Vielzahl an kleineren Clavierstücken, sei noch sein cembalistisches Meisterwerk, die Componimenti musicali per il cembalo, erwähnt. Sie bilden 6 Suiten und eine Ciaccona mit 38 Variationen. Nach der Rückkehr des Archives der Berliner Singakademie nach dem 2. Weltkrieg wurde Muffats Nachlass an Cembalosuiten um 26 bis dahin unbekannte „Parthies“, wie er sie selber nannte, reicher. Sechs dieser Suiten sind 2017 in der Edition Breitkopf & Härtel unter der Verlagsnummer EB 8904 erschienen und wurden von Glen Wilson herausgegeben.

Nach einer Eröffnung durch ein Prélude bzw. einer Fantaisie folgen Sätze der klassischen Suitenform Allemande-Courante-Sarabande-Gigue. Diese werden durch allerhand „Galanteriestücke“, wie Muffat seine Stücke im Componimenti musicali nennt, bereichert bzw. ersetzt. Sie sollen „auf dem Clavier nach einer richtigen oder accuraten Art und Weise zu spielen nicht allein künstlich eingerichtet, sondern auch dem Gehör all‘ Vergnügen geben dörfften.“ So finden wir Sätze wie Contrefaiseur, L’Allégresse oder Coquette, die schon aufgrund ihrer Bezeichnung weg von steifen Suiten hin zu freien Aneinanderreihungen von Charakterstücken führen, so wie es in Frankreich zu dieser Zeit praktiziert wurde.

Die bewährte Qualität des Breitkopfverlags ist auch in diesem Notenband präsent. Ebenso hat der Herausgeber seine Aufgabe vorbildlich wahrgenommen. Zu Beginn des Bandes steht ein ausführliches Vorwort auf Deutsch und Englisch; im Anhang findet sich ein klar strukturierter Kritischer Bericht. Dieser ist allerdings nur in englischer Sprache verfasst. Außerdem finden wir nach dem Vorwort eine Fotokopie der äußerst umfangreichen Verzierungstabelle Muffats aus den Componimenti musicali vor. Des Weiteren wurden gelegentlich Einzelseiten abgedruckt, welche einen kleinen Einblick in die Originalquellen geben.

Als Resümee kann man besten Gewissens behaupten, dass es sich hierbei um eine sehr gelungene Ausgabe von bislang unveröffentlichten Cembalosuiten handelt, die aus der Feder eines der bedeutendsten Wiener Komponisten jener Zeit stammen. Eine Wonne für alle Liebhaber der Cembalomusik, die ins Wien des frühen 18. Jahrhunderts reisen möchten.


Johannes Zeinler
Januar / April 2021

Johann Schop (1590 – 1667), seit 1621 Direktor der Hamburger Ratsmusik, war einer der ersten deutschen Geiger, der die moderne freie Gestaltung, den Stylus phantasticus, den die italienische Opernmusik der Zeit kreiert hatte, im Norden heimisch machte. Seine virtuose Kunst führt hier Gabriele Steinfeld auf einer Geige eines anonymen Meisters aus Hamburg von 1680 an sechs Stücken aus ‘t Uitnement Kabinet eerste deel (Amsterdam 1655) für Violine und Cembalo exemplarisch vor. Seine, bzw. ihre Virtuosität sind einfach beeindruckend, heute wie damals, unglaublich unerwartete Wendungen bringen höchstes Hörvergnügen. Das wird noch gesteigert in zwei Violinsolostücken, Praeludium in c und Allemande in g von dem in Lübeck geborenen Thomas Baltzar (1631 – 1663). Der spätere Londoner Violinist verlangt zum ersten Mal mehrstimmiges Spiel und die hohen Lagen der Violine, womit er vor einem staunenden Publikum brillierte. Anke Dennert steuert zu diesem Hamburg-Portrait vier Variationen zu „Die lieblichen Blicke“ bei, bisher vernachlässigte Cembalopiecen des Jacobi-Organisten Matthias Weckman (1616 – 1676), gemacht wie bestellt für das dreiregistrige Cembalo von Carl Conrad Fleischer, Hamburg 1716. Hauptwerke der CD aber sind drei Sonaten und eine Partita für Violine und Cembalo von Georg Philipp Telemann (1681 – 1767), zwar nicht so aufregend wie die vorgenannten Stücke, aber sehr gefällige unterhaltsame Musik mit hohem Anspruch. Die Partita (1716) stammt bereits aus Telemanns  Frankfurter Zeit, ebenso die Sonate g-Moll, TWV 41:g1. Aus Hamburger Zeit stammt die Sonata terza TWV 41:e2, bestückt mit extravaganten Verzierungen und allerhand Galanterien. Telemanns letzte große Sammlung beinhaltet die Sonate F-Dur, TWV 41:F4, gediegene wie einfallsreich witzige Musik. So kann man sich einen spannenden wie gemütlichen und vergnüglichen Konzertabend eines Collegium musicum in Hamburg des 18. Jahrhunderts gut vorstellen.


Rainer Goede
Februar / April 2021

Die vorliegende Publikation mit 19 Liedern bietet eine reiche Auswahl an musikpädagogischen Anregungen zum Singen und Spielen vom Kindergarten bis zum Grundschulalter.
Die Autorinnen Erika Kielholz aus der Schweiz und Elke Landenberger aus Deutschland vereinen Spiel- und Mitmachlieder von unterschiedlicher Schwierigkeit und Anspruch. Manche Melodien meint man schon öfter gehört zu haben (Wer ist heute da), andere sind anspruchsvoller mit schönen Ideen zum Lernen des Kanonsingens (Geburtstag). Manch Text wirkt wie aus der Feder Helge Schneiders entsprungen (Wenn es keine Kartoffen gäbe, könnten wir keine Pommes essen) andere bieten, teilweise aus dem Schwäbischen oder Schwytzerdütschen übertragen, eine gute, kindgerechte religiöse Sprache (Jeden Morgen ist ein neuer Tag). Geistliche (Salz der Erde) wie weltliche (Großes Vogelkonzert) Texte sind vorhanden und bieten so ein Kompendium für die Kirche wie für Kita oder Schule.

Zu allen Liedern gibt es gute Hilfen zur Einstudierung und zu passenden Bewegungsspielen. Wie immer in Sammlungen ist vieles zu gebrauchen, einiges aber auch nicht. Die beiliegende CD, mit Ensembles der Autorinnen ist eine hilfreiche Einstudierungshilfe, zum häufigeren Hören klingen die Aufnahmen aber zu direkt und selbstgemacht.
Empfehlung als Materialsammlung für ErzieherInnen und LehrerInnen im Grundschulbereich.

Sven Dierke
Januar / April 2021

Beethovens Klavierkonzerte sind experimentelle singuläre Ereignisse gewesen, die Wiener lagen ihm zu Füßen und gewährten ihm die erhoffte Anerkennung als Künstler ersten Ranges, seine Verleger verdienen sich noch heute entsprechende goldene Nasen. Beethoven, so musiziert wie auf dieser Einspielung, wirkt heute noch genauso experimentell und singulär! Zumal die Aufnahmen nicht nur mit historischen Orchesterinstrumenten – Wallisch spielt zwei Hammerflügel von Conrad Graf (1818 und 1824) und einem von Franz Bayer (1825) – gemacht wurden, sondern zudem auch der Ortsvorteil der historischen Räume, in denen damals die Klavierkonzerte zum ersten Mal erklangen, genutzt werden konnte. Das ermöglicht Klänge, die der Hörer aufsaugt als Offenbarung so mancher raffiniert ausgetüftelter akustischer Phänomene, z.B. in den langsamen Sätzen des c-Moll-Konzertes op. 37 (1804) und der Adaption des Violinkonzertes op. 61a (1810)! Da wird offenbar, was moderne Instrumente ob ihrer obertongeschärften Brillianz zuschleifen, aber Beethoven doch gemeint hat, z.B. im G-Dur-Konzert op. 58 (1806) - und was Interpreten wie Wallisch und Haselböck in superfein abgestufter Dynamik herausspielen als qualitativen Topsound! Orchester und Solist zeichnen sich hörbar aus durch ihr gemeinsames gespanntes Musizieren und Aufeinanderhören, wie es wohl nur selten vorkommt. Dass die Einspielung etwas dem Wiener Charme erlegen ist, die dem Revolutionären der Kompositionen ein wenig von ihrer Verve nimmt (wofür die örtlichen Grundvoraussetzungen wohl die Verantwortung tragen), ist dabei durchaus sympathisch.

Das Booklet bringt kurze Einführungen zur Chronologie der Kompositionsgeschichten, vermeidet aber leider jeden Ansatz einer satztechnischen oder formalen Analyse der Klavierkonzerte. Die Hammerklaviere werden kurz vorgestellt, außerdem wird auf ein Bonus-Video verwiesen. Die Einspielung stellt eine Krönung so vieler bisheriger Einspielungen dar, dass sie zu einem regelrechten Muss wird.

Rainer Goede
Januar / April 2021

Der Gesichtspunkt, Bachs Schaffen nach Stileinflüssen zu gliedern und einzuspielen, mag neuartig wirken, doch hat man die Entstehungszeiten seiner Werke schon immer beschrieben nach norddeutschen, Italienischen und französischen Stileinflüssen, die er schließlich zu seinem „deutschen“ Stil verband. Zweifelsfrei gehören natürlich die Konzerte nach Vorlagen von Vivaldi und Marcello zu diesem Komplex, hier BWV 974. Ob sich das Capriccio BWV 992 auf den Abschied seines Bruders Johann Jacob (Arnstadt 1704) dazu rechnen lässt, darüber ließe sich bei diesem frühen Stück von Programmmusik sicherlich streiten, Jovanovic begründet es mit „einer italienisierenden musikalischen Architektur“. Ein in diesem Zusammenhang überraschender Gewinn stellen die vier Toccaten BWV 910, 913, 914 und 916 dar, die in Weimar 1709/1710 und in Köthen 1720 entstanden sind. Ihr regelmäßig einstimmiger Beginn weist auf norddeutsche, so manche Figur auf italienische Gepflogenheiten hin. Solche Figuren kennt Bach bereits aus seiner Schulzeit bei Böhm in Lüneburg, wo er die italienische Celler Kapelle kennengelernt haben dürfte. Den bisher meist vernachlässigten Toccaten ist anzumerken, wie Bach hier größere zeitliche und klangliche Dimensionen gewinnen will und gewinnt. Sein „deutscher Stil“ dominiert schließlich völlig.

Der serbische Cembalist und Komponist Jovanović aus Karlsruhe spielt auf einem klangschönen Cembalo aus der Werkstatt von Susanne Merzdorf  (Remchingen 1997) nach einem Pariser Vorbild von 1754. Slobodan Jovanović (*1977) nutzt seine Einspielungen auch immer dazu, seine eigenen Kompositionen zu promoten. Hier ist es Prelude and Fugue (1996/98), das sich sehr gut in das Bach-Programm einfügt, da es viele barocke Einflüsse hat. Das gut informierende, fast etwas redselige  Booklet hätte sicherlich lesbarer gestaltet werden können.

Rainer Goede
Dezember 2020 / März 2021

Um es kurz zu machen: die 12 € für diese liebevolle Broschüre sind eine sehr gute Investition, weil man hier Informationen allgemein verständlich und immer mit angenehmen Foto- und Textteilen in idealer Mischung vorfindet. Konrad Küster machte es möglich. Ein weiteres K für Kompetenz füge ich gerne hinzu.

Nach der 1713 durch Kircheneinsturz zerstörten Vorgängerorgel wurde das Nachfolgeinstrument erbaut von 1716 bis 1719. Allerdings verstarb Arp Schnitger 1718 und so wurde im Auftrag seiner Witwe von seinem Meistergesellen Lambert Daniel Kastens dieser Neubau zu Ende geführt. Diese Orgel wurde 1720 von keinem Geringeren als Vincent Lübeck, Hamburg, abgenommen. Sauer gegen Schnitger! Ja, nach Repraturen und Umbauten erfolgte 1905 ein vollständiger Neubau unter Integration des aber nun stummen Orgelprospektes durch die Firma Sauer, Frankfurt/Oder. 1976 fand durch Franz Grollmann (1911-1999 Hamburg) eine Erweiterung von drei auf jetzt vier Manuale & Ped. mit klanglichen und technischen Veränderungen statt. Im IV. Manual (Bombardwerk) sind: Bombarde 16´, Schweizer Trompete 8´, Hautbois 8´, Clairon 4´, Cornett 5f. ab f 8´disponiert. Dabei wurde die pneumatische Traktur auf elektrische umgestellt. Heinz Hoffmann, ebenfalls Hamburg, erhielt 2000 den Auftrag, die immer noch stummen Prospektpfeifen wieder zum Leben zu erwecken. Und somit war nach fast hundertjährigem Schweigen der originale Prospekt aus der Werkstatt Arp Schnitgers endlich wieder klingend! Diese sogenannte „Prospektorgel“ ist über einen eigenen Spieltisch bzw. auch vom Hauptspieltisch spielbar und enthält: Prinzipal 16´ und 8´ (original) sowie Oktave 4´und 2´ (rekonstruiert).

Neben dieser besonderen Orgel finden weitere Erwähnung der Kirchenchor von 1919, examinierte Kirchenmusiker des 20. Jahrhunderts Ernst Dibbern, Alexander Kern, Hartmut Bethke. Zudem sind Dispositionen ab 1594 sowie eine Zeittafel für die geschichtlichen Ereignisse sehr hilfreich. Aktuelle Kirchenmusikerin ist Dörthe Landmesser, die die Nachfolge von Hartmut Bethke antrat. Sie zeichnet auch für die Redaktion dieser wunderbaren Broschüre verantwortlich. Der Rezensent wünscht dieser stimmigen Erstauflage (300 Stück) eine große Leserschar, damit weitere Auflagen, sprich: Nachdrucke nicht ausgeschlossen sind.

Christoph Brückner
November 2020 / März 2021

Wahnsinn! - Als zweite CD im Rahmen der Gesamtaufnahme der Klavierkonzerte Beethovens bei HMM erschien nun das G-Dur-Konzert, op. 58 (1807), verbunden mit den Overtura zu Coriolan, op. 62 (1807), und der zu Die Geschöpfe des Prometheus, op. 43 (1801). Mit ungehörter Stringenz verfolgen Bezuidenhout und Heras-Casado ihr anvisiertes Ziel, Beethovens Konzerte als quasi Improvisationen darzustellen. Das führt nicht nur zu rasanten Läufen und überraschenden Übergängen, das macht auch den Hörer atemlos, ja platt! Man sieht dabei Bezuidenhout auf der allervordersten Kante des Klavierhockers sitzen, Spannung scheint nicht das richtige Wort für dieses Hörerlebnis ersten Ranges! Einfach Wahnsinn!

Bezuidenhout spielt ein Fortepiano nach Graf (1824), das perlt - direkt aufgenommen – mit ungeheurer Verve! Das Orchester begleitet kraftvoll und nutzt effektvoll alle musikalischen Möglichkeiten, die alte Instrumente bieten, wozu die beiden kurzen Ouvertüren mit ihren Orchesterschlägen und wirkungsvollen Pausen reichlich Gelegenheit geben. Was Beethoven als Pianist von sich forderte und als Komponist niederschrieb, ist hier mit aufregendem Impetus auf die Scheibe gebannt! Einfach Wahnsinn!
Das Fazit der ersten CD in dieser Reihe gilt hier fast noch mehr: Engagement und Können potenzieren sich hier zum Ereignis, zu einem Jahrhundert-Ereignis!

Rainer Goede
November 2020 / März 2021

Agnus Dei lux mundi

Der Titel des für einstimmigen Chor oder Sologesang und Orgel komponierten Stückes gibt mehr Rätsel auf als nötig: Es handelt sich ganz einfach um ein Agnus Dei mit lateinischem und norwegischem Text. Kverno hat sich in den letzten Jahren besonders als Komponist anspruchsvoller Chormusik einen Namen gemacht. In Corona-Zeiten ist ein Beitrag in so reduzierter Besetzung natürlich für die gottesdienstliche Praxis höchst willkommen.

Mit recht bescheidenen Mitteln und wenigen Akkorden evoziert Kverno hier einen Klang, den wir in der Tradition Griegs als „typisch nordisch“ wahrnehmen. Der Schwierigkeitsgrad ist gering, die Singstimme hat den Umfang e‘ bis e‘‘. Weder vom Organisten noch von den Sängern wird irgendeine Virtuosität gefordert, was die verinnerlichte Wirkung in keiner Weise mindert. Auch der überschaubare Umfang von drei Druckseiten empfiehlt das Stück für Gottesdienst uns Messe. Als solide Gebrauchsmusik zu empfehlen. Man mag nur bedauern, dass der Komponist nicht gleich ein vollständiges Ordinarium vertont hat.


Axel Wilberg
August 2020 / Januar 2021

Discoveries from the Schott Archives - Entdeckungen aus dem Verlagsarchiv Schott
Virtuoso and Entertainig Pieces for Piano - Virtuose und unterhaltsame Stücke für Klavier

JOY of MUSIC!
Nein es geht hier ausnahmsweise nicht um den gleichnamigen youtube Channel der Konzertorganistin Diane Bish.
Allerdings wurde dem Rezensenten die Aufgabe anvertraut, zum 250-jährigen Bestehen des Musikverlages Schott (gegr. 1770 von Bernhard Schott) den vortrefflichen Band hier vorstellen und besprechen zu dürfen. Herzlichen Dank für dieses Vertrauen und die damit verbundene Wertschätzung..

Um es gleich vorwegzunehmen:
Anlässlich dieses besonderen Jubiläums ist mit diesem Klavierband „Joy of Music“ eine hervorragende Dokumentation in Form einer wahren Schatztruhe entstanden und dieselbe ist meisterhaft gelungen. Ein Archiv lebt ja wenig von der bloßen historischen Existenz allein, sondern vielmehr von seiner lebendigen Erschließung und kommunikativer Weitergabe an Gegenwart und Zukunft.
Einen roten Faden konnte ich im Bezug auf die Auswahl feststellen: Es handelt sich überwiegend um Salonmusik, Kabinett-, Charakterstücke bis hin zu (hoch-) virtuosesten Bravour-Piecen. Dass Virtuosenkult um Paganini, Chopin, Liszt + Co. (und wie sie noch alle heißen mögen) schon damals durchaus kontrovers gesehen wurde, liegt bereits in der Natur der Sache. Und dementsprechend hat es immer Befürwortung und Ablehnung gegeben. Die dazu entsprechenden teils rivalisierenden Wertschätzungen von Zeitgenossen sind vielfältig.
Ein abschreckendes Extrem? Jedenfalls: Auf den Seiten 77 bis 86 (die Spieldauer/Wiedergabe des Stückes beträgt nicht einmal fünf Minuten) gibt es Notengirlanden in 128 (!) – jawohl der geneigte Leser liest hier richtig – ich wiederhole: 128tel. Komponist ist Sigismund Thalberg (1812-1871), der in USA immense finanzielle Erfolge erzielte, und trotzdem als Gentleman und bescheidene Persönlichkeit galt. Dazu auch später mehr unter Inhalt: Nr. 7.


A. Outfit:
Ausgehend von dem mit bunten Sternen gestalteten stabilen Einband fällt mir eine bekannte lateinische Redewendung ein. Diese lautet „Per Aspera ad Astra“ :und ist interpretierbar mit der geläufigen Kurzformel „Ohne Fleiß kein Preis!“ (Wörtlich: nur durch Mühsal gelangt man zu den Sternen). 15 Werke erhält der anspruchsvolle Klavierband JOY of MUSIC, dessen Stücke chronolgisch angeordnet sind. Wendestellen und optimaler augenfreundlicher Notensatz lassen keine Wünsche offen. Zusätzlich hilfreich sind zahlreiche Angaben zu Tempo und zur Dynamik.


B. Inhalt:
Der Vollständigkeit halber sei mir die Form der durchnummierenden Aufzählung gestattet, so wird nichts vergessen oder übergangen:
Und so ist folgerichtig als erster
1. der „Jubilar“ Ludwig von Beethoven (1770-1827) gebührend mit 24 Variations sur l`Ariette Venni Amore par Righini, einheitlich in D-Dur, vertreten. (NB: Vincenzo Righini (1765-1812) war Hofkapellmeister in Mainz).

Die musikalische Entdeckungsreise geht weiter über den Beethovenschüler und Lisztlehrer
2. Carl Czerny (Nocturne Le Désir),
3. Henri Herz (Cavatine mit Variationen über Thema von Rossini aus der Oper Aschenputtel),
4. Ferdinand Beyer (Nocturne im Stil von Chopin),
5. Friedrich Burgmüller (Grande Valse),
6. Franz Liszt (La Danza),
7. Sigismund Thalberg (Air anglais Home! Sweet Home! Übersetzbar mit: Trautes Heim – Glück allein),
8. Charles-Valentin Alkan (programmatische Etüde „Le Chemin de Fer“ / Synonyme: The Rail / Die Eisenbahn / La Strada Ferrata),
9. Charles Gounod (mit Meditation sur le 1er Prélude de J.S. Bach, unsterblich geworden und bekannt unter „Ave Maria“),
10. Julius Schulhoff (Albumblatt / Feuille d´Album),
11. Louis Moreau Gottschalk (Le Banjo bzw. auch unter „Fantaisie grotesque“ in youtube zu finden – ein wunderbares Zugabestück von Klaviervirtuosen der ganzen Welt, Stichwort „Encore“),
12. Carl Tausig (mit einer Klaviertranskription von Siegmunds Liebesgesang a.d. Walküre von Richard Wagner),
13. Giovanni Sgambati (Melodie de Gluck),
14. Moritz Moszkowski (Tarantelle), bis zu:
15. Edward Elgar (Salut d´Amour / Morceau Mignon / Liebesgruss). Welch wunderbare poetische und lyrische Musik!


C. Besonderheiten / Level:
Als Auswahlkriterium galt die romantische Epoche. Als bereits große technische Herausforderungen werden sicher die Tonarten Fis-Dur (Nr. 11) , AS-Dur (Nr.2, Nr. 4), DES-Dur (Nr. 7, Nr. 10), E-Dur (Nr. 15) gelten. Aber es gibt durchaus für „Einsteiger“ auch die d-moll-Tonarten (Nr. 12, 13, 14).
Meiner Meinung nach gehören die gemachten (Kurz-)biografien unbedingt zum Hintergrundwissen um Komponist, Wirkung im Vergleich damals – heute dazu. Und so ist man sehr dankbar zu den erfolgten biografischen Angaben. Eine extrem kurze Lebensdauer gibt es zu dem Liszt(Lieblings-)schüler Carl Tausig, der im zarten Alter von 29 an Typhus verstarb. Ebenfalls bringen damaligen Wertungen (von Chopin, Mendelssohn, Clara Schumann, Robert Schumann über ihre Zeitgenossen) immer noch interessante Aspekte.


D. Fazit:
Es ist ein wohl absoluter Glücksfall, dass die Schott-Archive das Inferno der Bombardierung von Mainz am 27.2.1945 überdauerten. Und: alle niveau- und anspruchsvollen Stücke haben auch heute immer noch Ihre Liebhaber. So fand der Rezensent zu sämtlichen Stücken Mehrfach-Treffer auf facebook. Somit kann man schon allein dadurch den Akzeptanz-, Bekanntheits-, ja Beliebheitsgrad dieser gültigen Musik bestätigen.
Zum Herausgeber Wilhelm Ohmen (über 40 Jahre Klavierpädagoge) gibt es die folgende Intenetseite: www.wilhelm-ohmen.de
Zudem ist Robert Schäfer geleichermaßen für die gültige Auswahl als Herausgeber zu erwähnen.

Wie bereits im Vorwort abgedruckt, wendet sich dieser Sammelband an professionelle Musiker (Konzertpianisten) und fortgeschrittene Liebhaber, die auf interessante (Zusatz)-Entdeckungen des Standardrepertoires neugierig sind. Dieser Zielsetzung wurde man perfekt gerecht. Zudem dürfte der moderate Preis für einen hoffentlich weiteren guten Verbreitungsgrad sorgen. Außerdem gibt es noch die Option(en) download für einzelne Notentitel. Dem Traditionsverlag Schott gebührt großer Dank und Wertschätzung für diese höchst empfehlenswerte Publikation, die besonders im Umfeld der momentan nicht unbedingt einfachen Zeiten überzeugt.
Ich möchte schließen mit: Ad multos annos!

Christoph Brückner
August 2020 / Januar 2021

Lux aeterna - for female choir
Laudate Dominum - for female choir

Christian Bährens (*1958), Sänger, Chorleiter und Komponist aus Berlin, legt im Cantando Verlag zwei klangreiche Motetten für Frauenchor, bzw. Frauenensemble vor. Beide Kompositionen sind dem Ensemble EMBLA aus Trondheim und Norunn Giske gewidmet. Gleich vorweg: Beide Stücke sind für ambitionierte Frauenensembles sehr lohnende Repertoireerweiterungen, für den gemeinen „Dorffrauenchor“ aber sicher nicht geeignet.

Lux aeterna lebt von flächigen Klängen, die die Stimmung Skandinaviens einzufangen scheinen. Zunächst auf „y“ gesungen, schwingt, wie aus der Ewigkeit kommend, der Text im Klangteppich zu „Lux“, über dem, gregorianisch anmutend im Sopran 1 die erste Zeile des kompletten Textes erklingt. Die Unterstimmen nehmen die Text und Musikbewegung auf, ehe wieder auf liegendem Akkord, die zweite Zeile des Textes bearbeitet wird, ebenso die dritte Zeile (Requiem aeternum). Zum Schluss, wieder auf „y“ gesungen, geht das Stück in die Ewigkeit zurück.

Laudate Dominum beginnt gregorianisch mit den ersten zwei Versen des Psalms. Rhythmische Zerlegungen des Wortes „Laudate“ lassen den nun folgenden 28 Takte langen schnellen Teil madrigalistisch und fast volkstümlich daherkommen. Über diesem rhythmischen Effekt erklingen im Kontrast immer wieder Psalmverse in längeren Notenwerten, unterbrochen von einem langsamen, choralartigen, motettischen Teil (Quonian confirmata), ehe der Schluss freudig den schnellen Teil wieder aufnimmt und zum jubelnden „Halleluja“ steigert.

Sven Dierke
Juli 2020 / Dezember 2020

Home for Christmas ist ein Popsong, den Maria Mena & Martin Sjølie im Jahr 2010 veröffentlicht haben und der durch die Netflix-Serie „Weihnachten zu Hause“ von 2019 weitere Verbreitung gefunden hat, vorher war er hauptsächlich in Norwegen bekannt, wo er einige Zeit die Charts angeführt hat. Inhalt des Textes ist die Sehnsucht, nach den Rückschlägen des Lebens, an Weihnachten zu Hause zu sein.

Håvard Sveås hat diesen typischen Popsong für Frauenstimmen vierstimmig mit Akkordsymbolen gesetzt. Versierte Popchöre dürften mit Noten und Text keine Probleme haben, der Chorleiter vielleicht schon, denn die Ausgabe ist doch sehr unübersichtlich in einem zusammengefassten System gesetzt, vielleicht wäre es besser gewesen, auf vier Notenzeilen zu notieren. An vielen Stellen fehlt die gewünschte Vokalise „o“ im Notentext, der Liedtext steht sehr eng beieinander und rutscht in die Akkordsymbole.

Schade eigentlich, denn das Arrangement ist ganz gut gelungen. Vielleicht lässt sich damit der Song etwas bekannter machen.

Sven Dierke
Juli 2020 / Dezember 2020

für Chor SATB

Die vorliegende Motette über die ersten vier Verse des Psalms 23, ist die englische Version der Vertonung des gleichen Textes aus Christian Bährens „deutschem Requiem“, das der Berliner Komponist und Chorleiter seit 2016 in mehreren Abschnitten vertont hat.
In gemäßigt romantischer Tonsprache erinnern die 82 Takte Musik an die a cappella Motetten des 19. Jahrhunderts. Für versierte Chöre eine schöne Ergänzung des Programms aber kein Muss.

Sven Dierke
Juli 2020 / Dezember 2020

Fünf Chorsätze zur Weihnachtszeit für 4-stimmig gemischten Chor a cappella

Bereits optisch mit einem ansprechenden Einband versehen, verstärkt sich dieser angenehme Eindruck weiter in den einzelnen Notensätzen. In den Tonarten F- und G-Dur sind vertreten:

1. Away in a manger (F)
2. Kling, Glöckchen (G)
3. Kommet, ihr Hirten (F)
4. Stern über Bethlehem (G)
5. Wir sagen euch an (F)

Alle Arrangements (man könnte dazu auch sagen:  inspirierte und rhythmisch angereicherte „Klangcollagen“ ) stammen aus der Feder von Stefan Glasbrenner (*1980).
Es sei eigens hingewiesen auf: www.vokalensemble-ulm.de / sowie auf die Klangeinspielung von Nr. 3 (mit dem einladenden Titel: Bitte folgen zur Krippe…) in Form der youtube Einspielung: https://www.youtube.com/watch?v=x42-1j6YnC4

Sämtliche Sätze versprechen große Musizierfreude und Abwechslung vom gesetzten Liederkanon der Advents-/Weihnachtszeit.

Christoph Brückner
Juli 2020 / Dezember 2020

Fear no more the heat of the sun - für 2 Violinen und Chor SATB
Shall I compare thee to a summer’s day - für Chor SATB

Der Berliner Sänger Chorleiter und Komponist Christian Bährens komponierte die vorliegenden Stücke im Sommer 2018 in Schweden und in Hiddensee auf Texte von William Shakespeare für den Wilmersdorfer Kammerchor Berlin. Sie stellen in ihrer Art, wunderbare Repertoireerweiterungen für Kammerchöre dar, die sich gerne mit unbekannteren Werken, abseits des Mainstreams einlassen.

„Fear no more“ ist eine einfühlsame Komposition mit der ungewöhnlichen Besetzung Chor SATB und zwei Violinen. Komponiert für den Wilmersdorfer Kammerchor und das Duo Gelland, uraufgeführt im November 2019. Das etwas 6 Minuten lange Stück ist in gutem tonalen Harmoniespektrum gehalten, intonatorische Schwierigkeiten werden durch die Instrumentalstimmen abgemildert. Klanglich atmet die Komposition durchaus skandinavische Stimmung.

Fast parallel dazu entstand in Hiddensee die Vertonung des Sonetts „Shall I compare thee to a summer’s day?“ Klassisch 4-stimmig gesetzt lebt das Stück durch kleingliedrigen Wechsel der Notenwerte Achtel, Achtel-Triolen, Sechzehntel…. Und fordert so vom Ensemble eine gewisse Flexibilität in Artikulation und Tempo, so schreibt der Autor: „The generally calm flow of the music shall be flexible – feel free to slow down and then get back in tempo between the phrases even if not indicated.“

Lohnende Musik…….

Sven Dierke
Juli 2020 / Dezember 2020

Verwandte Besetzungen und Programme bieten diese beiden CDs, die die bisherigen Editionen zur Liedgattung des 16. Jahrhunderts im Luther-Gedenkjahr ergänzen. Ist die erste CD geprägt von dem Lautenisten Marc Lewon, der neben Sätzen von Senfl, Lassus und Schein Lieder wie Ein feste Burg und Aus tiefer Not in eigenen Sätzen vorträgt, so wird in der zweiten CD ein Positiv (Mechthild Winter) für Sätze von Kleber, Isaac und Obrecht verwendet. Das bringt zwar eine größere Klangfülle, hat aber nur eine geringe historische Wahrscheinlichkeit für sich.
Die prinzipiell variablen Besetzungsmöglichkeiten sind begrenzt auf je zwei Sänger, Blockflöte, Gamben und Violine. Erstaunlich, wie beide Gruppen die z.T. hochkomplizierten Sätze doch ziemlich gleichartig gestalten. Eher begrenzt sind die Tempi und leider auch der Ausdrucksreichtum der MusikerInnen. Zwar lernt man auf der zweiten CD Luthers erstes Lied, das Fahrenslied Ein newes Lied wir heben an von 1524, im Satz von Johann Walter einmal klanglich kennen, mitreißen tut aber der geschilderte Kampf um Leben und Tod der beiden Brüsseler Augustinermönche nicht. Auch die glutvollen Liebestexte wirken abgeklärt wie geschichtliche Ereignisse aus einer anderen Epoche. Mit Andacht und Verehrung beschreibt Sabine Lutzenberger ihr chronologisch in vier Abschnitte gegliedertes Programm, wobei Johann Hermann Schein bereits für eine neue Zeit steht, die sich hörbar absetzt vom Reformationsjahrhundert. Ob das den Zugang zu dieser Musik tatsächlich öffnet, ist doch sehr fraglich. Der Bookletbeitrag von Sonja Tröster schöpft den historischen Hintergrund der Kompositionen gut informierend aus, vermag aber im Bereich der musikalischen Analyse nicht voll zu überzeugen.

Das Programm der zweiten CD ist stärker auf Luther und seinen Freund Walter und deren Zeitgenossen fokussiert, Michael Märker beschränkt sich in seinem knappen Bookletbeitrag auf geschichtliche Anmerkungen, die eingespielten Sätze erfahren keine detailliertere Beschreibung, obwohl gerade die Sätze Walters zu Ein feste Burg und Aus tiefer Not doch dazu verlocken. Ebenso wenig werden die Quellen der Sätze genannt, leider fehlen auch die Übersetzungen der lateinischen, bzw. französischen Textvorlagen. Höhepunkt ist hier Senfl’s Fassung des Fronleichnams-Hymnus Pange lingua, den er echt humanistisch zweisprachig lat./dt. gesetzt hat. Wenn am Schluss Walters Verknüpfung des Da Pacem mit Erhalt uns Herr erklingt, ist das zwar kompositorisch überzeugend, musikalisch aber fehlt der Biss.

Schade, dass die wohldurchdachten Interpretationen doch eher verkopft klingen, eine Wiederbelebung klingt anders.

Rainer Goede
Mai 2020 / Dezember 2020

Erasmus Kindermann - Opitianischer Orpheus

Interpreten: Ina Siedlaczek/Jan Kobow, United Continuo Ensemble
Label: BR/cpo

Martin Opitz (1597 – 1639), Vater und Wiederhersteller der Dichtkunst, verfasste 1624 sein Buch von der Deutschen Poeterey, womit er die Grundlage schuf für den Höhenflug deutscher Dichter seiner Zeit. Beispielhaft veröffentlichte er im selben Jahr seine Teutsche Pöemata und: Aristarchvs Wieder die verachtung Teutscher Sprach, Item Verteutschung Danielis Heinsij Lobgesangs Iesu Christi, vnd Hymni in Bachum, Sampt einem anhang Mehr auserleßener geticht anderer Teutscher Pöeten. Der gleichen in dieser Sprach Hiebeuor nicht auß kommen.

Aus dieser Gedichtsammlung stellte der Nürnberger Egidienorganist Johann Erasmus Kindermann (1616 – 1655) seinen Opitianischer Orpheus (Straßburg 1642), 24 z.T. sehr umfangreiche Strophenlieder, zusammen, womit er sich der gesellschaftlichen Bewegung  anschloss, die neue barocke Gedichtbegeisterung für die Hausmusik umzusetzen. Und vielleicht hat er damit auch die 1644 erfolgte Gründung des Pegnesischen Blumenordens (Pegnitzschäfer), einem heute noch bestehenden Forum für Sprach- und Literaturpfleger, mit angeregt. Dass das Nürnberger Patriziat da spezielle Möglichkeiten öffnete, zeigt sich im Unterschied zu Kindermanns Zeitgenossen, z.B. Franz Tunder, Johann Jakob Froberger und Matthias Weckmann, die unter ähnlichen gesellschaftlichen Verhältnissen ganz andere Vitae aufweisen. Das weltliche wie geistliche Strophenlied jedenfalls machte Karriere, was für die Komponisten die Schwierigkeit intendierte, immer gleiche Musik für verschieden Inhalte zu schreiben. Erst in der Romantik löste man das Problem.

Kindermann löste das Problem auf seine Weise mit (möglicher) zusätzlicher Besetzung mit zwei Violinen und einer vielgestaltiger Continuo-Besetzung. Der Gambist Jörg Meder nutzt diese Möglichkeiten mit seinem United Continuo Ensemble weidlich und einfallsreich, Ina Siedlaczek und Jan Kobow gestalten ihre Melodien mit viel Phantasie und barockem Affekt aus. Im Booklet steuert Hans-Gerhard Dürr einen sehr sachkundigen Beitrag hinzu, der nur getrübt wird, weil über die beiden eingestreuten instrumentalen Sonaten nichts zu lesen ist. Die geringe Punktgröße macht seinen Beitrag leider kaum mehr lesbar. Im Textteil sind die Vorlagen von Opitz teilweise nur mit gekürzten Strophen abgedruckt, die mit der eingespielten Fassung nicht unbedingt übereinstimmen.

Mit dieser CD wird der viel zu wenig beachtete Nürnberger Egidienorganist zu seinem 400. Geburtstag würdig geehrt. Kindermann, als Organist vergleichsweise wenig bedeutend, hat seine Meriten vor allem als Komponist von Liedern und weltlicher Instrumentalmusik verdient. Die Kunst des häuslichen Musizierens hat bei ihm einen reichen Fundus, der viel mehr genutzt werden sollte!


Rainer Goede
Juni 2020 / November 2020

Reformatorische Kirchenumgestaltung

Autor: Dietrich Diederichs-Gottschalk
Verlag: Schnell + Steiner

In der Reihe Kunst und Konfession in der Frühen Neuzeit (Hg. Harasimowicz, Sarkadi-Nagy, Selderhuis, Weiland, Wien) ist der Band 5 mit dem Untertitel Tho Gots ere und guder gedächtnis – Die Veränderung und künstlerische Neuausstattung der mittelalterlichen Landkirchen in den norddeutschen Marschen Land Wursten und Osterstade von den Anfängen der Reformation bis zum Ende des Dreißigjährigen Krieges erschienen. Der Autor Dietrich Diederichs-Gottschalk ist der Frage nachgegangen, wie und wann aus den Marschkirchen mit katholischer Ausrichtung evangelische Gemeindekirchen wurden. Interessant nachzuverfolgen ist, wie z.B. aus spätgotischen katholischen mit reichen Fresken geschmückten Räumen evangelische Räume mit prachtvollen Renaissance-Altären und Kanzeln sowie umfassenden Kirchenstühlen  wurden, wie die mittelalterlichen Geldquellen, die nach Bremen orientiert waren, für die Gemeinden umgeleitet wurden, aus denen dann z.B. die Orgeln, die ab dem frühen 17. Jahrhundert den Status der Gemeinden heben sollten (und an denen Tonjes Moitz aus Buxtehude und der junge Arp Schnitger aus Golzwarden auf der anderen Seite der Weser ihren Anteil hatten), finanziert wurden. Statusfragen spiegeln auch die Kirchenstuhleinbauten wider oder die Höhe der Kirchtürme. Traurig dann die Geschehnisse im 19. und 20. Jahrhundert, als viele Zeugen des 16. und 17. Jahrhunderts verunstaltet oder ganz vernichtet wurden.

Mit diesem Buch führt der Verfasser den Leser zu einem umfassenden Verständnis der  theologie-, reformations- und kunstgeschichtlichen Entwicklung des Landes Wursten nördlich von Bremerhaven und Osterstade nördlich von Bremen, stellvertretend für die Marschkultur auch in anderen Gebieten. Mit dem Wasser, Fluten und Stürmen (Allerheiligenflut 1570) und dem Strom einerseits und andererseits mit den fruchtbaren Böden lebend, haben sich die Marscheinwohner im Anfang des 17. Jahrhunderts, verschont von den Türkenkriegen und zunächst auch vom Dreißigjährigen Krieg, eine Kultur geschaffen, die den Vergleich zur neuzeitlichen städtischen Kultur nicht scheuen braucht. Die gute Bebilderung mit hervorragenden Farbaufnahmen von Beate Ulich ist dabei eine sehr gute Hilfe, z.B. die Details der Bild- und Schriftprogramme der Ringkmaker-Kanzeln zu verstehen. So nebenbei wird auch die Verwaltungs-Geschichte vom Erzbistum Bremen über die schwedisch e Verwaltungsstelle in Bremervörde bis hin zur Landeskirche Hannover verdeutlicht.

Ein Buch, was seinesgleichen sucht, und das klar macht, wie auch Orgelbauten immer von örtlicher Begeisterung und Unterstützung gelebt haben und noch leben.


Rainer Goede
Juni 2020 / November 2020

Samuel Scheidt - Geistliche Concerte

Interpreten: Kurt Schoch, Tenor / I Sonatori
Label: Christophorus

Zur Gruppe I Sonatori zählen Christa Kittel, Violine, Ursula Bruckdörfer, Dulcian, Isolde Kittel-Zerer, Orgelpositiv, und Harald Martens, 8‘-Violone. Dazu gesellt sich der Tenor Kurt Schoch. Aus dieser Besetzung ergibt sich ein Programm mit ausgewählten Stücken aus der Tabulatura nova (1624), Geistliche Concerte I (1631), II (1634) und III (1635) und den Liebliche Kraftblümelein (1635). Ergänzt wird das Programm mit rein instrumentalen Werken von Selam Y Salaverde und Vinco Jelic, die Violine und Dulcian reiche Spielmöglichkeiten schenken, und weiteren Soli für Tenor von Andreas Hammerschmidt, Melchior Franck, Johann Erasmus Kindermann und Thomas Selle. So bleibt ein roter Faden durch das Programm in Dunkeln, ist doch die Musik eines Hammerschmidt oder Kindermann stilistisch weit entfernt von der Scheidts (1587 – 1654).

Dieses Manko stellt Kurt Schoch, der mit seiner vollen hellen Stimme allzeit für sich einnimmt, vollkommen in den Schatten. Auch Ursula Bruckdörfer versteht mit ihrem Spiel in jedem Moment zu faszinieren. Isolde Kittel-Zerer spielt unauffällig zuverlässig auf dem kleinen ganz schönen Lutz- Orgelpositiv, was naturbedingt ist durch die Größe des Instrumentes, das keine interessante klangliche Abwechslung auch nicht für die Solostücke aus der Tabulatura erlaubt. Jederzeit präsenter Inspirator dieser Continuo-Formation ist Harald Martens.

So sprechen die Kompositionen Scheidts für sich, etwa die charakteristischen Ausrufe zu Beginn von Wie schön leuchtet der Morgenstern oder die Chromatik in Da Jesus an dem Kreuze stund. Seit 1630 musste Scheidt als Privatier sein Geld verdienen, interessant, dass seine Editionen der Geistliche Konzerte Teil I bis IV (zwischen 1631 und 1640) sowie der Liebliche Kraftblümlein (1635) diese Amtslosigkeit und Vereinsamung kaum widerspiegeln. Sie spiegeln eher einen  fundierten Glauben und den Willen, sich zu behaupten in haltlosen Zeiten, wider. So titelt denn der Bookletaufsatz von Gundela Bobeth auch: Musik als Trost, Hoffnung und Friedenstifterin.  

Schön ist es zu sehen, dass die Musik Scheidts an Bekanntheit zu gewinnen scheint!  Nicht die Qualität, sondern vordergründiges Selektieren der Musikwissenschaft und populäre Rezeption sind es, die den Hallenser Meister ziemlich in den Hintergrund rücken ließen. Dabei ist gerade diese klein besetzte Musik hoch aktuell für die Gegebenheiten in heutigen Gottesdiensten und Konzerten!


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

Giuseppe Peranda - Sacred Music from Dresden

Interpreten: Abendmusiken Basel, Ltg.: Jörg-Andreas Bötticher
Label: Coviello

Giuseppe Peranda (1625 – 1675) kam 1651 als Altist nach Dresden, 1661 wurde er Vizekapellmeister, und 1663 Kapellmeister als Nachfolger von Vincenzo Albrici. Nachdem Christoph Bernhard seine Stelle in Hamburg angetreten hatte, erhielt er (bis zu seinem Tode Katholik) 1672 als Nachfolger von Heinrich Schütz die Stelle des Hofkapellmeisters in Sachsen. Die Geschichtsschreibung hat nicht viel Notiz von ihm genommen, für Schütz hat sie alle anderen benachteiligt. Noch existent sind auch nicht allzu viele Kompositionen von ihm, immerhin ist seine Markus-Passion, die er in Ergänzung der drei Schütz-Passionen schrieb, erhalten sowie in der Kremsierer Residenz in Mähren zwei Messen und ein geistliches Konzert, dazu kommen einige weitere geistliche Werke und die Oper Dafne von 1671, die er in Zusammenarbeit mit Giovanni Andrea Bontempi geschrieben hat.

So sind die hier eingespielten Werke Perandas bis auf die sechsstimmige Missa in a alle Ersteinspielungen. Zu hören sind der Pfingstantiphon Repleti sunt omnes, und die geistlichen Konzerte Accurite gentes (zu Weihnachten), Fasciculus myrrhae (1690, zur Passion), Timor et tremor (Responsorium in der Vigil zur Bußzeit, Ps 54,6 etc.) und Factum est proelium (zu Michaelis), die genauen liturgischen Verwendungsbezeichnungen fehlen leider. Ergänzt wird das Programm mit zwei Instrumentalstücken von Perandas Vorgänger Vincenzo Albrici (Sinfonia à 2) und David Pohle, Kapellmeister in Merseburg und Zeitz (Sonata à 6), deren Auswahl leider auch nicht näher begründet ist.
Mit Miriam Feuersinger und Maria Cristina Kiehr (Sopran), Alex Potter (Altus), Raphael Höhn und Jakob Pilgram (Tenor), Markus Flaig (Bass), den Musikern der Abendmusiken Basel steht Jörg-Andreas Bötticher ein kompetentes Ensemble zur Verfügung. Mit hörbarem Engagement und gleichzeitig etwas distanzierter musikwissenschaftlicher Haltung wird der Stylus luxurians, diese vornehme hochbarocke Mischung aus (Schützscher) Wortmalerei und (italienischer) Klangpracht zelebriert. Etwas Schwierigkeiten hat die Tontechnik, den weiten Spagat der musizierten Dynamik einzufangen, was vor allem den Altus einige Präsenz kostet. Peter Wollny schrieb einen treffenden Text im sehr gut bebilderten Booklet, wo nur in der Besetzungsliste ein Fehler stehen blieb. Die CD gibt eine bisher unbekannte schöne Musik, von der man gerne mehr wüsste, wieder.


Rainer Goede
Juni 2020 / November 2020

Johann Sebastian, Bernhard, Ludwig Bach - Ouvertures for Orchestra

Interpreten: Concerto Italiano, Rinaldo Alessandrini
Label: naive

Ein renommiertes Ensemble muss natürlich auch einmal die Bachschen Ouvertüren, BWV 1066 – 1069, eingespielt haben - und dabei versuchen, seine Einspielung zu etwas Besondern zu machen. Das passiert hier auf zweifachen Wege: Alessandrini macht die Ouvertüren durchhörbarer als andere, indem er ausnehmend kurz artikulieren lässt, so dass nie ein Klang dominiert, und die Dynamik der Mittelstimmen gegenüber den Oberstimmen anhebt. Das bekommt vor allem der D-Dur-Air sehr gut, die hier gar nicht abgedroschen klingt. Aber auch die anderen Sätze gewinnen durch gesättigte Klangfarben der Mittelstimmen, die Tempi sind rasch, aber nicht übereilt, gelassene wie sportive Spielfreude dominiert.

Der zweite Weg ist die Hereinnahme von Ouvertüren aus Bachs naher Verwandtschaft, als ersten von dem nur 11 Jahre älteren Erfurter Vetter 2. Grades Johann Bernhard (1677 – 1749), der 1703 als Stadtorganist und als Kammermusikus am Hof Nachfolger seines Onkels Johann Christoph Bach in Eisenach wurde. 1715 bat ihn Sebastian zum Paten seines dritten Sohnes Johann Gottfried Bernhard, während Sebastian 1722 Pate seines ältesten Sohnes Johann Ernst wurde. Seit 1723 hatte Bernhard für den Hof in Eisenach zu komponieren. In Bachs Nekrolog steht über ihn: „Johann Bernhard hat viele schöne, nach dem Telemannschen Geschmacke eingerichtete Ouvertüren gesetzet“. Vier sind überliefert, Sebastian hat sie um 1730 in Leipzig aufgeführt, die dritte in e-Moll mit acht Sätzen für Streicher hat Alessandrini in sein Programm mitaufgenommen. Der Charakterisierung „nach dem Telemannschen Geschmacke“ ist nichts hinzuzufügen, gut gemachte Musik mit Zuhöreffekt!

Das gleiche gilt für die sechssätzige Ouverture G-Dur seines Meiniger „Vetters“ Johann Ludwig Bach (1677 - 1731). Ludwig war seit 1699 als „Hoboist und Laquay“ am Meininger Hof tätig, 1703 wurde er Kantor und Pagenlehrer, und 1711 Kapellmeister. Von seinen Instrumentalmusikstücken, die Johann Ludwig als Kapellmeister in großer Zahl komponierte, ist nur die hier eingespielte Ouvertüre von 1715 und ein Concerto für 2 Violinen und Streicher in D-Dur überliefert. Sein hohes Können ist heute breiter im überlieferten Vokalwerk (Motetten, Messen, Kantaten) zu erleben, Ludwig war ein Komponist hohen Ranges. Das ist auch in dieser Ouvertüre zu erleben, die zusätzlich zu den Streichern hier mit zwei Blockflöten erklingt. Die muntere Musik ist kunstvoll gesetzt und steht den Werken Sebastians nicht nach! Herzliche Empfehlung!


Rainer Goede
Juni 2020 / November 2020

Johann Kuhnau - Complete Sacred Works V

Interpreten: Opella Musica, Camerata Lipsiensis, Ltg. Gregor Meyer
Label: DrK/cpo

Das Kuhnau-Projekt umfasst die Noten-Edition der ca. 38 Kantaten (Hg. David Erler bei Breitkopf & Härtel) und die Einspielung auf insgesamt 8 CDs bis zum Jahr 2022, dem dreihundertsten Todesjahr des Leipziger Thomaskantoren. Bei seit 2014 jährlich einer CD-Edition hat Gregor Meyer jetzt die fünfte seiner Gesamteinspielung der überlieferten Kantaten von Johann Kuhnau (1660 – 1722) vorgelegt.
Über Kuhnau, Stipendiat an der Kreuzschule in Dresden, dann Student der Philosophie und Rechtswissenschaft in Leipzig, 1680 Kantor in Zittau, 1684 Organist an der Thomaskirche, 1701 Thomaskantor als Nachfolger von Johann Schelle, auch Universitätsmusikdirektor, schrieb Johann Christoph Adelung: „Ich weiss nicht, ob er dem Orden der Tonkünstler oder den anderen Gelehrten mehr Ehre gebracht. Er war gelehrt in der Gottesgelahrtheit, in den Rechten, Beredsamkeit, Dichtkunst, Mathematik, fremden Sprachen und Musik.“!

Seine Klavierwerke hat die Nachwelt immer mal wieder zur Kenntnis genommen, gegenüber den Vokalwerken blieb sie bis auf die Motette „Tristis est anima“ abstinent. Dabei hätte schon diese Motette neugierig machen müssen auf den einfallsreichen und einfühlsamen, den Werdegang der Kantate von der „Concerto“-Form des 17. Jahrhunderts hin zur aus Rezitativen, Arien und Chorsätzen bestehenden Kantate des 18. Jahrhunderts gestaltenden Thomaskantoren. Seine Weihnachtskantate Uns ist ein Kind geboren (früher BWV 142, jetzt Anh. II 23) wurde sogar seinem Nachfolger Johann Sebastian Bach zugeschrieben.
Kuhnaus Kantatenwerk ist nur arg lückenhaft überliefert. Michael Maul formuliert es so: „Von diesem einst umfangreichen Werkkomplex [an Musicalischen Kirchen-Stücken], der denjenigen seines Amtsnachfolgers Johann Sebastian Bach quantitativ in den Schatten stellt, hat sich nur ein Bruchteil erhalten. Etwas mehr als dreißig ‚Kirchenstücke‘ aus Kuhnaus Feder haben die Zeiten überdauert.“ Dass sich nicht alle gesichteten Kantaten einwandfrei Kuhnau zuweisen lassen (das Kürzel „JK“ kann auch Johann Krieger bedeuten), spielt musikalisch gesehen keine Rolle, in jedem Fall ist Spitzenmusik der Zeit zu hören.

In der vorliegenden CD sind denn auch als musikalische Höhepunkte gleich mehrere Kantatensätze zu benennen: der Eingangssatz von „Gott sei mir gnädig nach deiner Güte“, die volksliedhaften Arien der Soprankantate „Weicht, ihr Sorgen, aus dem Herzen“ und natürlich der glorreiche Schlusssatz von „Singet dem Herrn ein neues Lied“. In hervorragender Erinnerung des Rezensenten sind aus der Vol. II noch immer die Sopranarie „Gelinder West(wind), komm zu mir“ aus der umfänglichen Pfingstkantate „Schmückt das Fest mit Maien“ und die raumgreifende Trinitatislitanei „Gott, der Vater, wohn uns bei“. Dass sich die Ausführenden, zu denen als Altus auch der Herausgeber David Erler gehört, hingebungsvoll und mit viel Entdeckerlust der Musik Kuhnaus widmen, ist Ton für Ton zu hören. Und die Musik ist nicht nur gut geschrieben und klangvoll schön, sondern natürlich auch ihrem Zweck entsprechend theologisch aussagekräftig. Kaum zu glauben, dass sie noch gesteigert werden konnte. Wenn Bach nicht gewesen wäre…


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

Augsburger Weihnacht

Interpreten: Ensemble FAMA
Label: Perfect Noise

Der Untertitel „Augsburger Weihnachtsmusik des 17. Jahrhunderts“ klärt, dass es sich hier um Komponisten handelt, die in irgendeiner Weise mit der Stadt Augsburg zu tun hatten. Mit Namen wie Hans Leo Hassler, Christian Erbach u.v.a. mehr bietet die Geschichte der Stadt ja auch einen großen viel versprechenden Fundus. Die Idee zu dieser „Lokal-CD“ ist hervorragend - und die musikalische und die Bookletgestaltung sind gut gemeint. Diese Formulierung beschreibt, dass das Ziel einer ansprechenden Weihnachts-CD leider weit verfehlt ist.

Enttäuschend bereits die stumpfe Akustik des Aufnahmeraumes, die im Gegensatz zum Firmennamen steht. Die ganz ordentliche musikalische Leistung, auch wenn man es hier wohl nicht mit Vokalprofis zu tun hat, wird dadurch konterkariert. Herauszuheben sind die Virtuosität der Blockflötistin Iris Lichtinger und die Kompetenz des Cembalisten und Organisten Michael Eberth, der wohl auch so etwas wie ein Spiritus Rector war. Er hat auch die Günzer-Orgel von 1609 aus der Barfüsserkirche, die jetzt in Gabelbach steht, miteinbezogen, wer verfügt schon über ein solches Instrument für eine solche Programmidee? Aber das Hassler-Magnificat wird nur halb gebracht, die Vokalverse fehlen, obwohl eine Vokalgruppe zur Verfügung stand. Überhaupt fehlen im Booklet alle Angaben zu der Orgel, alle Texte und auch einige Kurzlebensläufe. Bei der Fülle von 16 Tracks bleibt der Einführungstext von Manfred Hermann Schmid notwendig etwas oberflächlich, befasst sich nur mit dem lokalgeschichtlichen und weihnachtlichen Hintergrund. Genauere Angaben zu den einzelnen Stücken, ihre liturgische Einordnung und ihre damalige Aufführungspraxis unterbleiben völlig. Schade, eine gute Idee, nur blieb der Anlauf zu ihr ziemlich stecken!


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

Samuel Scheidt - Cantiones sacrae

Interpreten: Athesinus Consort Berlin, Ltg.: Klaus-Martin Bresgott
Label: DfK/Carus

Die Einspielung bringt je fünf Psalmmotetten (Ps 13, 121, 147, 148, 150) und Choralmotetten (EG 4, 23, 101, 138, 397) sowie Nun danket alle Gott (Text nach Sirach 50,24ff, Melodie nach Rinckart EG 321) aus der ersten gedruckten Sammlung Scheidts, den Cantiones sacrae (1620), dazu als „Kontrapunkt“ die Motette Die Stimme meines Freundes von Frank Schwemmer (*1961) nach Texten des Hoheliedes und der Sprüche Salomonis (2016).

Die Sammlung SSWV 1 – 39 (i.e. 31 z.T. geteilte Vertonungen von Samuel Scheidt) ist doppelchörig (Hoch- und Unterchor oder gleich) besetzt, ihre Satzart eng verwandt mit seinen Orgelkompositionen der Tabulatura nova 1(624). Tief geprägt war Scheidt durch seinen Unterricht bei Jan Pieterszoon Sweelinck in Amsterdam, zu dem er von 1607 bis 1609 geschickt worden war. Daher kam auch seine Fachkenntnis über den Orgelbau, berühmt ist die Abnahme der Frietzsch-Orgel in Bayreuth 1619 zusammen mit Johann Staden, Michael Praetorius und Heinrich Schütz.

Scheidts geradlinig polyphone, häufig kanonische, etwas steife Schreibweise kann aber durchaus auch anders als in seiner Tabulatura nova, wie in einigen der hier vorgestellten Motetten zu hören ist. Der Hallesche Hoforganist und Musikdirektor, der unter den Folgen des Dreißigjährigen Krieges arg zu leiden hatte, folgt mit der Veröffentlichung seiner Cantiones sacrae den großen stilbildenden Editionen seiner gleichaltrigen Komponistenkollegen Johann Hermann Schein (1609: Venus-Kräntzlein, 1615: Cymbalum Sionium und 1618: Opella nova. Erster (-ander) Theil Geistlicher Concerten) und Heinrich Schütz (op. 1 Il primo libro de Madrigali (1611), SWV 1–19, und op. 2 Psalmen Davids (1619), SWV 22–47.

Dass Scheidts Vokalopera erst in unseren Tagen wieder an Bekanntheit gewinnen, liegt wie so häufig nicht an der Qualität, sondern am vordergründigen Selektieren der Musikwissenschaft und populärer Rezeption, so ist derzeit nur eine bereits 10 Jahre ältere Einspielung auf dem CD-Markt. Die Einspielung überzeugt jedenfalls vom ersten bis zum letzten Ton, dazu kommt eine sehr gute Einführung des Dirigenten im Booklet. Die ausgezeichnete Interpretation spricht nicht nur für das Ensemble, sondern in gleicher Weise für den Komponisten!


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

The Saint and the Sultan 1219 (2 CDs)

Interpreten: Pera Ensemble, Ltg.: Mehmet C. Yesilçay
Label: Berlin Classics

Für diese CD nehmen Sie sich bitte Zeit, viel Zeit!
Bitte informieren Sie sich zunächst über Sufismus, über die Seldschuken, über die Kreuzzüge, speziell über den 5. Kreuzzug nach Damiette am Nildelta, über die Reise von Franziskus 1219 zum Sultan Al Malik Al Kalim, dann über das türkische Pera Ensemble in München, seinen Leiter und Ideenlieferanten Mehmet C. Yeşilçay und ihre hier verwendeten Instrumente wie Oud und Colascione (Lauten), Saz (Langhalslaute), Kemençe (gestrichene Kastenhalslaute), Rebab (zweisaitige Stachelfidel), Kanun (Zither), Ney (Endkantenflöte), Mey (Kurzoboe ohne Schallbecher), Zurna (Trichteroboe) und diverse nahöstliche Perkussionsinstrumente, und laden Sie sich das vollständige Booklet mit einem Aufsatz zur Motivation dieser CD und den gesungenen Texten, die im mitgelieferten Booklet leider fehlen, herunter: https://www.dropbox.com/sh/3raywcd7gchyi0e/AACd6mruox6ofgfKFrKYsrgMa?dl=0!

Eigentlich ging es nur um das Zugangsrecht zu den Heiligen Stätten dreier Religionen in Jerusalem - noch heute machen etliche sich und anderen daraus ein Problem. Um 1073 waren es die muslimisch gewordenen Seldschuken, die in Jerusalem wenig tolerant mit Ausschreitungen gegen die christliche Bevölkerung vorgingen, wogegen sich das inzwischen ziemlich geschwächte Byzanz nicht mehr zu wehren wusste. Seitdem vermeinten die Päpste, das Heft in die Hand nehmen zu müssen und die abendländischen Ritter & Co. in gesellschaftlich hoch angesehenen „Kreuzzügen“ zu vereinen. Dazu halfen Ablassversprechen mit guten Aussichten nach dem Tod, der vermeintliche Beistand von Märtyrern, Heiligen und Maria, Mord und Totschlag und Plünderungen etc. mitinbegriffen. Und Handelsleute wie die aus Venedig wollten ihre Marktsituation verbessern. Dass das alles von den Teilnehmern ehrlich gemeint war, ist z.B. dem Palästinalied von Walther von der Vogelweide zu entnehmen. Mittendrin versuchten die neu gegründeten Ritterorden zunächst einmal, das folgende körperliche und seelische Leid auf christlicher Basis zu mildern.

Aktueller Hintergrund zu diesen beiden CDs, die das renommierte Pera Ensemble hier mit insgesamt 35 Tracks vorlegt, ist das genau 800 Jahre zurückliegende Treffen zwischen Franziskus und dem damals neuen jungen Sultan der Ayyubiden Al Malik Al Kalim in Damiette am Nildelta. Was Franziskus trieb, sich dem 5. Kreuzzug anzuschließen, ist in der Gemengelage zwischen dem Aufbau und der papstgeführten Festigung seines Ordens und den langjährigen weltkriegsartigen Machtkämpfen in der Levante nur zu vermuten. Das versammelte Heer der Kreuzritter unter dem kompromisslosen päpstlichen Legaten Kardinal Pelagius von Albano belagerte die Festung Damiette bereits seit April 1218, Franziskus kam also in eine bereits ziemlich ausgehungerte muslimische Festung, predigte dort vor einem geduldig zuhörenden Sultan, dessen Macht noch keineswegs gefestigt war und der deshalb gerne verhandelt hätte (Übergabe Jerusalems einschließlich aller Gebiete des ehemaligen Königreiches Jerusalem etc.), aber Pelagius wollte nur Kampf, Ruhm, Ehre und Reichtum. Eine Taufe war für den Sultan natürlich kein Thema, unverrichteter Dinge fuhr der Bettelmönch also zurück nach Italien. Im November 1219 fiel die Festung in einem fürchterlichen Gemetzel, die wenigen Überlebenden wurden versklavt.

Zu diesem geschichtlichen Ereignis hat Mehmet C. Yeşilçay auf der ersten CD Kreuzzuglieder, Sätze aus den Cantigas de Santa Maria (Spanien, Mitte des 13. Jh.) und den Laudario di Cortona (Franziskus, 2. Hälfte 13. Jh.), Sufilieder und Instrumentalstücke aus Orient und Okzident zusammengestellt. Die zweite CD ist ganz der Improvisation gewidmet, u.a. unterlegt mit den Texten des Sonnengesangs und einem Derwisch-Pendant dazu. Improvisationen verschiedener Art, meist einstimmig über einem Bordunton aber mit höchst abwechslungsreichen Klangfarben der eingesetzten Instrumente, verstehen zu faszinieren über zur Ekstase führenden Sufitexten oder einem Text von Jacopone da Todi. Nicht unbekannt kommt der Sound dieser Musik herüber, hat sich da etwas in den letzten 800 Jahren geändert? Der Rezensent muss hier seine ganze Unwissenheit dieser Kultur eingestehen, hört deshalb gebannt zu und sucht, die Musik, oft in Refrainform, hörend zu analysieren, was ob der unbekannten Sprache und Schrift im Booklet eine nur ganz schwer zu bewältigende Hürde darstellt.
Dass das Pera Ensemble die Musik höchst gekonnt und staunenswert virtuos musiziert, ist bewundernswert. Dass es den Hörer damit allerdings auch (über-)fordert und folglich auch fördert, ist eine zwangsläufige Folge. Noch mehr theoretisch sachliche Hilfe hätte das Booklet hier gerne bringen dürfen.

Die Botschaft dieser Einspielung - wenngleich das Booklet etwas schwarz/weiß zeichnet, wenn es ausschließlich die Christen als mordlüstern darstellt - kommt jedenfalls klar herüber: Mystiker aller Länder und Religionen vereinigt euch! Ihr habt keine Schwierigkeiten damit, Gott einhellig und wie hier ein- oder mitstimmig zu loben, sich ihm anzuvertrauen und von ihm angenommen zu werden, in ihm aufzugehen. Trouvere-, Troubadour-, Minnelieder – so manche werden ihren Ursprung als Kreuzzuglieder zum Abschied von einer Frau verdanken – mögen als solche musikalisch interessant sein, sogar ihren z.T. bloße Gewalt schildernden Inhalt vor schmissigen, mitreißenden Klängen und Rhythmen verbergen, aber sie und ihresgleichen künden doch oft nur von menschlichen Rang- und Machtgelüsten. Für wen waren oder sind die gut, wenn doch ein christlicher Mystiker oder ein muslimische Sufi die Ewigkeit herbeisehnt? Wenn der letzte Track die Sure Al-Ahzab 33/56 (Gott und seine Engel sprechen den Segen über den Propheten. O ihr, die ihr glaubt, sprecht den Segen über ihn und grüßt ihn mit gehörigem Gruß) bringt, den Benjamin Idriz mit Inbrunst singt, wird ein Doppelpunkt und ein Ausrufezeichen gesetzt: der christliche Gott sei mit eingeschlossen, besser noch seien beide vereint!


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

Voix du Ciel - Polyphonies Medievales et Chants Sacres (2 CDs)

Interpreten: Ensemble Gilles Binchois, Ltg. Dominique Vellard
Label: evidence

Mit dieser CD gratuliert sich das französische Ensemble Gilles Binchois zu seinem 40. Geburtstag. 1980 begann Dominique Vellard sein Ensemble für Musik des 9. bis 16. Jahrhunderts aufzubauen und mit inzwischen 40 Einspielungen von einem Erfolg zum nächsten zu führen. So bietet diese Doppel-CD Ausschnitte aus Produktionen mit den Titeln Canticas de Santa Maria, Polyphonies oubliées, Codex Las Huelgas u.a. Vertreten ist ein-, bzw. mitstimmige Musik von wenigen Zupf- und Streichinstrumenten begleitet, frühe Organa aus der Pariser Notre-Dame-Schule des Perotin, liturgische polyphone Musik wie Simeons Nunc dimittis und der Hymnus Ut queant laxis, Evangelienvertonungen wie die Seligpreisungen, bis hin zu mehrstimmigen Messesätze von Isaac und Okeghem (Offertoire eines Requiems).  

Das vielfach ausgezeichnete und weitgereiste Ensemble bietet mit diesem Rückblick eine wahre Ohrenfreude, für den Rezensenten sind das zweistimmige Organum Responsorium: Et valde und das Nunc dimittis Höhepunkte dieser Produktion, auch wenn man die französische Aussprache des lateinischen Textes erst verstehen lernen muss. Dass diese alte Musik reibungslos zu moderner Musik mit ihren Clustern führt, beweist Dominique Vellard mit zwei eigenen Sätzen: Requiem: Introitus und Graduale.

Im reich bebilderten Booklet liefert er einen warmherzigen Rückblick. Wie schön, dass mit dieser Doppel-CD eine nachhaltige Teilnahme am Geburtstag möglich ist.


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

Eine spätmittelalterliche Messe

Interpreten: Göttinger Choralschola „cantando praedicare“, Ensemble Aeolos
Label: Cantate

Das Göttinger Stadtarchiv birgt eine spätmittelalterliche Handschrift, das St.-Johannis-Missale. Sie enthält sechs Messen, die für den Johannestag bestimmte hat hier die Göttinger Choralschola „cantando praedicare“ eingesungen. Anstelle der Lesungen und der für den Priester bestimmten Teile erklingt Instrumentalmusik, entweder Motetten von Philipp de Vitry oder Improvisationen über direkt vorhergehende Takte.

So gewichtig das Vorhandensein des Göttinger Missales schon an sich ist, so gewichtig ist auch das Wissen um die damalige Aufführungspraxis. Die Göttinger Choralschola singt die Weisen getragen und feierlich, umflort vom schönen Nachhall der Lippoldsberger Klosterkirche. Überraschend begegnet man dabei dem uns auch heute noch bekannten Kyrie fons bonitatis, (EG 178,4), zu widersprechen ist der Bookletbehauptung im sonst kundigen Einführungstext von Johanna Crüger, dass die Ordinariumsteile vom Volke mitgesungen wurden, also auch von Frauen. Das ist in traditionellen Klöstern selbst heute noch nicht der Fall.

Sehr verdienstvoll ist es, diese spätmittelalterliche Messepraxis aus norddeutscher Quelle wieder präsent zu machen! Es ist ein hervorragendes Bild der Frömmigkeit und musikalischen Könnens kurz vor der Reformation.


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

Dieterich Buxtehude - Cantatas pour Voix Seule

Interpreten: Mailys de Villoutreys, Sopran / La Rèveuse
Label: Mirare

Sopran-Solokantaten aus der Düben-Sammlung in den Uppsala Manuscripten von Tunder, Buxtehude, Förtsch und Christian Geist, begleitet mit zwei Violinen, vier Gamben und Continuo, bestehend aus Orgel, Clavecin und Theorbe, dazu Sonaten für drei Gamben eines anonymen Meisters, der Triosonate op. 1,6, BuxWV 257, und einer Sonate für zwei Gamben von Gabriel Schütz, das ist das Programm, welches Florence Bolton (Gambe) und Benjamin Perrot (Theorbe), die beiden Vorreiter von La Réveuse, für diese Einspielung ausgesucht haben.

“Ach Herr, lass dein lieb Engelein”, Tunders Vertonung von Martin Schallings Choraltext (EG 397,3) von 1571 als Track 1 gibt das Thema der CD vor, der sich Buxtehudes Vesperpsalm 110 “Dixit Dominus” und der Bußpsalm 130 “Aus der Tiefen” von Johann Philipp Förtsch anschließen. Über die Hinweise auf das österliche Geschehen (Joh 3,14f “Sicut Moses exaltavit serpentem”, BuxWV 97, und der Osterintroitus “Resurrexi, et adhuc tecum sum”, Ps 18,5f aufnehmend von Christian Geist) führt Buxtehudes Kantate (Psalm 73,25f “Herr, wenn ich nur dich habe”, BuxWV 38, zum nachdenklichen wie tröstlichen Ende.

Diese Musik einschließlich der rein instrumentalen Sonaten ist sicherlich zweckbestimmt für das häusliche Musizieren, ob sie auch in Gottesdiensten z.B. sub communione oder bei einer seiner Abendmusiken in St. Marien erklang, ist nicht bekannt, aber durchaus möglich. Dass der Stylus phantasticus mit frei zu interpretierenden Stellen sowie schnell wechselnden Tempoabschitten Sonaten wie Kantaten prägt, versteht sich von selbst. Dieser speziellen Satztechnik war Buxtehude ein engagierter und ganz wichtiger Vertreter seiner Zeit.

An Engagement lassen es sich bei dieser Einspielung Mailys de Villoutreys und die Mitglieder des Ensembles La Reveuse mit Florence Bolton, Gambe, und Benjamin Perrot, Theorbe, nicht fehlen. Mailys de Villoutreys weiß die Musik so treffend zu modulieren, wie es nur wenige andere auch können. Dass es alle an zugehöriger Virtuosität und gestalterischer Sorgfalt nicht fehlen lassen, ist selbstverständlich. Dem Hörgenuss fügt Florence Bolton einen kundigen Einführungstext im Booklet hinzu, in dem er sich vor allem Lübeck und seiner Musikerzcene im 17. Jahrhundert  widmet. Sehr zu empfehlen!


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

Magnificat - Christmas in Leipzig

Interpreten: Solomon’s Knot, Künstlerische Leitung: Jonathan Sells
Label: Sony

Ein schönes Cover (Gewölbe der Thomaskirche) und eine tolle Programmidee, drei Thomaskantoren mit Spitzenstücken zu einer Advents-, bzw. Weihnachts-CD zusammen zu spannen. James Halliday schreibt dazu einen nicht allzu tief schürfenden Beitrag im Booklet. Johann Schelles großartige Psalmvertonung „Machet die Tore weit“, Johann Kuhnaus Magnificat C-Dur mit den Zwischenmusiken, die auch Bachs Magnificat Es-Dur , BWV 243a, auszeichnen,  versprechen eine fesselnde Stunde Musik, die Kompositionen erfüllen dieses Versprechen natürlich auch selbstverständlich.

Solomon’s Knot ist ein englisches Instrumental-/Vokal-Ensemble, das ohne Dirigenten musiziert, sich auch was darauf zugutehält, dass die Vokalisten auswendig singen. Der künstlerische Leiter Jonathan Sells singt Bass. Die Vokal-Partien sind alle einzeln besetzt, die Vokalisten wechseln sich auch innerhalb einer Komposition ab. So weit, so gut!

Bereits der erste Sopranton allerdings überrascht, ist doch das Vibrato der Sopranistin so intensiv und weit gespannt, dass man erschrickt, hat man doch eine kundige Aufführungspraxis erwartet, in der als seltene Verzierung auch einmal ein Mezza di Voce erscheint, ansonsten aber ohne Vibrato gesungen wird. Im unauffällig aufgenommenen Instrumentalpart ist solch kundige Aufführungspraxis zwar meist gegeben, im Vokalpart leider überhaupt nicht. Nahezu jeder gesungene Ton (mit wenigen Ausnahmen) erfährt ein solches Vibrato, die Schlussakkorde, die man von anderen Gruppen sauber stehend gewohnt ist, erinnern eher an die schlimmsten Zeiten deutscher Rundfunkchöre. Dass die Instrumente nicht gleichberechtigt präsent, die Trompeten sogar noch extra leise gedimmt sind, ist ein Unding für diese Musik. So wendet sich der Rezensent mit seltenem Grausen, hoffentlich platzt der Knoten bei dieser Gruppe noch einmal.


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

All Lust und Freud - Süddeutsche Claviermusik um 1600
Das Clavicytherium des GNM Nürnberg

Interpret: Bernhard Klapprott
Label: Aeolus

Das im Germanischen Nationalmuseum Nürnberg erhaltene unsignierte Clavicytherium ist um 1620 von einem unbekannten Meister gebaut worden. Bei dem Instrument steht der Resonanzkasten senkrecht (Giraffenflügel), hat also eine Mechanik mit Umlenkungen, die die Spieltechnik beeinflusst. Der Klang ist himmlisch schön, reizvoll obertöniger als gewohnt.

Der Weimarer Professor Bernhard Klapprott hat darauf Werke vornehmlich aus der voluminösen 16-bändigen Turiner Tabulatur von 1637 – 1640 eingespielt, Werke von Christian Erbach, Johann Staden, Jakob Hassler, Valentin Dretzel, Carl van der Hoeven und Hans Leo Haßler, außerdem noch von Jacob Paix (Tabulaturbuch 1583) und Heinrich Pfendner, also einen Querschnitt durch die Nürnberger Praxis um 1600. Dabei handelt es sich um Canzonen, Motetten-Intavolierungen, Ricercari, Toccaten, Tänze jeder Art, Variationen und Liedsätzen.

Von Thomas Röder stammt die sehr gute Programmeinführung im Booklet, Bernhard Klapprott erläutert die Spielpraxis der Zeit mit Diminutionen, die früher häufig als Koloristenzeit abgetan wurde. Seine Einteilung der ausgewählten Literatur nach Werken, die kaum, wenig, modellgebend und reich verziert werden müssen, ist logisch nachvollziehbar.

Klapprotts Spiel ist natürlich makellos, inspiriert und von großer Sorgfalt und Detailgenauigkeit  geprägt. Nur kann man, wenn der Notentext nicht vor dem Hörer liegt, seine Verzierungstechnik nicht nachvollziehen, was den Klangeindruck zwar nicht stört – das wunderschön klingende Instrument tut das seine dazu – aber doch den Zweck der Vorlesung, bzw. des Vorspiels torpediert. Gut wäre es, wenn Klapprott einige Sätze modellhaft ins Internet stellen würde. Doch was noch nicht da ist, kann ja noch kommen. Darum gerne eine Empfehlung, schon wegen des Instrumentes!


Rainer Goede
April 2020 / November 2020

Codex Speciálník

Interpret: Cappella Mariana, Vojtech Semerád
Label: Et'Cetera

Der Codex Speciálník, ein Missale der Utraquisten in Prag aus den beiden späten Jahrzehnten des 15. Jahrhunderts, beinhaltet über 200 mehrstimmige Gesänge des Ordinariums, Motetten und geistliche Lieder. Einige Komponisten wie Josquin, Finck und Obrecht sind bekannt, die meisten Stücke sind anonym verfasst, tschechisch getextet oder unterlegt und sind für eine gemischt vokal-instrumentale Besetzung  gedacht.

Die Aufnahme spielte die Cappella Mariana, die über 5 Vokalstimmen, Zink, Posaunen und Organetto, die für interessante Klänge sorgt, verfügt, unter der Leitung von Vojtech Semerád ein. Für den letzten Track , die Sequenz von Notker Balbulus  Benedicta semper sancta sit trinitas, stand zum Alternatim-Spiel auch die Klausing-Orgel der Klosterkirche Oehlinghausen (1714/2002, II/19), die für die ganze Aufnahme genutzt wurde, zur Verfügung, sie darf dabei aber kaum ihre klanglichen Qualitäten entfalten. Dass die Cappella engagiert und kompetent auf hohem Niveau musiziert, ist selbstverständlich und sehr anerkennenswert.

Die Aufnahme bringt u.a. die Wenzelshymne im damals üblichen Stil mit schnellen Oberstimmen bei in großen Notenwerten vorgetragenem Cantus firmus, das uns auch heute gut vertraute Kyrie fons bonitatis (EG 178,4) und das ergreifende anonyme Miserere nostri Domine. Die meisten Stücke sind hier zum ersten Mal eingespielt, insofern genießt die CD einen Premierencharakter. Die Variabilität der franko-flämischen Musik, wie sie hier mit Beispielen aus West-, Süd- und Osteuropa zusammengetragen ist, nimmt für die Kultur im hussitischen Prag ein und gibt von der schon um 1500 transkonfessionellen Tradition der Musik ein beispielhaft frühes Exempel.


Rainer Goede
April 2020 / November 2020

Ferdinando Gasparo Turrini - 12 Sonatas für Harpsichord (2 CDs)

Interpret: Michele Barchi
Label: Brilliant

Ferdinando Gasparo Turrini (1745 – 1820?) war Schüler seines Onkels Ferdinando Bertoni in Venedig (1. Organist an S. Marco), wurde 1766 Organist in Padua (S. Giustina), 1773 erblindete er, um 1800 zog er nach Brescia als ein geachteter und gesuchter Lehrer. Von seinen Kompositionen ist nur wenig überliefert, neben den hier eingespielten sechs dreisätzigen Sonaten der „Raccolta Fini“ und den sechs zweisätzigen Sonaten der „Raccolta Spinola“ gibt es noch sechs Cembalosonaten „Opus Mangili“ (1795), sechs Cembalosonaten mit Begleitung einer Violine und eine Fuge (1784). Überliefert sind auch noch sechs Konzerte für Cembalo und Streicher, eine Anzahl von Arien, Variationen, Hymnen, Oratorien und Psalmvertonungen. Die Sonaten sind für das Cembalo oder Pianoforte bestimmt, die Dodici sonate per il Cembalo-Pianoforte (Mailand 1807) sind Muzio Clementi gewidmet.

Michele Barchi bringt die im empfindsamen Stil verwurzelten Stücke bravourös auf die Platte, gerne hört man ihm zu, wie die schwungvollen Melodien zu opernähnlichen Schlüssen führen, Clementi und Dussek liegen da wahrlich nahe, manchmal ist das natürlich auch ‚viel Lärm um Nichts‘. Er spielt wechselweise auf einem ein- oder zweimanualigen Cembalo, das schöne dynamische Schattierungen erlaubt. Das Booklet (nur engl./ital.) bringt eine gute Einführung von Mariella Sala. Eine unterhaltsame wie überraschende Ausgrabung!


Rainer Goede
April 2020 / November 2020

Sinnbilder im Sakralraum - Die Kirche in Lucklum

Herausgeber: Johann Anselm Steiger, Michael Schilling und Stefanie Arend
Verlag: Schnell + Steiner

Ein Kompendium der geistlichen Emblematik der Frühen Neuzeit

Die evangelische Deutschordenskommende Rittergut Lucklum liegt zwischen Wolfenbüttel und dem Elm. In der Kommendekirche mit ihrer Engelhardt-Orgel (1862 II/12) steht an der Südseite das große Grabdenkmal für den Landkomtur Jan Daniel von Priort (1618–1683), umrahmt von den Wappen seiner Familie. Daneben beherbergt die Kirche eine singuläre fast lückenlos überlieferte, äußerst umfängliche Bild- und Inschriftenausstattung in Grisaille-Malerei, die um 1700 ausgeführt wurde. Sie umfasst 156 Sinnbilder und 210 Inschriften an Kanzel, Gestühl, Brüstungen, Wandverkleidungen, an und in der Komturloge und an den Decken. Diese sind das Thema des eben erschienenen Buches, das ob seiner inhaltlichen, photographischen wie bibliographischen Qualität wärmstens zu empfehlen ist.

Jedes Emblem wird in einer hervorragenden Photographie und mit einem erläuternden Text vorgestellt. Ein Buch zum Schauen und Lernen. Die Emblematik seit dem 15. Jahrhundert findet hier eine nahezu erschöpfende Darstellung. Was das mit dem Thema Orgel zu tun hat? Z.B. ist an der Prieche unter der Nordempore Bild und Inscripten zu einer Orgel mit aufgeschlagenem Notenbuch zu sehen: AD AETERA VOCES (Stimmen zum Himmel) und DABIT AURA LOQUELAM (Der Hauch wird die Stimme verleihen), dazu eine Seite Text über das Woher und die christliche Bedeutung (Pfingstwunder und viele Gaben).

Zu empfehlen ist, jeden Tag ähnlich der täglichen Losung nur ein Emblem zu betrachten, sonst kann einem schnell der Kopf schwirren. Das Buch empfiehlt sich ebenso als Geschenk, für den Preis ist es sowieso schon halb geschenkt. Nur selten gibt es solch gute Literatur zur christlichen Bildung wie dieses Buch! Ein Buch, das man mit großem Gewinn liest und immer wieder betrachtet.


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

Johann Friedrich Doles Jr. - Keyboard Sonatas

Interpret: Jenny Soonjin Kim
Label: Brilliant

Wer hat gewusst, dass der Thomaskantor Johann Friedrich Doles (1715 – 1797) einen Sohn gleichen Namens (1746 – 1796) hatte? Und dass dieser Sohn solch schöne Sonaten, eben die Sei sonate per il clavicembalo solo (Riga 1773) schrieb? Johann Friedrich Doles Jr. war Notar und Advokat in Leipzig, aber bei dem Vater konnte er von der Musik natürlich nicht lassen.

Die Amerikanerin Jenny Soonjin Kim hat die dreisätzigen Sonaten stilgemäß auf einem Walker-Fortepiano von 1987 eingespielt. Die galanten Sonaten sind ein Vergnügen für die Ohren, beste Unterhaltung ist garantiert bei einer Pastorale, Menuetten, Scherzi und der Polacca I & II. Kims rasantes Spiel setzt die Piecen in ein schönes Licht der Unbeschwertheit und Muße. Das Booklet bringt eine kundige Einführung von Robert Zappulla (nur engl.) und verschweigt die Tonarten der Sonaten. Eine einfach schöne CD!


Rainer Goede
Mai 2020 / November 2020

Six Ouvertures, mit zwei weiteren Sätzen betitelte Telemann seine 1745 bei Balthasar Schmid in Nürnberg gedruckten Cembalo-Piecen. Französische und italienische Einflüsse mischen sich hier, auch eine polnische Polonaise stand Pate. Die Eingangssätze sind alle als französische Ouvertüren gestaltet, die aber nach der folgenden Fuge nicht unbedingt wiederkehrt, ihre Mittelsätze sind vielgestaltig bis hin zu einer 6/4-Gigue. Die zweiten Sätze tragen alle die Bezeichnung Scherzando, derjenige der letzten Suite ist eine Pastorale im geraden Takt. Die dritten schnellen Sätze sind z.T. als Concerto oder Gavotte gestaltet. Telemanns Erfindungsreichtum ist eben so weit gefächert wie sein Leben lang war.

Der 1993 geborene junge Gaku Nakagawa kommt aus der Schule Glen Wilsons in Würzburg, eine glänzende Voraussetzung für diese Einspielung, die Wilson auch initiierte. Seine spielerische Präsens wie Zuverlässigkeit und musikalische Gestaltung überzeugen, die ist aber fast zu abgeklärt und lässt persönlichen Ausdruck kaum zu, die Spieltechnik dominiert die Interpretation. Leider verschweigt das Booklet, welches Instrument bei der Aufnahme zur Verfügung stand. Mit seiner Einspielung aber bereichert Gaku Nakagawa den noch ziemlich leeren CD-Markt von Telemanns insgesamt 175 Cembalokompositionen auf eine glückliche Weise.


Rainer Goede
April 2020 / September 2020

Es gibt Klavierwerke, die muss man sich förmlich auf der Zunge - oder in den Ohren - zergehen lassen. Werke, die zutiefst berühren und in Welten führen, in die der Alltag nicht hineinreicht. Dazu gehören die Klavierwerke, die auf dieser CD eingespielt wurden: Franz Schuberts Klaviersonate Nr. 18 “Fantasia” und die Klaviersonate h-moll von Franz Liszt. Wunderbare Klaviermusik, die trotz ihrer Brillanz eine so wunderschöne Klarheit und Einfachheit aufweist, dass Herz und Sinne es rundum genießen können.

Warum Schubert und Liszt auf einer CD vereint wurden, darüber berichtet Wolfgang Rathert in einem ausführlichen Beitrag im Booklet. Ein kleiner Text über die Pianistin Jimin Oh-Havenith ist noch ergänzt. Schmal, aber ausreichend, dies Beiheft.

Zurück zur Musik: Jimin Oh-Havenith bietet dem Hörer einen großartigen Musikgenuss. Teilweise kräftig zupackend - besonders am Beginn der h-moll-Sonate -, teils zärtlich und liebevoll, dabei immer sehr ausdrucksvoll und genießerisch. Die einzelnen Sätze der Fantasia sind klanglich so deutlich, markant und nachvollziehbar, dabei technisch tadellos, dass man sich wirklich in der Musik verlieren kann. Und die h-moll-Sonate ist einfach grandios. Als Werk, wie auch als Interpretation. Dabei darf natürlich der hervorragend klingende Bösendorfer-Flügel des Leibniz-Saal in Hannover nicht unerwähnt bleiben.
Eine CD, die Klavierliebhaber sich sicher immer wieder gerne anhören.


Daniel Kunert
April 2020 / September 2020

Der serbische Cembalist und Komponist Slobodan Jovanović aus Karlsruhe hat diese CD auf einem Fortepiano/Hammerflügel aus der Werkstatt von Susanne Merzdorf (Remchingen 2017) nach Anton Walter (Wien 1782) eingespielt. Das Instrument klingt sehr angenehm, klar und hell, ein richtiges piano ist auf dieser CD allerdings nicht zu hören.

Jovanović hat sich Werke der beiden älteren Söhne Bachs, Carl Philipp Emanuel (1714 – 1788) und Wilhelm Friedemann (1710 – 1784), aufs Notenpult gestellt. Vor allem lag ihm an den beiden Fantasien, der berühmten Fantasie fis-Moll, Wq 67 (Hamburg 1787) von Carl Philipp Emanuel und der Fantasie C-Dur/a-Moll, BR-WFB A 26 (c 1770), von Wilhelm Friedemann, deren exzeptionelle Ausdruckskraft eigentlich ein Nachläufer des barocken freien Rezitativ-Stils ist, das, was Buxtehude u.a. mit dem Begriff „Con discrezione“ oder mit dem Stylus phantasticus gemeint haben. Diese Freiheit nimmt Jovanović sehr individuell und beispielhaft.
Ferner hat er Carl Philipp Emanuels Sonata No. 4 A-Dur, Wq 55,4, aus den Sechs Clavier-Sonaten für Kenner und Liebhaber, Erste Sammlung (Leipzig 1779) und die phantastischen 12 Polonaisen, BR-WFB A 27-38 (c 1770/1775), von Wilhelm Friedemann eingespielt, ebenfalls in schöner Freiheit gestaltet. Der Klang des Fortepianos tut das Seine dazu, dass diese Musik wirklich gefangen nimmt. Wenn auch die Werke der Bachsöhne natürlich für das Clavichord geschrieben sind, das Fortepiano stellt ihre damalige Modernität noch klarer heraus.
Slobodan Jovanović (*1977) nutzt seine Einspielungen auch immer dazu, seine eigenen Kompositionen zu promoten. Hier ist es Iluzija (1996), dessen Vorbild in der späten Barockmusik zu vermuten ist. Das gut informierende Booklet hätte sicherlich lesbarer gestaltet werden können, das Cover zeigt den Interpreten mit abgeschnittenem Kopf. Dass hier die älteren Werkverzeichnisse benutzt werden anstelle der aktuellen, muss noch angemerkt werden.
Insgesamt eine schöne, gekonnte Einspielung!


Rainer Goede
April 2020 / September 2020

Pachelbels Variationen der Hexachordum Apollinis (1699) sind das Programm der ersten CD, die der Belgier Wim Winters auf seinem ungebundenen Clavichord mit zwei 8‘-Stimmen eingespielt hat. Gebaut hat es der Orgel- und Klavierbauer Joris Potvlieghe aus Galmaarden/Tollembeek (B) nach einem sächsischen Vorbild (1770) mit einen Tastenumfang von 5 Oktaven (FF-f3), die Stimmtonhöhe liegt bei a‘ = 406 Hz, die Temperatur legte Winters nach Werkmeisters Musicalische Paradoxal-Discourse (Calvisius, Quedlinburg 1707).
So weit, so gebräuchlich ist die Herangehensweise von Wim Winters bis dahin. Der Fachmann für Alte Musik ist seiner Marke Authentic Sound verschworen, hat sich mit der Geschichte der originalen Tempi befasst und umfangreiche Videofolgen im Internet vorgelegt. In diesem Jahr stehen natürlich vor allem Beethovens Werke auf dem Programm, eingespielt auf einer Kopie eines Pianofortes von Johann Fritz (Wien, 1816), nachgebaut ebenfalls von Joris Potvlieghe (2019). Bemerkenswert langsamer als heute gewohnt sind diese Tempi.
Das fällt auch bei der Pachelbel-CD auf, die mäßigen Tempi sind strikt durchgehalten, sind aber keineswegs langweilend, sondern fesseln auf ihre Weise, bieten die nötige Zeit, die Musik gut durchzuhören. Das Clavichord bietet zudem ein sehr klares Klangbild, herrlich, wie dynamische Unterschiede der beiden Hände so klingen, als würde Winters auf zwei Klaviaturen verschiedene Register spielen. Und klar, nicht nur musikgeschichtlich war es ein Clavichord, für das Pachelbels Variationen entstanden sind. Die sind zwar auf eine etwas schematische Weise komponiert, wie er sie schon 1683 in seinen Musicalischen SterbensGedancken niedergeschrieben hat, nichtsdestotrotz aber von höchster Qualität, offensichtliche Vorbilder für alle seine Schüler und auch noch für den jungen Bach.

Auch die Aufnahmetechnik ist besonders, verwendet wurde eine analoge Anlage höchster Qualität, sorgfältiger Tonmeister war der junge Robert Margouleff. Das Ergebnis ist überraschend: der Rezensent hat eine so gute Aufnahme eines Clavichords noch nicht gehört, zu der natürlich auch der natürlich resonierende mit viel Holz ausgestattete Aufnahmeraum gehörte. Dass Wim Winters mit musikalisch überzeugender Sorgfalt und Können spielt, braucht da gar nicht mehr betont werden.

War bisher eine musikalisch, musikgeschichtlich begründete und technisch gute Aufnahme das Maß der Dinge, hier werden die Maßstäbe weit nach oben verschoben. Unbedingte Empfehlung!


Rainer Goede
April 2020 / September 2020

Manche CDs sieht man an und freut sich riesig auf den Inhalt und die Musik. Bei der vorliegenden CD “das Liederbuch des Erhart Oeglin, 1512” ging es mir so. Die Aufmachung ist sehr gelungen, das Booklet schön dick, alles scheint zu passen.
Das Booklet hat schon fast “Büchlein”-Charakter, ist gut gefüllt mit Informationen zum Namensgeber der CD und seinem Werk, der sprachlichen Herkunft der Texte und – ganz wunderbar – mit allen Liedtexten. Ein kurzer Abschnitt über das Ensemble ergänzt dies hervorragende Booklet. Vorbildlich!

Die Instrumentalisten, die auf der CD zu hören sind, überzeugen klanglich durchaus. Sie stützen die Singenden und brillieren an manchen Stellen mit ihrem Können. Dies tun sie mit hörbarer Spielfreude. Die Sängerinnen und Sänger hingegen widmen sich ihrer Aufgabe eher akademisch. Technisch einwandfrei, klanglich sauber gesungen. Aber doch wirkt der Gesang auf mich erschütternd gelangweilt und lustlos. Da hätte ich mir viel mehr Gefühl, Hingabe und Emotion gewünscht.

Somit bleibt nach dem Hören der CD ein zwiespältiger Eindruck. Das Booklet verdient gelesen zu werden, aber Hörvergnügen bietet die CD nicht.


Rainer Goede
April 2020 / September 2020

Christophe Rousset, ausgebildet u.a. bei Huguette Dreyfus an der Schola Cantorum Paris, bei Kenneth Gilbert und Bob van Asperen, Lehrer an der Accademia Musicale Chigiana in Siena, widmet sich auf dieser CD einer Auswahl aus dem Toccate e partite, Libro primo von 1615/21616 und den Aggiunta von 1637. Sieben Toccaten wechseln mit Partiten und Satzfolgen ab, wie sie Frescobaldi zusammenstellte, z.B. Balletto, Corrente del Balletto e Passacagli oder Balletto e Ciaccona (der auf der CD leider das vorhergehende Capriccio sopra del Battaglia fehlt. Nach etlichen Jahren intensiver Diskussion der Spielanweisungen Frescobaldis aus dessen beiden Bänden der Toccate e partite, Libro primo hat sich der Interpretationsstil geändert. In den Toccaten herrscht nun ein sehr freier Umgang mit Tempi, Agogik, dem Anfang und den Übergängen, was Rousset gleich mit der ersten Toccata, der Toccata Nona vorbildlich vorführt, im Gegensatz dazu ist der Notentext bei den Partiten und Tanzsätzen natürlich weniger frei auszuführen.

Eingespielt hat Rousset seine Stückauswahl auf einem Instrument des späten 16. Jahrhunderts, 1736 bereits einmal gründlich überholt und rekonstruiert von David Ley vor etlichen Jahren. Da die italienischen Cembali um 1600 nur ein Register hatten bei einem Manualumfang von 45 Tasten, führt das einheitliche, aber sehr schöne Klangbild dieses Instrumentes zu konzentrierterem Zuhören. Christophe Rousset spielt mit packendem Zugriff, kundiger Spielweise und ausgewähltem Geschmack. In Roussets umfänglicher Diskographie kann diese Aufnahme einen besonderen Platz beanspruchen!


Rainer Goede
April 2020 / September 2020

Titel und Untertitel Johann Sebastian Bachs Störmthaler Kirchweihkantate und die Zacharias-Hildebrandt-Orgel dieser CD sind irreführend. Nur der Eingangschor der Bach-Kantate ist in einem (technisch miesen) Konzertmitschnitt des Leipziger Bachfestes vom 16.06.18 zu hören (Pauliner Barockensemble, Ltg. David Timm). Thema der CD ist die Hildebrandt-Orgel, die die damalige Hausorganistin Annette Herr in ganz vorzüglicher Weise mit Werken von Bach u.a. vorstellt. Gerne hört man ihr und ihrer klaren Artikulation zu. Am Ende bringt die CD noch ein paar Erläuterungen (für Laien) zum Stimmungssystem der Orgel (Silbermann 1/6 Komma), die in der Darstellung von Praeludium e-Moll, BWV 533, einmal in e-Moll und einmal nach d-Moll transponiert, die Unterschiede zwischen gut klingenden und schlecht klingenden Tonarten frappierend deutlich macht. Folgerung: Bach hat hier die falsche Tonart gewählt? Oder die richtige, denn die Reibungen in e-Moll sind auch lustvoll zu hören.

Das (hübsch aufgemachte) Booklet bringt zunächst einen Aufsatz des Berliner Musikwissenschaftlers Bernhard Schrammek zur Geschichte der Hildebrandt-Orgel in Störmthal, Annette Herr beschreibt ihr Programm, von Helmut Werner stammen die (gesprochenen) Texte zur Orgelstimmung. Alle Angaben zur Disposition und Registrierung finden sich bis auf die des Winddruckes. Die Bebilderung ist gut, nur ein Foto von der Aufführung der Kantate in der Kirche fehlt. Gerne hätte der Rezensent mehr von der Orgel gehört und auf die Wiedergabe des Kantatenfreskos und der Tonartendemonstration, so gut sie gemeint ist, verzichtet.


Rainer Goede
April 2020 / September 2020

Dies ist keine CD zum einfach Anhören, dies ist keine CD mit Werken von Attaingnant, es ist eine CD, die den früheren Würzburger Cembaloprofessor Glen Wilson in seinem Element zeigt als Forscher, als Herausgeber und als kompetenter Claviervirtuose sog. Alter Musik.

Die Stücke, die hier zu hören sind, sind nirgendwo zugänglich, Wilson hat sie kopiert aus der einzigen Quelle, die heute in der Bayerischen Staatsbibliothek verwahrt wird. Sechs von sieben Bänden der Druckausgabe des Straßburger Pierre Attaingnant (c 1494 – 1551) von 1531 werden dort verwahrt, sie informieren über die Clavierpraxis im Frankreich von König Franz I. dem Ritterkönig (1494 – 1547). Es handelt sich um Motetten- und Chanson-Intavolierungen und Tänze (Gaillards, Pavanen, Branles, Saltarellen), außerdem ein Prélude zu einem Magnificat im 8. Ton. Wenn überhaupt Namen genannt werden, so sind es die von Clément Janequin, Claudin de Sermisy, Adrian Willaert, Cipriaan de Rore und wenigen anderen, von denen kaum etwas oder gar nichts bekannt ist. Die Stücke dauern zwischen 1 und 2 Minuten, selten länger.

Wilson hat 38 Stücke ausgewählt, übertragen, korrigiert - denn der Druck ist alles andere als fehlerfrei, stand die Notendruckpraxis damals doch noch ganz am Anfang - und hat sie auf einem anonymen italienischen Cembalo aus einer privaten Sammlung (A = 390 Hz, mitteltönig, 1/6 Komma) eingespielt. Man sollte die Stücke nur einzeln und mehrmals hören, um sie zu verstehen, mangelt es doch an einer Notenvorlage und der Möglichkeit, die Kolorierungen als solche zu erkennen. So ist die Aufnahme so verdienstvoll als musikwissenschaftlich interessant, aber bitte nichts für den Hausgebrauch. Näheres gibt es noch im Internet: www.naxos.com/notes/572999.htm.


Rainer Goede
April 2020 / September 2020

Beide CDs bringen ungeahnte Überraschungen: wer hat schon die Symphonie ‚Le Portrait musical de la nature‘ (1785) des Biberacher Musikdirektors Justin Heinrich Knecht (1752 – 1817), der seine Bekanntschaft heute noch neben seiner großen dreibändigen Vollständige Orgelschule (1795-98) seinen Tongemälden Die durch ein Donnerwetter unterbrochne Hirtenwonne (Darmstadt, 1794) und Die Auferstehung Jesu (Leipzig 1798) für Orgel verdankt, je gehört? Und wer wusste, dass sich Michael Gotthard Fischer (1773 – 1829), Organist der Predigerkirche und Lehrer am Lehrerseminar, eine Transkription der 6. Symphonie Beethovens (1808) für Streichsextett für den häuslichen Salon unmittelbar nach der Wiener Uraufführung anfertigte?

Beide CDs verbindet diese Symphonie Beethovens, einmal dargestellt von der ohne Dirigenten spielenden Akademie für Alte Musik Berlin, geführt vom Konzertmeister Bernhard Forck, bzw. vom Streichsextett Les Pléiades, Streichern des Orchesters Les Siècles. Beide Aufnahmen sind kristallklar durchhörbar, toll, wie Bläser und Streicher der Berliner Akademie miteinander musizieren, aufeinander hören und so die Partitur in einer Weise gestalten, wie es einem traditionellen Symphonieorchester wohl kaum möglich ist, dabei mit Verve, hohem Engagement und gegenseitiger Einfühlung die Symphonie zu einem Erlebnis werden lassen von gemeinschaftlicher Gestaltung ersten künstlerischen Ranges! Nicht minder gilt das für das Streichsextett Les Pléiades, hier kann man noch schärfer hinhören auf die Komposition, da die Instrumentierungseffekte durch Bläser und Pauke entfallen. Ganz erstaunlich, wie man am Anfang des 19. Jahrhunderts Hausmusik ausführen konnte! Perfekt auch das Sextett von Arnold Schönberg /1874 – 1951) Verklärte Nacht, op. 4 (1899), nach einem Gedicht von Richard Dehmel (1863 – 1920) Zwei Menschen. Roman in Romanzen, das eine atmosphärisch ganz dichte Aufführung erfährt, besser geht wohl nicht mehr!
Die Natursinfonie von Knecht ist entstanden auf dem Hintergrund der damals modischen Naturschilderungen, wer denkt da nicht gleich an Abbé Vogler? Knecht kann es aber noch besser, Form und Imitation von Vögeln, rauschendem Wasser und zarten Winden etc., auf- und abziehendes Gewitter sowie der große Dankgesang an den Schöpfer im letzten Satz der Symphonie fließen 25 Minuten qualitätvoll ineinander, dass es eine helle Freude ist. Daran schließt Beethoven etwas dezidierter an, weniger Naturschilderung als Empfindung, nicht Plattheit sondern Idealisierung. Dennoch, die rauschenden Bäche konnte ein Schubert tonmalerisch auch nicht mehr überzeugender darstellen, romantischer wurde Beethoven nie.Zwei weit hervorragende CDs!


Rainer Goede
April 2020 / September 2020

Zum Beethovenjahr haben Kent Nagano und seine Frau, die Pianistin Mari Kodama ihre nun schon länger zurückliegenden Einspielungen der Klavierkonzerte und des Tripelkonzerts C-Dur Op. 56 in einer Kassette zusammengefasst. Hinzu gekommen ist noch das 0. Klavierkonzert Es-Dur, WoO 4 (1784), von dem nur ein Particell vorlag, welches das Ehepaar Nagano neu aufbereitete, das Rondo B-Dur, WoO 6 (1793), das einmal als Schlusssatz des Klavierkonzertes B-Dur (Nr. 2) gedacht war und die Eroica-Variationen Op. 35.
Mari Kodama spielt überlegen mit flüssig gestalteten Übergängen, trotzdem wirkt alles etwas akademisch distanziert, was vielleicht an der Aufnahmetechnik oder an dem Instrument, das nicht näher genannt wird, liegt. Es sind nicht die Tempi und keine spieltechnische Schwierigkeiten, trotzdem stellt sich ein Aha-Effekt nicht ein. Dankbar ist man als Zuhörer natürlich für die Entdeckung des Jugendwerkes WoO 4, und natürlich auch für die Einspielung des Rondos B-Dur, WoO 6. Das Deutsche Symphonie-Orchester Berlin spielt akkurat und zuverlässig (im ersten Klavierkonzert schleppen die Bässe allerdings hörbar), die Aufnahmetechnik mischt es etwas sehr zusammen und in den Hintergrund. Kent Nagano ist natürlich ein solider Begleiter, aber richtigen Biss haben die Einspielungen nicht. In den letzten beiden Konzerten (P 2013) bekommen die beethovenscher Melodien mehr inneren Schwung, hier bietet die Aufnahme ein geschliffenes Bild traditioneller deutscher symphonischer Tradition.

Die Einspielung von Kristian Bezuidenhout und des Freiburger Barockorchesters unter der Leitung von Pablo Heras-Casado steht dagegen vollkommen konträr. Bezuidenhout spielt ein Fortepiano nach Graf (1824), das perlt - direkt aufgenommen - lustvoll in höchster Spielfreude daher, genial die agogisch hervorragend gestalteten Übergänge. Das Orchester begleitet kraftvoll und nutzt effektvoll alle musikalischen Möglichkeiten, die alte Instrumente bieten. Zudem sind die einzelnen Instrumente kristallklar heraushörbar, dem Pauker Charlie Fischer hört man seine Spielfreude und –freiheit an, fast wird das 5. Klavierkonzert zu einem Paukenkonzert. Durch die tiefere Stimmung und die obertonärmeren Instrumente als beim DSB klingt das ganze viel entspannter trotz der hohen Tempi. So ist diese Aufnahme zu einer tiefen Verbeugung vor dem Wiener Genie geraten. Was Beethoven als Pianist von sich forderte und als Komponist niederschrieb, ist hier mit aufregendem Impetus auf die Scheibe gebannt! Engagement und Können potenzieren sich hier zum Ereignis!
Nach dieser Referenzaufnahme plant harmonia mundi die Aufnahme aller bedeutenden Beethoven-Werke bis ins Jahr 2027, seinem 200. Todesjahr. Die anderen Klavierkonzerte sollen noch in diesem Jahr folgen, da kann man sich schon vorfreuen, selbst wenn Corona die Produktionen wohl hinausschieben wird.


Rainer Goede
April 2020 / September 2020

Die CD ist eine Art Liebeserklärung oder Danksagung an Couperin, dem sich Christophe Rousset seit eingestandenen 45 Jahren zu nähern sucht. Das Programm setzt sich zusammen aus einzelnen Cembalosätzen aus Couperins vier Livre de Pieces de Clavecin sowie kammermusikalisch besetzten instrumentalen und vokalen Piecen. Die Aufnahmen stammen z.T. aus den Jahren 1993, 1994, 2002 und 2016, etliche der größer besetzten Stücke sind für diese Edition neu aufgenommen.

Die Cembalopiecen charakterisieren auf die Couperinsche Art ihre Titel, seien es Mühlen, ein Harlekin oder ähnliches, die Instrumentalstücke sind den Concerts royaux u.a. Sammlungen entnommen, die Vokalstücke sind Psalmvertonungen, Gesänge zu den Horen des Karmittwochs oder eigene Dichtungen an Bacchus etc.. Kaum eine Piece dauert - für Couperin typisch - länger als 3 oder 4 Minuten, also beinhaltet jede CD 24, bzw. 25 Tracks. Dass alle Beteiligten sorgfältig, hoch kompetent und engagiert respektvoll musizieren, je nach Titel auch leger und witzig oder ausdrucksvoll traurig, versteht sich von selbst und macht die CD zu einer musikalischen Superaudio. Die Programmzusammenstellung allerdings bleibt unklar und ohne einen erkennbaren roten Faden, aber so etwas haben ja Liebeserklärungen oder Danksagungen auch nur ganz selten.


Rainer Goede
April 2020 / September 2020

In zwei Veröffentlichungen hatte sich der Dresdener Hofkapellmeister Johann David Heinichen (1683–1729) an die lernbegierigen jungen Musiker seiner Zeit gewandt: mit dem Musicalisches Tractat vom Generalbaß (Hamburg 1711) und noch einmal mit der jetzt wieder aufgelegten Schrift Der General-Bass in der Composition, Oder: Neue und gründliche Anweisung Wie ein Music-Liebender mit besonderm Vortheil, durch die Principia der Composition, nicht allein den General-Bass im Kirchen- Cammer- und Theatralischen Stylô vollkommen, & in altiori Gradu erlernen; sondern auch zu gleicher Zeit in der Composition selbst, wichtige Profectus machen könne. Nebst einer Einleitung Oder Musicalischen Raisonnement von der Music überhaupt, und vielen besondern Materien der heutigen Praxeos. Selbstverlag (Dresden 1728).

Hatte Heinichen, der Thomasschüler in Leipzig unter Johann Schelle und Johann Kuhnau zusammen mit Chistoph Graupner, danach Hofkomponist in Zeitz gewesen war, im Band von 1711 das Thema noch nach deutscher Tradition abgehandelt, fasste er in diesem Band alles Wissenswerte für Komponisten und Generalbassspieler zusammen, nun beleuchtet durch seinen langjährigen Studienaufenthalt in Italien (1710 – 1717). Gleichzeitig stellt der Band auch eine Zusammenfassung des verfügbaren musikalischen Wissens dar. Vor Heinichen hatten das Thema bereits Werkmeister, Niedt, Marpurg, Mattheson u.a. behandelt, bis zum Ende des 18. Jahrhunderts blieb es maßgebliches Thema der Aufführungspraxis.

Als bereits in Dresden und Zeitz erfolgreicher Opernkomponist und Dresdener Kapellmeister, zuständig für Kantaten, Konzerte, Sinfonien und Kammermusiken, außerdem für die geistliche Musik an der katholischen Hofkirche für Oratorien, Motetten und Messen, ist sein Oeuvre erst nach der Wende wieder stärker ins Bewusstsein von Musikern und Musikwissenschaftlern gerückt, vor allem seine Messen, Magnificat- und Psalmvertonungen sowie die Dresdener Konzerte. So bietet seine Schrift Der General-Bass in der Composition auch heute noch eine gute Grundlage für das Studium der Musik der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts.


Rainer Goede
April 2020 / August 2020

Für diese CD gilt nur Optimales: Text, Musik, Interpretation, Aufnahmetechnik, Booklet. Wer kann es besser als der Psalmist König David (um 1000 vor Chr.) mit seinen sieben Bußpsalmen, als der kunstsinnige wie repräsentationsbewusste Herzog Albrecht V. von Bayern, der Großmütige (1528 – 1579), als sein Münchener Hofkapellmeister Orlando di Lassus (1532 – 1594) mit seiner Vertonung der Psalmi Poenitentiales (1559), als die Singphoniker (gegründet 1982), hier verstärkt von Andreas Pehl und Helene Grabitzky, und als der Autor Dr. Bernhold Schmid, dem erfahrenen Herausgeber der Lasso-Gesamtausgabe der Bayerischen Akademie der Wissenschaften?

Das Lesen, bzw. Hören dieser Psalmen macht es offenbar: die Welt hat sich in den vergangenen 3000 Jahren nicht geändert, die Texte könnten von heute sein. Die Bußpsalmen haben ihren besonderen Platz im Stundengebet der Fastenzeit und der Karwoche. Für Herzog Albrecht V. müssen sie eine besondere Bedeutung gehabt haben: 1559 orderte er die Psalmi Davidis poenitentiales (i.e. die Psalmen 6, 32, 38, 51, 102, 130, 143 plus den Laudes Domini, Ps 148 und 150) als seine Musica reservata und ließ sie in einer Handschrift von 400 Seiten (60 x 44 cm) mit Illustrierungen seines Hofmalers Hans Mielich als ein Gesamtkunstwerk gestalten und – wegschließen. Erst 1584 wurden sie gedruckt, dann ohne die Malereien, sie werden heute in München nur in seltenen Ausstellungen gezeigt.

Den 25-jährigen bereits berühmten Lassus hatte Albrecht 1557 als Tenorist an seine Hofkapelle in München gebunden. Lassus bildete dort zeit seines Lebens einen musikalischen Mittelpunkt Deutschlands, nicht nur als Lehrer so ziemlich aller bedeutender katholischer wie evangelischer Nachwuchskräfte, auch die von ihm wohl ausgebildeten Knabenstimmen wurden an andere Höfe vermittelt. Vor allem seine Kompositionen aber krönten die Bedeutung des Münchener Hofes. Lassos Zyklus der sieben Psalmen, bereits vom Kirchenvater Augustinus unter dem Namen Bußpsalmen zusammengefasst, wird zu Recht zu den Höhepunkten der Musik des 16. Jahrhunderts gezählt. Ob der Menge des Textes finden sich häufig auch homophone Passagen, wie die polyphonen sind sie von großem Ausdruck, sie sind  bekenntnishafte Glaubensmysterien. Der liturgische Ort in den Horen der Karwoche macht den religiösen Impetus dieser Musik als transzendentales Medium der Bußfertigkeit und Vergebung der Sünden deutlich. Natürlich sind sie nicht nahtlos ohne Unterbrechung durch Gebete, Schriftlesungen, Beichte etc. "konzertant" anzuhören. Vorstellbar auch, dass sie mit Instrumenten gespielt wurden.
So wie König David seine Psalmen wohl innig durchmeditiert hat, so sind sie für den heutigen Hörer in der Vertonung Lassos nachvollziehbar, als eigenes Bekenntnis zu beten und so zu einem großen eigenen Gewinn zu machen!


Rainer Goede
April 2020 / August 2020

Mit dieser CD komplettiert Florian Heyerick die Einspielung des zehn Kantaten umfassenden „Oratoriums Das Leiden Jesu“ von 1741. Die CD bringt die Kantaten zu Estomihi (Kommt, Seelen, seid in Andacht stille, GWV 1119), zu Judica (Sie rüsten sich wider die Seele, GWV 1124) und zum Gründonnerstag (Jesus, auf dass er heiligte das Volk, GWV 1126). Den Rezensionen der beiden vorhergehenden CDs (cpo 555 071-2, P 2017 und cpo 555 170-2, P 2018) ist kaum etwas hinzuzufügen. Faszinierend immer wieder die tonmalerischen Accompagnati und vor allem die Sopran-Aria „Ach, saurer Gang!“ der Gründonnerstagskantate, aber die anderen Arien stehen ihr kaum nach in ihrer überraschend gegensätzlichen Gestaltung der A- und. B-Teile. Immer wieder auch große Hörmomente schafft Graupner in der ihm eigenen Gestaltung der Choräle mit packenden Instrumental-Ritornellen und dem homophonen Verszeilenvortrag.

JOY of MUSIC!
Nein es geht hier ausnahmsweise nicht um den gleichnamigen youtube Channel der Konzertorganistin Diane Bish. Allerdings wurde dem Rezensenten die Aufgabe anvertraut, zum 250-jährigen Bestehen des Musikverlages Schott (gegr. 1770 von Bernhard Schott) den vortrefflichen Band hier vorstellen und besprechen zu dürfen. Herzlichen Dank für dieses
Vertrauen und die damit verbundene Wertschätzung.

Um es gleich vorwegzunehmen:
Anlässlich dieses besonderen Jubiläums ist mit diesem Klavierband „Joy of Music“ eine hervorragende Dokumentation in Form einer wahren Schatztruhe entstanden und dieselbe ist
meisterhaft gelungen. Ein Archiv lebt ja wenig von der bloßen historischen Existenz allein, sondern vielmehr von seiner lebendigen Erschließung und kommunikativer Weitergabe an Gegenwart und Zukunft.

Einen roten Faden konnte ich im Bezug auf die Auswahl feststellen:
Es handelt sich überwiegend um Salonmusik, Kabinett-, Charakterstücke bis hin zu (hoch-)virtuosesten Bravour-Piecen. Dass Virtuosenkult um Paganini, Chopin, Liszt + Co. (und wie sie noch alle heißen mögen) schon damals durchaus kontrovers gesehen wurde, liegt bereits in der Natur der Sache. Und dementsprechend hat es immer Befürwortung und Ablehnung gegeben. Die dazu entsprechenden teils rivalisierenden Wertschätzungen von Zeitgenossen sind vielfältig.
Ein abschreckendes Extrem? Jedenfalls: Auf den Seiten 77 bis 86 (die Spieldauer/Wiedergabe des Stückes beträgt nicht einmal fünf Minuten) gibt es Notengirlanden in 128 (!) – jawohl der geneigte Leser liest hier richtig – ich wiederhole: 128tel. Komponist ist Sigismund Thalberg (1812-1871), der in USA immense finanzielle Erfolge erzielte, und trotzdem als Gentleman und bescheidene Persönlichkeit galt. Dazu auch später mehr unter Inhalt: Nr. 7.

A. Outfit:
Ausgehend von dem mit bunten Sternen gestalteten stabilen Einband fällt mir eine bekannte lateinische Redewendung ein. Diese lautet „Per Aspera ad Astra“ :und ist interpretierbar mit der geläufigen Kurzformel „Ohne Fleiß kein Preis!“ (Wörtlich: nur durch Mühsal gelangt man zu den Sternen).
15 Werke erhält der anspruchsvolle Klavierband JOY of MUSIC, dessen Stücke chronologisch angeordnet sind. Wendestellen und optimaler augenfreundlicher Notensatz lassen keine Wünsche offen. Zusätzlich hilfreich sind zahlreiche Angaben zu Tempo und zur Dynamik.

B. Inhalt:
Der Vollständigkeit halber sei mir die Form der durchnummierenden Aufzählung gestattet, so wird nichts vergessen oder übergangen:
Und so ist folgerichtig als erster
(1.) der „Jubilar“ Ludwig von Beethoven (1770-1827) gebührend mit 24 Variations sur l`Ariette Venni Amore par Righini, einheitlich in D-Dur, vertreten.
(NB: Vincenzo Righini (1765-1812) war Hofkapellmeister in Mainz).
Die musikalische Entdeckungsreise geht weiter über den Beethovenschüler und Lisztlehrer
2. Carl Czerny (Nocturne Le Désir),
3. Henri Herz (Cavatine mit Variationen über Thema von Rossini aus der Oper Aschenputtel),
4. Ferdinand Beyer (Nocturne im Stil von Chopin),
5. Friedrich Burgmüller (Grande Valse),
6. Franz Liszt (La Danza),
7. Sigismund Thalberg (Air anglais Home! Sweet Home! Übersetzbar mit: Trautes Heim – Glück
allein),
8. Charles-Valentin Alkan (programmatische Etüde „Le Chemin de Fer“ / Synonyme: The Rail / Die
Eisenbahn / La Strada Ferrata),
9. Charles Gounod (mit Meditation sur le 1er Prélude de J.S. Bach, unsterblich geworden und bekannt
unter „Ave Maria“),
10. Julius Schulhoff (Albumblatt / Feuille d´Album),
11. Louis Moreau Gottschalk (Le Banjo bzw. auch unter „Fantaisie grotesque“ in youtube zu finden–
ein wunderbares Zugabestück von Klaviervirtuosen der ganzen Welt, Stichwort „Encore“),
12. Carl Tausig mit einer Klaviertranskription von Siegmunds Liebesgesang a.d. Walküre von Richard
Wagner),
13. Giovanni Sgambati (Melodie de Gluck),
14. Moritz Moszkowski (Tarantelle), bis zu:
15. Edward Elgar (Salut d´Amour / Morceau Mignon / Liebesgruss). Welch wunderbare poetische und
lyrische Musik!

C. Besonderheiten / Level:
Als Auswahlkriterium galt die romantische Epoche.
Als bereits große technische Herausforderungen werden sicher die Tonarten Fis-Dur (Nr. 11) , AS-Dur (Nr.2, Nr. 4), DES-Dur (Nr. 7, Nr. 10), E-Dur (Nr. 15) gelten. Aber es gibt durchaus für „Einsteiger“ auch die d-moll-Tonarten (Nr. 12, 13, 14).
Meiner Meinung nach gehören die gemachten (Kurz-)biografien unbedingt zum Hintergrundwissen um Komponist, Wirkung im Vergleich damals – heute dazu. Und so ist man sehr dankbar zu den erfolgten biografischen Angaben. Eine extrem kurze Lebensdauer gibt es zu dem Liszt(Lieblings-)schüler Carl Tausig, der im zarten Alter von 29 an Typhus verstarb. Ebenfalls bringen damalige Wertungen (von Chopin, Mendelssohn, Clara Schumann, Robert Schumann über ihre Zeitgenossen) immer noch interessante Aspekte.

D. Fazit:
Es ist ein wohl absoluter Glücksfall, dass die Schott-Archive das Inferno der Bombardierung von Mainz am 27.2.1945 überdauerten.
Und: alle niveau- und anspruchsvollen Stücke haben auch heute immer noch Ihre Liebhaber. So fand der Rezensent zu sämtlichen Stücken Mehrfach-Treffer auf facebook. Somit kann man schon allein dadurch den Akzeptanz-, Bekanntheits-, ja Beliebheitsgrad dieser gültigen Musik bestätigen.
Zum Herausgeber Wilhelm Ohmen (über 40 Jahre Klavierpädagoge) gibt es die folgende Intenetseite: www.wilhelm-ohmen.de
Zudem ist Robert Schäfer geleichermaßen für die gültige Auswahl als Herausgeber zu erwähnen.

Wie bereits im Vorwort abgedruckt, wendet sich dieser Sammelband an professionelle Musiker (Konzertpianisten) und fortgeschrittene Liebhaber, die auf interessante (Zusatz-)Entdeckungen des Standardrepertoires neugierig sind. Dieser Zielsetzung wurde man perfekt gerecht. Zudem dürfte der moderate Preis für einen hoffentlich weiteren guten Verbreitungsgrad sorgen. Außerdem gibt es noch die Option(en) download für einzelne Notentitel.
Dem Traditionsverlag Schott gebührt großer Dank und Wertschätzung für diese höchst empfehlenswerte Publikation, die besonders im Umfeld der momentan nicht unbedingt einfachen Zeiten überzeugt.
Ich möchte schließen mit: Ad multos annos!


Christoph Brückner - für www.notenkeller.de
August 2020

Erst 2006 hatte Christine Blanken die Noten dieses allerersten Passionsoratoriums, das Reinhard Keiser (1674 – 1739) im Jahr 1705 auf das Libretto von Christian Friedrich Hunold alias Menantes (1680 – 1721) komponiert und 1729 revidiert hatte, in  Berlin wieder aufgefunden, jetzt liegt es als Einspielung durch den rührigen Weimarer Cembaloprofessor Bernhard Klapprott auf CD vor. Dass Hunold und Keiser, die Hamburger Opernfachleute ihrer Zeit, hier die Passion Christi in die Form einer Oper gossen, war wie die ihnen gewohnte Arbeit und füllte die Opernpause der Fastenzeit. Dass die Passion damit ein (nichtszenisches) Passionsoratorium wurde, war die Geburt einer neuen Form, die ihren Platz in der Kirche auch erst erobern musste - die Hamburger Uraufführung fand in der Zuchthauskirche statt, einem der traditionellen Konzertsäle der Stadt. Dass dieses Oratorium nicht allein Oper blieb, sondern echtes Bekenntnis wurde, ist das Verdienst des geschickten Texters Hunold. Dass diese Passion dabei höchsten musikalischen Anforderungen genügt, ist das Verdienst von Keiser, dessen späterer Wechsel vom Opernchef zum Kantor am Hamburger Dom dann auch vollkommen problemlos war.

Zur Operngestalt gehörten die Bravourarien, zur Passion Choräle, die Soliloquenten und die Turbae – und natürlich ein Evangelist. Doch genau diesen hat Hunold aus seinem Text extrahiert, den Text auf die agierenden Personen verteilt oder in Regieanweisungen verschoben. In der Tat, man vermisst ihn nicht, gewonnen sind dafür ausgesprochene Handlungscharaktere, operngemäß! Christus (Dominik Wörner), Tochter Zion (Monika Mauch), Judas (Hans Jörg Mammel), Petrus (Mirko Ludwig), Maria (Anna Kellnhofer), Caiphas (Matthias Lutze) und Pilatus (Oliver Luhn) singen die Hauptrollen, alle zusammen bilden den Chor (der Jünger, der Kriegsknechte, der Schriftgelehrten der Jüden), der manchmal leider etwas distanziert wirkt und seltsam dunkel färbt (Aufnahmetechnik?). Ihr szenisches Gewicht gewinnen die Akteure in kurzen höchst abwechslungsreichen Rezitativen, Accompagnati, Cavati, Ariosi und eben Arien, auch diese sind kurz gehalten, dafür von einer klanglichen Charakteristik, wie es eben nur ein erprobter Opernkomponist konnte. Häufig setzt Keiser nur eine Generalbassstimme gegen die Vokalstimme, stimmungsmäßig ein Kunstgriff, der seinen Höhepunkt in der Arie des Petrus „… Ich schwimm in einer Schmerzens See!… findet, ein anderer Höhepunkt ist gleich das Waffengeklirr der Gefangennahme, in der Arie des Petrus „Waffnet euch, ihr Himmel…“. Bernhard Klapprott gestaltet das alles mit großer Hingabe, spielt auch selbst die Rezitative, manchmal mit etwas viel Routine. Dominik Wörner wie alle anderen auch singt mit innerer Betroffenheit und großer Gestaltungskraft, so dass diese Passion zu einem Bekenntnis wird. Gott sei Dank!


Rainer Goede
April 2020 / Juli 2020

Volkslieder spielen heute nur noch eine untergeordnete Rolle. Manchmal tauchen sie bei dem ein oder anderen Seniorennachmittag oder „Herdensingen“ auf, aber im Leben der Menschen sind sie fast gänzlich verschwunden. Schade eigentlich. Jahrhundertelang begleiteten Volkslieder die Menschen in ihrem Leben, in Jubel und Leiden. Sie verschönerten Feiern und Feste, beschrieben das Leben in Stadt und Land und begleiteten die Menschen auf dem letzten Weg ans Grab und darüber hinaus. Umso bedauerlicher, dass in unserer Gesellschaft so wenig gesungen und musikalisch beschrieben wird. Wie verarbeiten wir eigentlich unser Leben?

Christian Glowatzki hat sich auf die Reise zu einer einsamen Insel gemacht, um das Volkslied wieder zu entdecken. Texte zeitgenössischer Dichter hat er seinem Liederbuch „Die Zeit legt ab ihr altes Kleid“ zugrunde gelegt und sie mit all ihren vielfältigen Inhalten erkundet und in Musik gefasst. Entstanden ist eine Sammlung voller Melancholie, Liebe, Sehnsucht, Heiterkeit, Freude, Trauer und Lebensalltag. Jedes Lied ist mit Melodie und allen Strophen abgedruckt, gut lesbar und vielfältig einsetzbar. Und so harren die Lieder eigentlich nur dem Einsatz in Heim, Schule und Chor. Damit unser Leben wieder sangesfroh und musikreich wird. Auf, auf und lasst uns singen!

Zusätzlich zum Liederbuch ist auch eine CD erscheinen, auf der die Musizierenden aber nicht überzeugen. Diese CD kann man – im Gegensatz zum Liederbuch - getrost ungekauft lassen.


Daniel Kunert
April 2020 / Juli 2020

Als Mitschnitt eines Konzertes vom 1.12.17 entstand diese CD, die Spannung der Live-Situation nicht verbergend inclusive kleiner Pannen. Die Genese des Oratoriums ist unklar, möglicherweise schrieb es Georg Philipp Telemann (1681 – 1767) bereits 1719 in Frankfurt. Aus einer Pastorenfamilie stammend war es ihm möglich, auch den Text in der seit 1705 neuen Mode eines Passions-Oratoriums zu schreiben, gegliedert hat er es in neun Betrachtungen: Vom Abendmahle, Petri Vermessenheit, Der betende JEsus, Der verklagte JEsus, Petri Buße, Der blutige JEsus, Der gecreuzigte JEsus, Der sterbende JEsus und Der ins Grab gelegte JEsus. Die Betrachtungen sind mit Accompagnati, Rezitativen, Ariosi, Arien und je einem abschließendem Choral gestaltet. Voran gesetzt sind eine einleitende Sinfonia und der Choral Schmücke dich, o liebe Seele. Da die Passions-Oratorien in Hamburg noch keine liturgische Verwendung finden durften, wurden sie in der stillen Fastenzeit das Vergnügen an den Opernaufführungen ersetzend in Konzertsälen aufgeführt.

Telemann, dem das Komponieren flott von der Hand ging, hat mit diesem nahezu zweistündigen Oratorium ein Meisterwerk geschaffen, die Situationen werden plastisch ausgemalt, in den betrachtenden Ariosi und Arien sind sie gleich einer Predigt theologisch reflektiert, aber nicht pietistisch überhoben wie bei manchen von Telemanns Zeitgenossen. Das bringt manche überraschende Musik, die sich in den Arien erst mit der folgenden Textaussage erklärt wie z.B. gleich in der ersten Arie, die auf Christi Leidensankündigung mit einer fröhlichen Musik daherkommt, in der die allegorische Figur der Andacht Christus herz-innig preist. Besondere Stimmungen weiß Telemann hervorzurufen durch die Instrumentierung außer mit Oboen auch mit Flöten, Schalmeien und Hörnern. Das tut alles seine emphatische Wirkung, manchmal durchaus operngemäß mit vielen Verzierungen in den Dacapoteilen der Arien, manchmal mit a-cappella gesungenen schlichten Chorälen wie O Haupt voll Blut und Wunden und Nun gibt mein JEsus gute Nacht.

Das Freiburger Barockorchester ist bekannt zupackend bei der Sache, musiziert unter Gottfried von der Goltz, dass es eine Freude ist. Trotzdem bleibt der Eindruck einer norddeutschen Kühle oder Zurückhaltung. Peter Harvey singt einen irdischen Jesus, Michael Feyfar glänzt in der Rolle des Petrus, nicht minder vertritt Colin Balzer die Figur der Andacht, über allen erhebt sich Anna Lucia Richter, sie ist die genau Richtige für die Figuren Die Andacht, Der Glaube und Zion. Ein einziges Fragezeichen bleibt bei den einfach zu schnell vorgetragenen Chorälen.

Homilius (1714 – 1785), seit 1755 Nachfolger von Theodor Christian Reinhold als Kreuzkantor und Musikdirektor der drei Dresdener Hauptkirchen, komponierte das Passionsoratorium wohl 1775, gewidmet hat er es Herzog Friedrich zu Mecklenburg, der in Ludwigslust residierte. Wahrscheinlich war es also eine Auftragsarbeit, was den überregionalen Ruf Homilius‘ bestätigen würde. 1776 ist eine Aufführung in der Dresdener Frauenkirche belegt, seiner lebenslangen Wirkungsstätte, nachdem im Siebenjährigen Krieg die Kreuzkirche 1760 zerstört worden war.

Vom Rationalismus der Zeit geprägt, sah die Theologie im Evangelium vor allem die Grundlage eines Philantropismus, so findet sich in der Textvorlage eines unbekannten Librettisten eine tugendhafte Christusdarstellung, die Empathie, Trauer und vor allem eigene Betroffenheit auslösen sollte. Der Librettist könnte Ernst August Buschmann (1725 – 1775) gewesen sein, seit 1759 Pfarrer in Löbnitz nahe Delitzsch. Buschmann hat für Homilius auch die Texte für dessen Passionskantate „Ein Lämmlein geht“ (HoWV I,2) im Jahr zuvor und für das Weihnachtsoratorium (HoWV I,1) im Jahr darauf geschrieben.

Homilius reiht in dieser freien zweiteiligen Dichtung, die auch keinen Evangelisten mehr benötigt, Accompagnati, Arien, Duette und Rezitative aneinander, schlichte Choräle stehen am Anfang und Ende der beiden Teile, zwei Chöre stehen als Dictum nach den Eingangschorälen, ein weiterer großen Eindruck hervorrufender findet sich nach der Szene „Sein Blut komme über uns und unsre Kinder“ als heftig mahnender bedrohlicher Ausblick auf das Jüngste Gericht. Der Schlusschoral/-chor bringt zwischen den 5 Strophen einen Dreizeiler als Ritornell. Die Arien sind traditionell in Dacapoform geschrieben, die Duette sind Zwiegespräche zwischen der „Gläubigen Seele“ und Christus, bzw. zwei „Gläubigen Seelen“. Ebenso wie der Text stark auf Ostern ausgerichtet ist, ist auch die Musik Homilius‘ bereits in der ersten Arie, die das Abendmahl kommentiert, fröhlich bis heiter. Und Gott kommt ganz nah, wenn die Bassarie „Du bist mein lieber Sohn“ mit einem langem Paukencrescendo beginnt. Homilius kann aber auch noch ganz anders, von wunderbarer Inspiration ist der Solochoral „Er entäußert sich der Freuden“, in dem Pizzicatotstreicher die Orgelharmonien ganz himmlisch akzentuieren und der Schlusschoral mit seinen Ritornellen, in denen die Erlösung irdisch wird.

Matthias Jung ist mit seinen Ensembles, dem Sächsisches Vokalensemble und der  Batzdorfer Hofkapelle, der Musik von Homilius ein engagierter Streiter, nimmt auch die Choräle im zeittypischen langsamen Tempo. Auch den Solisten, allen voran Meike Leluschko mit ihren virtuosen Bravourarien, Patrick Grahl als überlegener Gestalter und Tobias Berndt als hingebungsvoller Jesus hört man die eigene Motivation zu dieser schönen Musik an. Von Gerhard Poppe stammt der einführende Booklettext, die Punktgröße ist leider am Rand der Lesbarkeit, dem Textteil fehlt offenbar der letzte Korrekturdurchgang.

Diese Passion ist die österlichste, die der Rezensent je gehört hat. Und so schließt der letzte Choral denn auch: „Singt, Engel, unsern Lobgesang: Kraft, Herrlichkeit, Ruhm, Preis und Dank!“ Wer so singt, der lebt wohl! Viel mehr als nur empfehlenswert! 


Rainer Goede
April 2020 / Juli 2020

Das Programm der CD bringt eine große musikalische Überraschung, ist doch die Neutextierung (Parodie) der Stabat mater-Musik (1736) von Giovanni Battista Pergolesi (1710 – 1736) durch Friedrich Gottlieb Klopstock (1724 – 1803), die dieser 1770 als Jesus Christus schwebt‘ am Kreuze veröffentlichte, vollkommen in Vergessenheit geraten. Pergolesis Musik wurde allerorten geschätzt, der lateinische Text der mittelalterlichen Sequenz allerdings war besonders in pietistischen Kreisen ein Ärgernis. So wurde in Parodien ein Ausweg für diese Musik gefunden, am bekanntesten dafür ist sicherlich Bachs Bearbeitung als Bußpsalm 51, Tilge, Höchster, meine Sünden, BWV 1083 (1747) geworden. 
Hiller (1728 – 1804), damals Leiter des Leipziger Großen Konzerts, hat die Musik Pergolesis noch angereichert durch Flöten und Oboen, z.T. wurden Arien für Tenor und Bass umbestimmt, vor allem aber ergänzte er die Harmonien durch zusätzliche Mittelstimmen. Dadurch entstand eine respektable Passionsmusik mit zwei großen Chören, die bis in die Mitte des 19. Jahrhunderts viele Aufführungen erfuhr. Vom späteren Thomaskantor Hiller, der auch ein hoch zu achtender Komponist war, bringt die CD noch zwei Psalmvertonungen, die große Kantate mit gleich drei Chorsätzen beachtlicher Satzkunst zum Text des 100. Psalms und die Psalmmotette zu Psalm 5, ein typisches Kind ihrer Zeit, gut gemacht und gut anzuhören.

Homburg lässt seine Ensembles, die Hymnus-Chorknaben und seine Handel’s Companey (auf alten Instrumenten) nach Herzenslust die schöne Musik musizieren. Auch das Eingangsduett der Pergolesi-Musik gehört seinen absolut sauber, wenn auch etwas sehr kopfig singenden Knabenstimmen. Christoph Koop schrieb eine gute Einführung für das Booklet. Ein großer Schwachpunkt der CD ist aber die Aufnahmetechnik, die die große Tiefenstaffelung des Aufführungskörpers nicht auszugleichen verstand. So sind die Männerstimmen unterrepräsentiert, ebenso der Altus Thomas Riede und der Bass Thomas Laske. Gerne hätte man Rainer Johannes Homburg und seinen Ensembles eine ausgewogene Klangbalance gewünscht.


Rainer Goede
April 2020 / Juli 2020

Die Veröffentlichungsreihe der Tiroler Landesmuseen widmet sich hier dem Hammerflügel des Wiener Fortepianomachers Conrad Graf (1782 – 1851), den dieser ca. 1835 nach Stuttgart lieferte und der heute in Innsbruck steht. Der Booklettext von Franz Gratl beschreibt Leben und Kunst von Conrad Graf ausführlich, nennt vor allem Mendelssohns Kontakte mit dessen Instrumenten. Kurze Beschreibungen der eingespielten 8 Hefte der Lieder ohne Worte, des Rondo Capriccioso op. 14 und der Variations Sérieuses op. 41 runden das Heft ab. Ein weiterer Beitrag zu Mendelssohn und Tirol beleuchtet ein bisher unbekanntes Kapitel.

Annette Seiler, Professorin für Liedbegleitung in Salzburg, bzw. Innsbruck trägt die Preziosen mit großer virtuoser Überlegenheit vor, ihre zurückhaltende, gleichwohl zupackende Art interpretiert nicht über und nicht unter. Rauschende Kaskaden erklingen genauso selbstverständlich wie geheimnisvoll erzählende Momente. Ein hoher Genuss ist der Klang des Instrumentes, das mit seiner Wiener Mechanik und hellem Klang die Piècen durchhörbar macht wie kaum ein anderes. Eine bessere Kombination von Musik und Instrument hätte wohl keiner treffen können!


Rainer Goede
April 2020 / Juli 2020

Was mag den 27-jährigen Johann Theile (1646 – 1724) angetrieben haben, als er seine PASSIO, Domini nostri Jesu Christi secundum Evang: Matthæum con & sine Stroment: Das Leiden und Sterben unsers Herrn JESU CHRISTI/ Nach dem H. Evangelisten Matthäo; 1673 in Lübeck niederschrieb? War es vielleicht ein Wettstreit mit seinen Freunden Dieterich Buxtehude und dem Hamburger Johanneum-Kantoren Thomas Selle (s. Johann Voorhout: Häusliche Musikszene, 1674. Abgebildet sind vermutlich Johann Adam Reincken (am Cembalo) und Buxtehude, eventuell auch Theile.)? In Lübeck war er neben Buxtehude, der seit 1668 an Marien wirkte, Organist, daher ist seine Matthäus-Passion wohl als Organistenmusik zu verstehen. Immerhin, neben 7 Instrumenten [2 Viola da braccio; 2 Violas da gamba; Continuo] sind noch 6 Vokalstimmen [3 Sopranos (Ancilla I, II, Uxor Pilati), Alto (Judas), 2 Tenors (Evangelist, Petrus), 2 Basses (Caiphas, Pilatus), SSATB chorus] besetzt, für eine Organistenmusik eine große Besetzung.

Sicherlich wird Theile die responsorialen Passionen seines Lehrers Heinrich Schütz in Weißenfels [Matthäus-Passion (1666), Lukas-Passion (um 1653), Johannes-Passion (1665/66)], die nur wenige Jahre zurücklagen, gekannt haben. Sicherlich bekannt war ihm auch die Johannis-Passion (1643) von Thomas Selle, der Intermedien eingefügt hatte, mit großer Wahrscheinlichkeit auch die Matthäus-Passion (1667) des Lüneburger Lamberti-Organisten Christian Flor, der Orchester-Stücke und Arien, und vielleicht auch schon die Passion des königlichen Kapellmeisters Johann Sebastiani in Königsberg (Das Leyden und Sterben unseres HERRN und Heylandes Jesu Christi nach dem heiligen Matthæo. Königsberg (1672), der Verse aus den üblichen Kirchenliedern hinzugefügt hatte.

So ist Theile einen neuen Weg gegangen – vielleicht ebnete dieser ihm den Weg zur Berufung als Hofkapellmeister nach Gottorf. In seiner Passion werden die Evangelien- und Christusworte durch Gamben umspielt, was eine Übernahme vermeintlich altgriechischer Praxis sein könnte, jedenfalls ein denkbarer Gedanke der Renaissance. Reizvolle Worte wie das Weinen Petri oder das Krähen des Hahnes werden dabei mit entsprechenden knappen Tonfiguren gemalt. Zudem sind vier Arien mit jeweils zwei Strophen eingeschoben, deren betrachtender Inhalt die evangelische Mystik der Zeit widerspiegelt. Die Arien mit ihren instrumentalen Ritornellen zwischen den beiden Strophen und danach bilden strukturelle Ruhepunkte, während sonst der Passionsbericht entsprechend der Textvorlage ziemlich ruhelos abläuft.

Das wäre auch die einzige Frage an Manfred Cordes, ob der Notentext da nicht auch die Möglichkeit gelassen hätte, ab und zu ein wenig innezuhalten. Seine Ensembles musizieren makellos und engagiert, Dominik Wörner ist ein überlegener Christusdarsteller, Hans Jörg Mammel ein ebenso überlegener Evangelist, der in aller Nüchternheit Bericht erstattet. Interessante Klänge bringt die Continuo-Kombination von Chitarrone und Orgel. Christoph Helm und Carsten Niemann sind die Autoren inhaltsreicher Bookletbeiträge, das nur darunter leidet, dass die Punktgröße der Schrift an die Grenze des Lesbaren geraten ist. Vermisst wird lediglich das Portrait von Theile, das 2008 in der Lübecker Stadtbibliothek entdeckt wurde.
So ist Theiles Passion ein Markstein in der Entwicklung der oratorischen Passion, die Wiedergabe dieser CD dank Manfred Cordes eine große Hilfe zum Erleben der Karwoche, beginnend mit dem Sonntag Palmarum, dem die Matthäus-Passion liturgisch zugeordnet ist.


Rainer Goede
April 2020 / Juli 2020

Die CD bündelt Kantaten für Solo-Sopran des Gottorfer und Wolfenbütteler Hofkapellmeisters Johann Theile (1646 – 1724) und des Lüneburger Lamberti-Organisten Christian Flor (1626 – 1697) aus der Düben-Sammlung. Sonaten von Theile und des Lübecker Stadtmusicus Gregor Zuber (c 1610 – c 1673) geben dem Gambenensemble von Simone Eckert Gelegenheit, ihr ganzes Können und Engagement für diese Musik zu zeigen. Dorotee Mields singt wie immer abgehoben im Klanghimmel, lässt aber eine deutliche Aussprache der Konsonanten vermissen. So ist es schwierig, die Texte, bzw Textwiederholungen zu verfolgen. Die geistlichen Konzerte aus der Mitte der 1680er Jahre, also aus den Gottorfer Jahren von Theile, dienten entweder im Gottesdienst oder als private Erbauungsmusik, herausragend dabei das Konzert „Gott, hilf mir, denn das Wasser gehet mir bis an die Seele“. Regelrecht theatralische Wirkungen erzeugen die beiden Konzerte von Flor, deren kurze Textvorlagen zu großen Steigerungen und deklamatorischen Höhepunkten hochbarocken Umfangs führen. Die Sonaten à 4 von Theile und Zuber zeigen die hohe Kunst der Stadtpfeifer nach dem Ende des Dreißigjährigen Krieges, zupackend und intelligent wiedergegeben von der Hamburger Ratsmusik.

Die CD präsentiert die Hochform der instrumentalen und Sololiteratur des 17. Jahrhunderts, allein schon die Konzerte von Flor bieten hohen Anreiz, die CD öfter zu hören.


Rainer Goede
April / Juli 2020

Das breitgefaßte Themenspektrum behandelt u.a. die Chorbibliothek von St. Marien Lübeck, das Buxtehude zur Verfügung stehende Instrumentarium, die „mystische“ (pietistische!) Dimension in Buxtehudes Vokalwerken, latente Poetik in den Triosonaten, lateinische Kirchenmusik im Kontext mit barocker Abendmahlsfrömmigkeit.

Ein Satz wurde mir durchaus zur Offenbarung (S. 151) : Eine hochtheologische (!) Angelegenheit, die Musik...
Differenziert und freilich auch brisant sind die stark divergierenden Auslegungen des terminus „con discrezione“ (S. 153).
Vielleicht auch hier wieder ein Stück Glaubenssache neben theoretischen wissenschaftlichen Ergüssen.
Auf jeden Fall: Auflockernd sind alle Tabellen, Übersichten, die liebevollen und zahlreichen Musikbeispiele sowie die grafischen Illustrationen, denn ansonsten könnte es beim Lesen doch gelegentlich zu etwas leichten Ermüdungserscheinungen der doch teilweise (sehr) „trockenen“ akademischen Sujects kommen


Christoph Brückner
April 2020 / Juli 2020

Beethoven schrieb Sonaten, Quartette, Sinfonien und die Leonorenouvertüre, ja und natürlich „Für Elise“ und „Freude, schöner Götterfunken“, macht sich gut als Welthymne und gegen den Coronavirus. Nur ist das nicht die ganze Wahrheit, die besteht bei Beethoven aus vielen Anläufen, Versuchen, Skizzen, Erfahrungen Experimenten, Überwindungen und Wagnissen und natürlich Klavierspielen. Die eigene Kindheit bei einem versoffenen Vater, Abbruch des Schulbesuchs, die zugemutete Pflege der kleinen Geschwister bereits im Alter von 16 Jahren,  Besetzung der Heimat durch die Franzosen, was macht so was mit einem hoch begabten jungen Menschen? Dazu schließlich Gehörverlust des 38-jährigen und Verwahrlosung - aber alle Hochachtung dem romantischen Genie! Haben seine Zeitgenossen ihn und seine Kompositionen verstanden? - Wahrscheinlich sogar besser als unsere Zeitgenossen, die nur dasjenige hören, was ihre eigene Cloud ihnen noch erlaubt.

Kirschnereit, Professor in Rostock, spielt das andere, das kleine, manchmal missachtete, rare und so kostbare Beiwerk der großen Opera, ohne die sie nicht die großen Opera wären. Da ist das Wunderwerk an Polyphonie des auch auf einer Orgel gut spielbaren Praeludiums in f-Moll (WoO 55, 1803), an polyphoner Kunst und Dichte nie wieder erreicht. Da sind die 6 Variationen in F-Dur, op. 34, ein breites Fundament der großen Variationskunst der Romantik. Da ist der Walzer in Es-Dur, WoO 84, Tanzkunst, bei der die Tanzkunst des Wiener Kongresses wohl aufhörte. Da ist …, da ist … Kirschnereit öffnet ein Schatzkästlein nach dem anderen, mit seiner hohen Spielkunst für ihn ganz unauffällig und selbstverständlich machbar. Am meisten zu bewundern ist sein Fortespiel, ein unerhörtes Understanding, das den Werken eine Natürlichkeit verleiht, als könnte man sie so im Vorbeigehen passieren lassen. Nur schade, dass er nicht zu einem zeitgenössischen Fortepiano gegriffen hat. Das Booklet verschweigt, welches Instrument hier erklingt, bringt ansonsten einfühlende Informationen zu den eingespielten Werken und ein Interview von Michael Kube mit Kirschnereit. Dass man die CD tunlichst mit den Noten in der Hand hören sollte, versteht sich, solche ‚Handschuhe‘ sorgen für ein sorgfältiges Auspacken dieser Schätze – und sie erhöhen die Wertschätzung!


Rainer Goede
März 2020 / Juli 2020

Ludwig van Beethoven - Christus am Ölberge, op. 85

Herausgeber: Clemens Harasim
Verlag: Carus

Die Neuausgabe bringt gegenüber der alten Breitkopf-Edition einige Vorteile. Neben dem Erstdruck von 1811 liegen der Ausgabe nämlich zwei frühere Handschriften zugrunde, zwei Partiturabschriften, die eine mit Eintragungen und Ergänzungen Beethovens, die er als Grundlage einer Überarbeitung verwendete, die andere (unvollständig, da die Abschnitte 6e und 6f fehlen) beinhaltet Ergänzungen des Kopisten Gebauer und Eintragungen Beethovens, die als Grundlage für die Erstellung der Stichvorlage diente. Im Verlag allerdings wurde eine teilweise alternative Textunterlegung vorgenommen, wogegen Beethoven protestiert hat, so dass deren Urbild vor dem Erstdruck nicht mehr vollständig festzustellen ist. So konnten in der Neuausgabe bei der Textierung Beethovens autographe Korrekturen als Variante über den Noten eingetragen werden, was aus musikalischer Sicht durchweg zu bevorzugen ist. Außerdem ist die Ausgabe auch englisch textiert, denn seit etwa 1814 war das Oratorium auch in England heimisch. Die Ausgabe trägt praktischerweise jetzt auch Taktzahlen, ansonsten wurde das Druckbild modernen Gepflogenheiten angeglichen.

Christus am Ölberge war das erste Oratorium nach den beiden von Haydn, es ist das erste Vokalwerk Beethovens in Wien und ist auch das einzige Oratorium Beethovens geblieben. Das Oratorium wurde am Dienstag der Karwoche, am 5.4.1803, in Wien uraufgeführt. Seine Ernennung zum Hauskomponisten des Theaters an der Wien war erst im Januar 1803 erfolgt, so dass das Oratorium zusammen mit dem Dichter Franz Xaver Huber innerhalb von zwei Wochen entstand, wie Beethoven selbst mitteilte. Die Posaunenstimmen hatte Beethoven erst am Tag der Uraufführung geschrieben.
Der immer wieder kritisierte Schwachpunkt des Oratoriums ist der Text, der nur die beiden Szenen von Christi Gebet in Garten Gethsemane und die Gefangennahme bringt, Christus dabei sehr frei als leidenden Menschen in überzeichneter Weise der Aufklärung darstellt. Diese Kritikpunkte aber gehen unter unter der bravourösen Musik Beethovens, die auf hochdramatische Weise in bester Opernmanier gefangen nimmt.

Das Oratorium wurde erst 1811 veröffentlicht, daher trägt es im Werkverzeichnis Beethovens die relativ hohe Opuszahl 85. Entstanden ist es im Anschluss an die zweite Symphonie und das dritte Klavierkonzert, die Beethoven denn auch zusammen mit seiner ersten Symphonie gleichzeitig in dem Konzert am 5.4.1803 aufführte. Die Kritiker haben die Musik hochgechätzt, infolgedessen kam das Oratorium in den deutschen, dann auch englischen und italienischen wie französischen Konzertsälen zu großem Erfolg. Der Text wird dazu geführt haben, dass Christus am Ölberge trotz der grandiosen Musik Beethovens heute nur selten auf dem Programm steht. Die Neuausgabe, zu der auch das Stimmenmaterial vollständig erschienen ist, kann hoffentlich dazu beitragen, das wieder zu ändern.


Rainer Goede
März 2020 / Juni 2020

Martin Luther - Geistliche Lieder

Herausgeber: Johannes Schilling
Verlag: Ev. Verlagsanstalt Leipzig

Nach eigener Aussage soll das Buch ein müheloses Verständnis für diese teils sperrigen Texte (Tod-Teufel-Tintenfass…) und eine Einordnung in die kirchen- und frömmigkeitsgeschichtlichen Kontexte ermöglichen. Welch hehres Ziel!

Meine Gedanken hierzu:
1545 erschien das nach dem Leipziger Verleger so benannte BAPST´sche Gesangbuch „Geystliche Lieder“. Vom dekorativen Titelblatt findet sich ein Faksimile-Abdruck (Seite 10), das die damalige Qualität beweist. Der Herausgeben J. Schilling wählte ein Dreier-Konzept:

1. Texte
2. Erläuterungen
3. Anhang

Die beiden Blöcke hätte ich mir allerdings persönlich zusammengefasst (Ursprungs-Text/Erläuterung direkt hintereinander) gewünscht.
So entsteht nicht unbedingt der Eindruck „oremus“ (lasst uns beten) sondern: lasst uns blättern…Wem dient dieses Buch? Und warum fehlen die 1545 mitgelieferten Melodien heute? Zweifelsohne bleibt Martin Luther auch immer noch – immer wieder – ein „Kind seiner Zeit“ mit allen Licht- und Schattenseiten.
Zum Verständnis der komplexen historischen Zusammenhänge ist deswegen die obligatorische Zeittafel (S. 236-238) eine obligatorische und  dankbare weil hilfreiche Ergänzung.

Ich bitte hier einen Exkurs zuzulassen:
Wie hart erscheinen die Worte von Martin Niemöller (1892-1984): Der eigentliche Schaden (!) bei Luther scheint mir der zu sein, dass er das Lehramt der Kirche praktisch abgeschafft hat. Damit musste ja die Einheit und auch die Leiblichkeit der Kirche hinfallen; und seitdem haben wir das Gespenst der unsichtbaren Kirche….
Soweit das Zitat.

Aufgrund einer leider unvollständigen (!) Konkordanz (Der Bezug zum kath. Gesangbuch GOTTESLOB ist leider völlig ausgeblendet !) und aufgrund sämtlicher fehlender
Melodiefassungen wird sich die Zielgruppe dieses Buches, das nicht mit wesentlichen neuen Erkenntnissen aufwartet, doch eher auf evangelische Theologen beschränken. Im vielbeschworenen Ökumene-Zeitalter eher schade. So bleibt dieses zweifelsohne wortgewaltige Kompendium doch eher eingefleischten Luther-Fans vorbehalten.
Um nicht missverstanden zu werden: mir geht es nicht um „nüchternes Protestantentum“. Schon allein durch die Tatsache, dass die im Gotteslob (mit ö) sehr wohl vertretenen  Luther-Melodien keines Wortes gewürdigt werden, kann man von einer einseitigen (im Sinne von nicht vollständig ausgewogen) Sicht ausgehen.


Christoph Brückner
März 2020 / Juni 2020

Bach-Kommentar - Band IV

Autor: Martin Petzoldt
Herausgeber: Norbert Bolin
Verlag: Bärenreiter

Messen Magnificat Motetten

Zwölf Jahre nach dem Band II und fünf Jahre nach dem Tod des Autoren ist nun auch der abschließende Band IV der Bach-Kommentare des unvergessenen Leipziger Theologieprofessors und langjährigen Vorsitzenden der Neuen Bachgesellschaft Martin Petzoldt erschienen. Der Herausgeber Norbert Bolin hat unter der Mitarbeit von Jochen Arnold und Michael Beyer die Vorarbeiten Petzoldts für diesen Band gesichtet und wo notwendig ergänzt. Der Band wird ergänzt durch  hilfreiche Gesamt-Auflistungen der kommentierten Werke nach der Reihenfolge der Sonn- und Festtage und der Entstehung, nach der Reihenfolge des BWV und nach der alphabetischen Reihenfolge der Textincipits. Der Liturgische Kalender ordnet die Werke den entsprechenden Feiertagen zu, eine große Arbeitserleichterung, da die Revision des Liturg. Kalenders 2018 große Neuerungen gebracht hat. Weitere Verzeichnisse gelten der benutzten Literatur, den Personen und den Auszügen aus den Bibl. Erklärungen des J. Olearius in der Reihenfolge der Biblischen Bücher und der von Bach benutzten Texte.

Der Band ist als Band 14-4 in der Schriftenreihe der Internationalen Bachakademie Stuttgart erschienen. Mit Rührung und Wehmut liest man die unvollständig gebliebenen Einleitungen Petzoldts zu den angeführten Werken in diesem Band IV seiner Theologisch-musikwissenschaftlichen Kommentierung der geistlichen Vokalwerke. Es kann nur wiederholt werden: Der Ansatz Martin Petzoldts, Bachs Kantatentexte und ihre Vertonung aus der zeitgenössischen Theologie und Gottesdienstpraxis zu erklären, ist unmittelbar einleuchtend – und hat beachtliche Konsequenzen hinein in alle Parameter einer Interpretation. Petzoldt ist damit ein epochemachendes Nachschlagewerk gelungen, unverzichtbar für die Vorbereitung von Aufführungen Bachscher Vokalwerke.

Wie in den drei ersten Bänden gliedern sich die einzelnen Besprechungen in eine Seite Übersicht nach dem liturgischen Ort, ihren Besetzungen und Literaturangaben, der die Wiedergabe der Auslegung aus der Olearius-Bibel mit der Textwiedergabe mit Angaben der Bibeltextbezüge folgt, ein musikgeschichtlicher Aufriss der Erstaufführung und eine Kontextsammlung zeitgenössischer Bibelausdeutungen sowie eine Analyse von Textzeilen und ihrer Vertonung beschließen den jeweiligen Kommentar.

Petzoldts Bach-Kommentar als umfassende Wissenssammlung zu allen grundlegenden Parametern Bachscher Vokal-Produktion ist ein nicht genug zu würdigendes Kompendium des heutigen Forschungsstandes. Petzoldts Bach-Kommentar gehört in jede Bibliothek von Kirchenmusikern und Kantatenpredigern – und studiert!


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - März 2020 / Juni 2020

Leichte Spielstücke für Klavier - Ludwig van Beethoven

Herausgeber: Peter Heilbut
Verlag: Edition Hug

Bereits 1989 erschien die immer noch gültige Notenedition des Komponisten, Musikpädagogen, Pianisten Peter Heilbut (1920-2005), der das KZ Sachsenhausen überlebte und ab 1945 Musik in Hamburg Musik studierte. Mir kommt auch hier der Gedanke in den Sinn Musik als Überlebensstategie zu sehen. Und tatsächlich: Beethoven Literatur füllt ganze Regale. Trotzdem gibt es immer noch viele Rätsel um den weltberühmten Komponisten. Schon das Geburtsdatum von Beethoven ist das erste Mysterium, denn überliefert ist nur sein Taufdatum: 17.12.1770.

Mit 12 komponierte er exotische (!) Titel wie „Lied an einen Säugling“ – „Elegie auf den Tod eines Pudels“. 1792 zieht Beethoven um nach Wien und verbleibt dort bis zu seinem relativ frühen Lebensende: Todesdatum ist der 26.03.1827. Die Musik des angeblich griesgrämigen Menschen mit der Löwenmähne ist geblieben. Wie erschütternd und betroffen ist das im Vorwort abgedruckte „Heiligenstädter Testament“ vom 6.10.1802, das eine seelische Offenbarung des vereinsamten Sonderlings darstellt, und das bereits 1802 den
Gedanken der Selbsttötung enthält. Umso wohltuender ist die Musik, die Peter Heilbut von Beethovens Werken selektiert hat:

Aus dem Inhalt:
Klavierstück „Für Elise“ / Bagatellen / Variationswerke mit den jeweiligen Opus-Zahlen.
Das formal längste Werk sind die Variationen in A-Dur über ein Thema des italienischen Opernkomponisten Giovanni Paisiello (1740-1816). Allerdings sind von den urspr. IX Variationen „nur“ VIII in dieser Ausgabe enthalten.
Auf die (umfangreichere) Abschluss-Variationen wurde dabei offensichtlich verzichtet. Somit sind alle Variationen einheitlich: immer 24 Takte lang. In Variation 4 (Seite 19) sind Melodie-Oktavierungen in der R.H. zu bewältigen.

Auf das sehr lesenwerte Vorwort wurde bereits hingewiesen.
Zu Beethoven Notierung (Bagatelle op. 199/9) findet sich ein interessantes Notenbeispiel als Autograph/Fragment.

Alle veröffentlichten Musikstücke sind ein idealer und wunderbarer Einstieg, denn bereits in diesen Miniaturen (Peter Heilbut nennt es allerdings „Bagatellsujet“) zeigt sich das klanggewaltige Spektrum von Beethoven Variations- und Ideenreichtum.

Das Vorwort schließt mit den Worten:
Will man Einlass finden in die elementare Kraft Beethovenscher Gestaltungs- und Empfindungswelten, muss man die hohe Stufe seiner Sonaten erklimmen. Und das bedeutet Ausdauer, ja, Besessenheit, und nicht zuletzt – fachkundigen Unterricht.


Christoph Brückner
für www.notenkeller.de - März 2020 / Juni 2020

Die Einspielung ist zweien der großen Jubilaren des Jahres 2020 gewidmet: Antonin Rejcha (1770 – 1836) und Ludwig van Beethoven (1770 – 1827).
Anton Reicha, vor allem bekannt durch seine zahlreichen Bläsermusiken und die abenteuerlichen 36 Fugen, op. 36 (1805), für Klavier, bzw. Orgel, hinterließ auch drei „Grande Symphonie“, die für neun Instrumente, Streicher, Holzbläser und Horn, geschrieben sind. Hier wird seine erste Grande Symphonie D-Dur (undatiert) wohl als Ersteinspielung mit dem bekannteren Septett e-Moll, op. 20 (1800), von Beethoven kombiniert.
Auch Beethovens Herz schlug nach seinen Anfängerjahren als Orgelschüler bei Christian Gottlob Neefe in Bonn bekanntlich nicht für die Orgel, neben absoluten Schülerwerken stehen da nur das respektable Praeludium f-Moll, WoO 55 (1803), die „Drei Stücke für Flötenuhr“, WoO 33a (1799) und drei allerdings sehr schöne Trios, deren Zuschreibung an Beethoven aber zu bezweifeln ist. Dass beide Komponisten in Wien zu einer guten Freundschaft fanden, macht die Kombination noch eingängiger. Ist Reichas Satz von extravaganter Komponier- und Spiellust gekennzeichnet, so spricht aus Beethovens Septett schon der sich manchmal quälende Geist nach einer endgültigen kompositorischen Lösung, die so überraschend wie von erster Qualität ist, einem Testament ähnelnd.

Dass diese Qualitäten vom Ensemble „Le Concert de la Loge“ in ebengleicher Qualität ausgeführt werden, ist von vornherein klar. Wollüstige Klänge wie analytische Klarheit kennzeichnet das Spiel der neun Solisten, die aus einem Geist spielen, dass der Hörer die CD gleich noch einmal auflegt. Das Booklet (nur frz. und engl.) mit zwei Aufsätzen von Ètienne Jardin und Francois-Pierre Goy/Julien Chauvin (1. Violine) bringt alle notwendigen Informationen.


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar 2020 / Mai 2020

Klingende Toleranz

Interpreten: Leipziger Synagogalchor, Kammerchor Josquin de Préz, Ltg Ludwig Böhme
Label: Querstand

Das Programm ist eine Rekonstruktion eines Synagogenkonzertes aus Leipzig von 1926, dessen gedrucktes Programm erhalten blieb. Wie damals allgemein üblich wechselt die Besetzung des Konzertes zwischen Solo-Orgelstücken, Motetten für gemischte Chöre und  Bearbeitungen für Sologesang, Violine und Orgel.

Das Programm beginnt mit Bachs Fantasie g-Moll, BWV 542/1, hier gespielt von Ulrich Böhme wohl in St. Thomas (das Booklet verschweigt das Instrument). Motetten von Salomone Rossi (um 1570 – um 1630), Louis Lewandowski (1821 – 1894), Salomon Jadassohn (1831 - 1902) und  Arnold Mendelssohn (1855 – 1933) wechseln sich ab mit Bearbeitungen der Follia-Variationen von Corelli für Violine und Orgel und von Liedern aus Oratorien von Händel und Mendelssohn Bartholdy in Bearbeitungen für Sopran, Violine und Orgel. Der damalige Kantor Samuel Lampel (1884 – 1942) schrieb eine Psalmmotette (Ps 92) für Kantor, Chor und Orgel, die die romantische Praxis der Zeit festhielt. Kantor Assaf Levitin, Hannover, singt mit durchschlagendem Tremolo diese Partie auf der CD; dass man sich wirklich zurückgesetzt fühlt in die Zeit von vor 100 Jahren. Anja Pöche, Sopran, und Susanne Langner, Alt, Henrik Hochschild, Violine, und Tilman Löser, Orgel, sind die anderen zuverlässig und schön gestaltenden Solisten dieser Aufnahme. Ludwig Böhme, Mitglied des Calmus Ensembles, Dirigent beider Chöre, ist der Spiitus rector der Wiederholung des Konzertes von 1926 in Leipzig wie dieser Aufnahme. Man kann ihn nicht genug loben dafür!

Thomas Schinköth schrieb eine engagierte weit ausholende Einführung im Booklet, das auch ansprechend bebildert ist. In einer Zeit, in der so manche das Geschehene während der Nazi-Diktatur nicht richtig werten mögen, ist diese Aufnahme ein Zeichen wahrer Erinnerung, Erinnerungskultur vom Besten!


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar 2020 / April 2020

17the-Century Sacred Music in Wroclaw

Interpreten: Gli angeli Geneve, Concerto Palatino, Wroclaw Baroque Orchestra, Ltg. Stephan Macleod
Label: Claves

Mit dieser CD wird die lokale Breslauer Musikhistorie des 17. Jahrhunderts aufbereitet. Die in ihren Besetzungen sehr vielfältige Folge von Kompositionen von meist heute nicht mehr bekannten örtlichen Komponisten stellt aber auch Werke überregional bedeutender Meister vor wie Biagio Marini, Giovanni Legrenzi und Tarquinio Merula, womit offenbar ist, dass die Mode der Zeit von Italien bestimmt wurde. Aber auch Breslauer Organisten der Zeit bekamen überörtliche Bedeutung, wofür der Name von Tobias Zeutschner (1621 – 1675) stehen mag, dessen doppelchörige Hochzeits-Motette Der Herr gebe euch vom Tau des Himmels (Breslau 1656) auf demselben Niveau wie die Werke von Heinrich Schütz steht, sie stellt denn auch den absoluten musikalischen Höhepunkt dieser CD dar. Zeutschner (1621 – 1675) war seit 1649 Organist an St. Bernhardin in Breslau und wechselte 1655 an St. Maria Magdalena. U.a. gab er 1661 in Leipzig seine Musicalische Kirchen- und Hausfreude heraus, eine Sammlung von zehn klein besetzten geistlichen Konzerten bis hin zu umfangreichen Festmusiken im modernen italienischen konzertierenden Stil. 1667/70 waren es zwei Teile Musikalische Hausandacht, je zehn schlichte Lieder für Cantus und Bassus umfassende Sammlungen. Seine um 1660 geschriebene  Weihnachtsgeschichte setzte Maßstäbe, die selbst für Schütz galten. Andersrum folgt Schützens Vorbild die Auferstehungs-Historie von Zeutschner.
Wohl für den eigenen liturgischen Bedarf sammelte der an der Breslauer Elisabethkirche wirkende Organist Ambrosius Profe (1589–1661) zwischen 1641 und 1643 vier Anthologien unter dem Titel Geistliche Concerte und Harmonien, in denen er ausgewählte Werke verschiedener Komponisten herausgab.Zu ihnen zählt auch Mikolaj Zielenski, Polens bekanntester Barockkomponist, der mit einer Communio in Solo-Besetzung in der Art der Seconda Prattica vertreten ist. Aus Profes Sammlungen stammen neben den genannten Italienern noch einige der eingespielten Werke, abwechslungsreich für Cornetto und Orgel bis hin zur 20-stimmigen Pracht-Motette von Asprilio Pacelli Dum esset rex.

Das Booklet bringt einen kundigen, aber knappen Text von Marcin Szelest und die genauen Besetzungen des Wroclaw Baroque Orchestras, das sich für diese CD der Hilfe von Gli angeli Geneve und Concerto Palatino versicherte. Stephan Macleod leitet das Gesamtensemble mit all seiner Kenntnis barocker Musik vorbildlich. Leider verschweigt das Booklet die Texte der Motetten, einziges Manko dieser instruktiven CD.


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar 2020 / April 2020

Dieterich Buxtehude - Abendmusiken

Interpreten: Ensemble Masques und Vox luminis
Label: alpha classics

Die CD vereint die Dialog-Kantate „Gott hilf mir, denn das Wasser geht mir bis an die Seele“, BuxWV 34, und die Choralkantaten „Befiehl dem Engel, dass er komm“, BuxWV 10, „Jesu, meine Freude“, „Herzlich lieb hab ich dich“ und „Jesu, meines Lebens Leben“, BuxWV 90, 41 und 62, mit den Streicher-Sonaten BuxWV 272, 255 und 267. Was der sachliche CD-Titel nicht vermittelt, ist Buxtehudes expressionelle Darstellung der Naturgewalten in der Eingangskantate (Ps 69), die anrührende Andachtshaltung in der Kantate zu Erasmus Albers Übertragung des Hymnus „Christe qui lux es et dies“ („Christ, der du bist der helle Tag“, EG 469,6+7, aus „Die Morgengeseng“, Nürnberg 1556) und die formstrengen wie formsprengenden Sonaten, deren dunkles Timbre mystische Glaubenszüge nahelegt.

Buxtehudes Kantaten und Sonaten sind wie seine Orgelwerke kleingliedrig, bringen Ostinati, Tanzformen, Fugen und vor allem auch Abschnitte im Stylus Phantasticus. Die beiden Ensembles unter der Leitung von Olivier Fortin und Lionel Meunier geben die Notentexte höchst engagiert wieder, geben jeder Wendung überzeugenden Ausdruck, warten jederzeit gespannt darauf, den Effektbogen bis zum Reißen anzuspannen. Der musikalischen Qualität wird das Booklet leider nicht gerecht. Der Einführungstext von Peter Wollny ist mehr als knapp, weiß außer Schlagworten zu den einzelnen Kantaten und Sonaten nichts zu sagen. Verschwiegen wird auch jeder Hinweise zu den Textquellen (s. Anmerkungen oben) und zu den Ausführenden und ihren Instrumenten. Wer aber einen Höhepunkt barocker Musikgeschichte hören möchte, der greife zu dieser CD!


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - November 2019 / März 2020

Gottfried August Homilius - Weihnachts- und Adventskantaten

Interpreten: Kölner Akademie, Leitung: Michael Alexander Willens
Label: cpo

Eingespielt sind die drei Adventskantaten HoWV II.3, 6 und 8, in denen es um die Wiederkehr Christi als Richter geht, und die Weihnachtskantate „Merk auf, mein Herz, und sieh dorthin“, HoWV II.12. Entstanden sind sie vermutlich um 1776, die Weihnachtskantate nachweislich 1762. In ihrer vielfältigen Anlage sind sie typisch für die Klangschönheit und die natürlich treffende, manchmal schon naiv zu nennende Ausdruckskraft des Dresdener Kreuzkantoren Gottfried August Homilius (1714 – 1785). Mit über 180 erhaltenen Kantaten setzte er ein nachdrückliches Denkmal für die gottesdienstliche Kunst der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts.

Mit Lust nimmt sich das Ensemble der Kölner Akademie dieser Musik an, mit Verve gestaltet ihr Leiter Michael Alexander Willens die einzelnen Sätze und fügt sie zu einem größeren Ganzen zusammen. Nur die Choräle geraten ihm viel zu schnell, damals sang die Gemeinde in einem langsamen egalisierten Tempo, dazu kamen noch Zeilenzwischenspiele, die wenn vielleicht auch nicht ausgeführt, doch idealisierten Platz beanspruchten. Etwas seltsam, dass die Solisten, die auch im Chor mitsingen, mal vor dem Orchester, mal entfernt hinter ihm zu hören sind. Das entspricht sicherlich nicht historischen Gegebenheiten. Wenn man denn Kritik üben möchte, dann nur die, dass das Ensemble den historischen Vorgaben aus der Dresdener Frauenkirche  nicht entspricht. Da wären dann ein etwas größerer Knabenchor und ein etwas größeres Instrumentalensemble richtiger am Platz. Da die Kantaten von Homilius aber weit verbreitet waren, wurde woanders wohl eher in einer Besetzung ähnlich dieser CD musiziert.

Klaus Winkler fügt im Booklet eine kundige Einführung hinzu, gerne hätte man darin auch noch ein Foto des Ensembles bei der Arbeit gesehen. Eine CD zwar zum Wohlfühlen, aber die Botschaft des kommenden Herrn ist keineswegs nur in Wohlgefühl gebettet. Die rechte Weihnachtsfreude spiegelt der Schlusschor der Weihnachtskantate „Ehre sei Gott in der Höhe“, in dem Engel mit ihrem ausgelassenen Jubel namenlose Freude machen.


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - November 2019 / März 2020

Was da in wenig angemessenem Neuhochdeutsch „Global Player“ und „Musikalisches Networking um 1500“ daherkommt, ist ein ausgesuchtes wie vielseitig zusammengestelltes Programm, das die europäische Elite am Hof Maximilians in Innsbruck und  am burgundischen Hof Karls des Kühnen formte. Da finden sich u.a. die Namen von Alexander Agricola, Pierre de la Rue, Josquin Desprez, Heinrich Isaac, Ludwig Senfl und Jacob Obrecht neben weniger bekannten wie Hayne van Ghizeghem, Walter Frye und Johannes Ghiselin, also die Crème de la Crème des ausgehenden 15. Jahrhunderts, versammelt. Die war damals „international“ verflochten, wirkte auch an den italienischen musikalischen Hochburgen wie Florenz und Ferrara, am französischen und spanischem Königshof.

Den Rahmen stellen ein Kyrie aus einer anonymen „Missa O Österreich“ (um 1511) und ein Magnificat VI. toni von Loyset Compère. Dazwischen erklingen französisch- und deutschsprachige Chansons, zwei Lautenintavolierungen, Villancicos, eine lateinische Motette aus dem Hohelied Salomonis von Gaspar van Weerbeke, ein Quodlibet von Senfl, eine Liedmotette von Balthasar Resinarius und ein Liedsatz von Paul Hofhaimer im Satz von Arnolt Schlick. Zeitlich reicht also der Rahmen über Maximilians Lebenszeit (1459 – 1519) hinaus, was stilistisch aber kein Bruch ist.

Der bunten Abfolge gewinnen Andrea Oberparleiter, Sabine Lutzenberger, Bernd Oliver Fröhlich, Martin Senfter und Ilse Strauß (Blockflöte) und Wolfgang Praxmarer (Laute) mit ihrem mit Zink, Gambe, Posaunen und einem großen Continuoapparat besetzten „Ensemble Rosarum Flores“ aparte wie lustvolle Klänge ab, denen man gerne zuhört.


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Oktober 2019 / Februar 2020

Beethoven-Chorbuch

Verlag: Carus

Zum bevorstehenden Beethoven Jubiläum (2020) werfen die Verlage schon jetzt Unmengen an neuen Publikationen auf den Markt, neben Neuausgaben bekannter Werke tut dies auch der Carus Verlag mit seinem „Beethoven Chorbuch“. Neben einigen originalen Werken, wie Ausschnitten aus der „Chorfantasie“, der „Neunten“ oder der „C-Dur-Messe“ enthält der Band viele Bearbeitungen von Klavierliedern oder auch von instrumentalen Stücken Beethovens, sowie teilweise fragwürdigen Adaptionen.

Der vorliegende Band enthält 41 Stücke. Der auf dem Einband abgedruckte Hinweis „SATB“ stimmt nur bedingt, da das Chorbuch auch Stücke für „SSA“ oder „TTB“ enthält. Die meisten vertretenen Stücke sind Bearbeitungen sowohl von „historische“ Persönlichkeiten, wie Peter Cornelius („O Welt ich sag dir gern Ade“ nach dem dritten Satz aus dem Streichquartett Nr. 15) aber auch von zeitgenössischen Bearbeitern wie Clytus Gottwald („Neue Liebe, neues Leben“, nach einem Klavierlied von Beethoven).
Ernstes („Drei Equale“, bearbeitet von Ignaz Ritter von Seyfried für Männerchor und zurücktransponiert vom Herausgeber für SATB) wechselt mit Kuriosem („Kyrie“ nach dem ersten Satz der „Mondscheinsonate“ bearbeitet  von Gottlob Benedict Bierey), Bekanntes „Hymne an die Nacht“ bearbeutet nach der „Apassionata“ von Ignaz Heim und Friedrich Silcher) mit Neuem („Freude-Quodlibet“ von Gunnar Erikson mit einem Zitat aus der „Neunten“ kombiniert mit „Bruder Jakob“, „Hans Spielmann“ und anderen Liedern). Letzteres sicher ganz „nett“ aber Beethoven?
Das größte Kuriosum ist aber sicher die Adaption von „Für Elise“ als „Alleluja“ für Chor und Klavier von Heribert Breuer. Sicher ganz nett gemacht, aber braucht man das wirklich? Vermutlich nicht, das Stück wird auch nicht auf der noch nicht erschienenen Begleit-CD vertreten sein, die eine Vielzahl der Werke aus dem Chorbuch enthalten wird.

Der Schwierigkeitsgrad reicht vom einfachen dreistimmigen Kanon („Das Reden“ WoO 168b) bis zum Pop-Chor-artigem Arrangement von Peter Schindler („Marmotte“ aus op. 52), vom schlichten vierstimmigen Satz („Nei campi“ WoO 99,7b) bis zum komplexen sechstimmigen Arrangement (SSATBB) von Jaakko Mänttyjärvi („Erlkönig“, nach einem Fragment Beethovens).

Da sowohl weltliches und geistliches Repertoire bedient wird, kann das Beethoven Chorbuch allen Chören eine Hilfe sein, die im nächsten Jahr dem Komponisten „huldigen“ wollen. Viele Stücke gibt es zusätzlich als Einzelausgeben. Vielleicht wäre es aber sinnvoll im Jahr 2020 nicht nur Beethoven zu ehren, sondern sich auch den anderen Jubilare wie Johann Christian Heinrich Rinck oder Louis Vierne zu widmen.


Sven Dierke
für www.notenkeller.de - Juni 2019 / November 2019

Chorbibliothek für gemischten Chor - Geistliches Repertoire Band I

Verlag: Breitkopf & Härtel

Bei Breitkopf gedruckte Kompositionen aus 300 Jahren Verlagsgeschichte will der Verlag in insgesamt 10 Bänden bündeln, allein 5 Bände bringen die lieferbaren Titel des Geistlichen Repertoires. Der vorliegende erste Band, den Sebastian Posse-Schöning auf 366 Seiten zusammengestellt hat, bringt a-Cappella-Werke für die Zeit vom Advent bis Palmarum. Das originale Notenbild der Ausgaben ist beibehalten. Ziel ist es, den Chorleitern einen Überblick zu verschaffen zur Repertoireauswahl und –erweiterung.

Im Laufe der Zeit hat der Verlag Werke von der Renaissance bis zur Moderne verlegt, darunter Palestrina, Monteverdi, Telemann, Mendelssohn, Brahms, Reger, Johann Nepomuk David und Kurt Thomas. Das Inhaltsverzeichnis wird ergänzt durch ein Register der Komponisten, der Textanfänge und nach Besetzungen sowie dem Abkürzungsverzeichnis. So lassen sich leicht die schönsten Ausgaben, z.B. von Altnikol und Doles, finden und studieren. So macht der Band viel Vorfreude auf viele Stunden mit guter Musik!


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Juni 2019 / November 2019

Bach-Kommentar - Band III (Fest- und Kasualkantaten, Passionen)

Autor: Martin Petzoldt
ISBN: 978-3-7618-1743-8
Verlag: Bärenreiter

Elf Jahre nach dem Band II und vier Jahre nach dem Tod des Autoren ist nun der Band III der Bach-Kommentare des unvergessenen Leipziger Theologen und langjährigen Vorsitzenden der Neuen Bachgesellschaft Martin Petzoldt erschienen. Der Herausgeber Norbert Bolin hat unter der Mitarbeit von Jochen Arnold und Michael Beyer die bereits weit gediehenen Vorarbeiten Petzoldts für diesen Band gesichtet und wo notwendig ergänzt, die Ergänzungen sind im Satz kenntlich gemacht. Die Arbeit Petzoldts wird auch noch einen vierten Band für die Messen, Messesätze, Motetten und Listen, Tabellen, Kalender und Register nötig machen. 

Der Band ist als Band 14.3 wie die beiden ersten Bände in der Schriftenreihe der Internationalen Bachakademie Stuttgart erschienen. Petzoldt schickt seinem Band III seiner
Theologisch-musikwissenschaftlich Kommentierung der geistlichen Vokalwerke Johann Sebastian Bachs eine nur teilweise verfasste Einführung voraus, in der er auf die vermehrte Kommentierung musikalisch verschollener Werke hinweist, aber sich auch mit der Praxis heutiger Kantatengottesdienste auseinandersetzt.
              
Der Ansatz Martin Petzoldts, Bachs Kantatentexte und ihre Vertonung aus der zeitgenössischen Theologie und Gottesdienstpraxis zu erklären, ist unmittelbar einleuchtend – und hat beachtliche Konsequenzen hinein in alle Parameter einer Interpretation. Petzoldt ist damit ein epochemachendes Nachschlagewerk gelungen, unverzichtbar für die Vorbereitung von Kantatenaufführungen.

Wie in den beiden ersten Bänden gliedern sich die einzelnen Kantatenbesprechungen zu jedem Sonntag in eine Seite Übersicht nach Proprium, Aufzählung der vorhandenen Kantaten, ihren Besetzungen und Literaturangaben, in die Wiedergabe der Auslegung aus der Olearius-Bibel, in die Textwiedergabe mit Angaben der Bibeltextbezüge, in einen musikgeschichtlichen Aufriss der Erstaufführung und in eine Kontextsammlung zeitgenössischer Bibelausdeutungen. Dem folgt eine allgemeine Betrachtung, die Grundaussagen und Struktur des Textes in den kirchenjahreszeitlichen liturgischen Zusammenhang und seine örtliche Bezüge stellt, ehe eine Analyse von Textzeilen und ihrer Vertonung den jeweiligen Kommentar beschließt.

Petzoldts Bach-Kommentar als umfassende Wissenssammlung zu allen grundlegenden Parametern Bachscher Kantaten-Produktion ist ein nicht genug zu würdigendes Kompendium des heutigen Forschungsstandes. Petzoldts Bach-Kommentar gehört in jede Bibliothek von Kirchenmusikern und Kantatenpredigern – und studiert!


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Juni 2019 / Oktober 2019

Wolfgang Amadeus Mozart - Messe c-Moll KV 427

Herausgeber: Clemens Kemme
Verlag: Breitkopf & Härtel

Mozarts unvollendete c-Moll-Messe, die monumentalste unter seinen 17 Vertonungen des Ordinariums, 1783 uraufgeführt, ist sein kirchenmusikalisches Fünf-Sterne-Werk, aus unbekannten Gründen blieb sie mit Kyrie, Gloria und Teilen des Credo und Sanctus ein Fragment. Zwei Jahre später fügte Mozart die meisten Bruchstücke zu der Kantate „Davide penitente“ (Der büßende David), KV 469, zusammen. Es hat in der Folge nicht an Versuchen gefehlt, dieses Werk für die Praxis zurückzugewinnen.
1847 führte der Wiener Domkapellmeister Joseph Drechsler eine vervollständigte Fassung auf, zehn Jahre später legte der Seitenstettener Stiftsorganist Joseph Anton Pfeiffer seine Version vor, 1901 ergänzte Alois Schmitt die fragmentarischen Sätze, die fehlenden Teile des Credo aus anderen Mozart-Werken und das Agnus durch Wiederholung der Kyrie-Musik, eine nach wie vor gültige Version nur in einem romantischen Klanggewand. 1956 war es Howard Chandler Robins Landon, 1987 dann Helmut Eder, 1989 Franz Beyer, 1990 Charles Richard Francis Maunder, 2003 Philipp Wilby, 2005 Robert D. Levin und Ton Koopman, 2010 Benjamin Gunnar Cohrs, die entweder nur die fragmentarischen Teile ergänzten oder ein vollständiges Messordinarium vorlegten. Thomas Cornelius fügte der Messe 2015 ein eigenständiges Agnus hinzu. Die Urtext-Ausgabe von Monika Holl erschien 1983 in der Neuen Mozart Ausgabe. Zuletzt, 2016, folgte eine Ausgabe von Frieder Bernius und Uwe Wolf, in der sie nur die fragmentarischen Teile des Credo und des Sanctus im Stile Mozarts vorsichtig ergänzten.

Wie hoch die wachsende Aktualität von Mozarts c-Moll-Messe ist, unterstreicht die neuerliche Arbeit von Clemens Kemme. Kemme geht den Weg der Ergänzung fehlender Stimmen anhand vorhandener Sekundärquellen. Modelle standen ähnliche Werke Mozarts, bzw. seiner Zeitgenossen. Im 1. Credosatz sind Trompeten und Pauken nach Bachschen Vorbildern hinzugefügt, was die damalige Messkompositions-Praxis und das Fanfarenmotiv zu Beginn nahelegen. Die leer gelassenen Systeme der 2. Violinen, Bratschen und Holzbläser sind vervollständigt. Bei der traumhaften „Et incarnatus“ Sopran-Arie ergänzte Kemme die Hörner und die leer gebliebenen Streichersysteme. Im Sanctus, bzw. den Osanna-Fugen ist der bei Mozart nur vierstimmige Chorpart zum Doppelchor ergänzt nach Vorbildern von Caldara und Johann Christian Bach. Im Vorwort beschreibt Kemme seine Arbeit, klärt den Zusammenhang mit den Vorbildern Bach und Händel und berichtet von der Entstehungs- und Aufführungsgeschichte.

Der überwältigende Reiz der Komposition Mozarts liegt in dem fesselnd düsteren Kyrie-Beginn, den für Constanze geschriebenen Bravour-Arien des Glorias, dem so herzlich anrührenden „Et incarnatus est“ des Credo und dem prächtigen doppelchörigen Sanctus. In seiner Bedeutung ist die Messe nur vergleichbar mit Bachs h-Moll-Messe und Beethovens Missa solemnis. Nur mit seiner Aufführungsdauer von einer knappen Stunde bleibt der Torso hinter diesen Stücken natürlicherweise zurück. Das dazugehörige Aufführungsmaterial ist beim Verlag ebenfalls greifbar, natürlich auch ein Klavierauszug und eine Studienpartitur.


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Juni 2019 / Oktober 2019

Hinter den Tönen - Festschrift für Friedemann Hellwig zu seinem 80. Geburtstag

Herausgeber: Eszter Fontana, Klaus Martius, Markus Zepf
ISBN: 978-3-946217-16-9
Verlag: Verlag des Germanischen Nationalmuseums Nürnberg

Der Untertitel Musikinstrumente als Forschungsgebiet benennt den Zentralinhalt des volumigen Bandes: Annette Otterstedt richtet im letzten Abschnitt Die Scherben nicht noch zermahlen… einen flammenden Appell an Nutzer und Hörer alter Instrumente, schreibt vom falschen Verständnis, das viele den alten Instrumenten entgegen bringen. Die Aktualität ihrer Sorge, dass alte Instrumente durch fortdauernden Gebrauch und damit zusammenhängend fortdauernder Erneuerung eben ihren Demonstrationswert in Museen und als Maßstab für Kopien verlieren, ist in der Tat virulent. Spielbar erhalten bedeutet eben auch ständige Veränderung eines längst erreichten musealen Zustandes. Alte Instrumente können ihren klanglichen Zenit überschreiten, denn sie ändern sich ja schon fortwährend durch den natürlichen Alterungsprozess (z.B. ständiger Einfluss der Erdanziehungskraft, Dehydrierung). Als sie neu waren, klangen sie anders als im eingespielten Zustand oder heute nach vielen Jahren, Jahrzehnten, Jahrhunderten.

Der Band bringt aus Anlass des 80. Geburtstages des verdienstvollen Restaurators Friedemann Hellwig, der von 1963 bis 1986 die Sammlung Rück betreute und im GNM die Restaurierungswerkstätte aufbaute und leitete, neben einer Portraitskizze 24 Aufsätze in den drei Kapiteln Untersuchung von Instrumenten, Technologische Untersuchungen und Studien zur Restaurierung von Instrumenten. Der Leser wird mit verschiedenen Restaurierungsstudien (z.B. Martin Kares, Die Prozessions-Truhenorgel von Gottlieb Näser, Fraustadt 1734) vertraut gemacht, gewinnt grundlegende Einsichten in heutige Untersuchungsmethoden (dendrochronologische Bestimmungen, technologische Untersuchungen, Farbmittelidentifikation durch UV-VIS-Spektroskopie etc.) und erfährt z.B. einiges über die Instrumentenpflege im 18. Jahrhundert (Eszter Fontana, Carl Daniel Hildebrand, Tischler und Instrumentenmacher des Barock in Nürnberg). Namens- und Ortsregister verbunden mit einem Register der behandelten Musikinstrumente beschließen den Band. Etliche Aufsätze erschienen in englischer Sprache, was den internationalen Schülerkreis Hellwigs beleuchtet und gleichzeitig natürlich auch durch die Spezialsprache von Restauratoren gehobene Ansprüche an den Leser stellt. Jeder Aufsatz allerdings ist in hohem Maße lesenswert, der Rezensent jedenfalls hat für seine Praxis wieder dazu gelernt – und sein Verständnis für die Nutzung alter Instrumente auf den Prüfstand gestellt.


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Mai 2019 / Oktober 2019

Geschichte der Messe

Autorin: Elisabeth Schmierer
ISBN: 978-3-89007-851-9
Verlag: Laaber-Verlag

In der Reihe „Gattungen der Musik“ erschien nun als Band 10 Schmierers Einführung in die Geschichte der Messe. Eine ausführliche Zeittafel steht am Beginn der Abschnitte, die sich nach den Epochen „bis zum 14. Jahrhundert“, „Die zyklische Messe im 15. Jh.“, „Die zyklische Messe zwischen 1450 und 1520“, „Im Zeitalter der Glaubenskämpfe“, „Die konzertierende Messe der Barockzeit“, „Die klassische Messe in der 2. Hälfte des 18. Jh.“, „Kunstwerk im 19 Jh.“, „20. Jh., zwischen Gebrauchsmusik und Kunstwerk“. Im Anhang findet sich der lateinische Text mit Übersetzung, ein Glossar, eine Bibliographie und ein Personenregister.

Der Band bringt auf gut 250 Seiten nahezu alles Wissemswerte zur Geschichte der Messe. Notwendigerweise beschränkt sich die Herausgeberin im Wesentlichen auf die Aufzählung der Kompositionen, ergänzt sie fallweise durch kurze Beschreibungen und Analysen. Dunkel hinterlegt sind einzelne Abschnitte zu besonderen Schnittpunkten der Musikgeschichte. Der Band eignet sich zur schnellen Einordnung einzelner Messen in die Musikgeschichte und erweist sich darüber hinaus als ganz praktische Hilfe mit den Angaben des Anhangs.


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Mai 2019 / Oktober 2019

Christoph Graupner - Das Leiden Jesu, Passion Cantatas II 1741

Interpreten: Solistenensemble Ex Tempore, Mannheimer Hofkapelle, Ltg Florian Heyerick
Label: cpo

Seiner CD I der 10 Kantaten umfassenden Passions-Kantatenreihe von 1741 hat Florian Heyerick nun eine weitere Einspielung hinzugefügt. Sie umfasst die Kantaten zu Oculi GWV 1122, zu Karfreitag, GWV 1127, und zu Mariae Verkündigung (= Samstag vor Palmarum), GWV 1170.
Der Rezension zur CD I vom 10.02.18 ist inhaltlich kaum etwas hinzufügen, von der Musik Graupners kann man eben nicht genug hören. Da diese Kantaten liturgisch anders eingebunden sind als etwa diejenigen Bachs und Telemanns, erschließt sich der Zugang zu den aufgeklärten Texten des Darmstädter Superintendenten Johann Conrad Lichtenberg (1689 – 1751) ausschließlich durch Graupners Musik, das aber sofort und intensiv. Graupners hohe Kunst der Variabilität in Besetzung wie Ausdruck lässt immer neugierig bleiben auf jeden einzelnen Satz, den man zum ersten Mal hört. Bei 1418 kirchlichen Kantaten (wer hat sie gezählet?), die in Darmstadt gesammelt sind, wird also jede neue Graupner-Einspielung alle Erwartungen immer wieder neu erfüllen oder gar übertreffen. Dabei ist die ungewöhnliche Gestaltung der Choräle in immer neuer Invention bemerkenswert, oftmals gleichen sie eher ausführlichen Motetten mit Orchesterzwischenspielen. In dieser Einspielung ist es der Choral der Karfreitagskantate, der vorhaltgeschwängert dem Geschehen Ohr und Herz öffnet, wie es Bach und Telemann nicht besser konnten. Warum die Kantaten nicht der zeitlichen Reihenfolge entsprechend wiedergegeben sind, bleibt offen. Das Booklet mit den Beiträgen von  Beate Sorg, Marc-Roderich Pfau und Ursula Kramer ist sehr lobenswert!


Rainer Goede
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Johann Sebastiani - Matthäus-Passion

Interpreten: Boston Early Music Festival, Ltg: Paul O’Dette
Label: cpo

Johann Sebastiani (1622 – 1683), vermutlich ein Schüler von Heinrich Schütz, seit 1661 Kapellmeister in Königsberg, schuf neben u.a. dem Bühnenwerk Pastorello musicale (Verliebtes Schäferspiel, 1663), der ersten erhaltenen Oper nördlich der Alpen, und einem Kantatenjahrgang mit seiner Matthäus-Passion "Das Leiden und Sterben unsres Herrn und Heilands Jesu Christi" 1672 sein wichtigstes Opus. Die oratorische Passion nach Matthäus 26, 1-12 bringt nach einer einleitenden Symphonia und der Praefatio den Bibeltext kombiniert mit ausgesuchten Choralstrophen, nach der Conclusio folgt noch ein dreistrophiges „Danksagungsliedchen, welches ganz zum Beschluss kann gesungen werden“. Der Evangelistentext und die Worte Jesu werden von einem Gambenconsort getragen, die Choräle (bis auf die allerletzte Strophe) sind ebenso besetzt mit nur einem Sopran. Der Continuoapparat zählt in situationsbedingt wechselnden Besetzungen auf eine Orgel, Clave-Cimbel, Lauten, Theorben, Violen da Gamba und wäre sicherlich auch noch größer denkbar. Außerdem sind noch zwei Violinen besetzt, die die Worte Jesu begleiten und damit auf Bachs Werk vorausweisen.

Die Bedeutung der Passion macht nicht nur ihre lyrische Schönheit aus, zum ersten Mal sind höchst treffende Choralstrophen eingeflochten, zwei Symphonien stehen zu Beginn der beiden Teile. Der Bibeltext soll rezitativisch vorgetragen werden, die Turbae sind zumeist homophon gesetzt - wenn von Jesus die Rede ist, stehen sie im Dreiertakt. Diese ganz persönliche Gestaltung macht den Reiz dieser Passion aus.

Dass das Boston Early Music Festival Chamber Ensemble keine Mühe hat, dieser fein ziselierten großen Aufgabe gerecht zu werden, versteht sich bei ihren Leitern Paul O’Dette und Stephen Stubbs von allein. Die ausgesuchten Vokalsolisten, darunter Ina Siedlaczek und Christinan Immler (Jesus), bilden nicht nur ein geschlossenes Ensemble für die Eingangs- und Schlusssätze, sondern sind allesamt gute Gestalter ihrer Partien. Der erste Rang gebührt natürlich dem Evangelisten Colin Balzer, der es versteht, jede Situation emphatisch hingebungsvoll und variierend ausdrucksvoll zu gestalten.


Rainer Goede
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Geistliche Musik und Chortradition im 18. und 19. Jahrhundert

Herausgeber: Anselm Hartinger, Christoph Wolff, Peter Wollny
Verlag: Breitkopf & Härtel

Die vielseitigen Referate des Symposions, das aus Anlass des 800-jährigen Jubiläums des Thomanerchores Leipzig im November 2012 durchgeführt wurde, sind in diesem umfangreichen Band von mehr als 260 Seiten versammelt. Der Untertitel „Institutionen, Klangideale und Repertoires im Umbruch“ gibt in aller Kürze wieder, was im Band in drei Abschnitten: 1. Der Thomanerchor zwischen Tradition und Umbruch, 2. Bachs Musik und das Repertoire der Thomaner nach 1750, und 3. Singstil, vokale Ensemblepraxis und Musikunterricht abgehandelt wird.

Zwar stehen die Thomaner, die als Knabenchor so gut erforscht sind wie sonst kein Ensemble und ja auch den Anlass des Symposions bildeten, selbstverständlich im Mittelpunkt der Beiträge, doch geht der Blick auch darüber hinaus. So beschäftigt sich Manuel Bärwald mit dem Musikaliennachlass des Wurzener Kantors Gotthelf Sigismund Richter, Klaus Rettinghaus mit der Geschichte des Berliner Domchores und Peter Ward Jones mit dem englischen Kathedralchor, Beiträge, die alle sehr informativ sind! Einer ganz anderen Frage widmet sich Ann-Christine Mecke mit ihrer Untersuchung zum Mutationsalter der Thomaner im 18. Jahrhundert. Andere Beiträge zentrieren sich auf die Kantaten-, bzw. Motettentradition der Thomaner (Stefan Altner, Andreas Glöckner, Peter Wollny, Uwe Wolf), Jeffrey Sposato thematisiert die Messenform zur Bachzeit in Leipzig, Eszter Fontana den Instrumentenbestand der beiden Hauptkirchen und Anselm Hartinger die Bachtradition der Thomaner.
Alles in allem ein thematisch vielseitiger Band, den man mit großem Gewinn liest!


Rainer Goede
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Ein musikalisches Gipfeltreffen 1503 "De la Rue – Isaac – Obrecht"

Interpreten: Capella de la Torre, Ltg. Katharina Bäuml
Label: Musikmuseum 31

Die CD stellt das Treffen von Kaiser Maximilian mit seinem Sohn, dem Burgunderherzog Philipp dem Schönen, im Herbst 1503 in Innsbruck nach. Natürlich hatte der Kaiser die größte Hofkapelle seiner Zeit, Paul Hofhaimer hatte er aus Nürnberg abgeworben, Heinrich Isaac war sein Hofkomponist, Georg Slatkonia sein Kapellmeister. Die Stars der burgundischen Kapelle waren de la Rue, Alexander Agricola u.a., 39 Mitglieder, dazu 11 Trompeter und Singknaben zählte das reisende Ensemble. Am 17. September musizierten beide Kapellen zusammen im Hochamt der Innsbrucker Pfarrkirche. Kein Wunder, dass sich Friedrich der Weise im fernen Torgau daran machte, mitzuhalten. immerhin wurde seine Kapelle die drittgrößte im Deutschen Reich.

Die CD gliedert ihr Programm in vier Teile: den Aufzug: Begegnung der Fürsten und ihrer Kapellen vor der Kirche mit Werken der Gebrüder Hess, von Nikolaus Apel u.a. Dem folgt das Hochamt in der Innsbrucker Pfarrkirche mit Heinrich Isaacs Missa Virgo Prudentissima, der der Introitus zum Fest Mariae Himmelfahrt zugefügt, das Kyrie aber unverständlicherweise gestrichen wurde. Tafelfreuden und festlicher Zug nach Hall/Tirol schließen sich an mit Werken von Jacob Obrecht u.a. Schließlich der vierte Teil, ein Requiem in der Haller Stadtpfarrkirche: Pierre de la Rues Missa pro fidelibus defunctis, hier dem Gedenken an Hermes Sforza, dem Bruder der Kaiserin zugewiesen. Zum Auszug erklingt die Motette „Adoramoste, Senor“ von Francisco de la Torre, der Namensgeber des Instrumentalensembles lebte und arbeitete in Neapel und Sevilla.

Das vierköpfige Solistenensemble, die Wiltener Sängerknaben und die Capella de la Torre können zahlenmäßig einen solchen Auftrieb, wie für die höfische Renaissancemusik aus der Zeit Kaiser Maximilians I. getrieben wurde, natürlich nicht mitmachen. Die Musik braucht das ja auch nicht. In den beiden Messen werden die Vokalstimmen von den Bläsern dupliziert, die Sängerknaben haben auch ihren unbegleiteten Auftritt, die Bläser brillieren bei ihren Sätzen zum Aufzug und zu den Tafelfreuden. Die Aufnahme ist tadellos gelungen, aber schon die Idee zu diesem Programm und zu dieser CD ist Gold wert, was sich hoffentlich für die Herausgeber, die Tiroler Landesmuseen-Betriebsgesellschaft, auch auszahlt.


Rainer Goede
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Die „Kleine Geistliche Chormusik“ bestätigte bei ihrem Erscheinen 1935 den kirchenmusikalischen Aufbruch der evangelischen Kirche. Der allgemeine Aufbruch in den 20-er und 30-er Jahren bestätigte auch Kurt Thomas (1904 – 1973), der mit 21 Jahren bereits Theorielehrer am Konservatorium in Leipzig geworden war, mit 24 Jahren durch Vermittlung Karl Straubes zum Leiter des Kirchenmusikalischen Institutes in Leipzig und 1934 zum Professor an der Hochschule für Musik in Berlin reüssierte. 1939 wurde er zum Leiter des Musischen Gymnasiums in Frankfurt am Main, Eliteschule und Vorzeigeprojekt der Nazis, bestimmt. 1940 trat Kurt Thomas der NSDAP bei mit der Mitglieds-Nummer 7.463.935. Zu seinen Schülern in Frankfurt zählten u.a. die späteren Chorleiter Heinz Hennig und Hans-Joachim Rotzsch, die Komponisten Alfred Koerppen und Siegfried Strohbach, der Jazzmusiker Paul Kuhn, der Organist Michael Schneider, der Sänger Helmut Kretschmar, der Komponist Clytus Gottwald sowie der Schauspieler Hans Clarin.
Nach einer hochgelobten Kantorentätigkeit in Frankfurt und Dozententätigkeit in Detmold (Schüler dort: Manfred Kluge, Diether de la Motte, Gerd Zacher sowie der Kirchenmusiker und sein dortiger Nachfolger Alexander Wagner) wurde er 1957 als Nachfolger von Günther Ramin für vier Jahre Thomaskantor, 1966 wurde er noch einmal Professor für Chorleitung in Lübeck. Das war sicherlich, auch ungewollt, eine große Zeit für Kurt Thomas, sie ist, auch Gott sei Dank, nun lange vorbei und abgeschlossen.

Daran erinnert nun die revidierte Neuauflage seiner Motetten durch das Kirchenjahr, für Soli und Chor a cappella oder mit Instrumentalbegleitung gesetzt in einem unmittelbar treffenden, schon manchmal plakativen Motivstil der alten Meister und einem teils romantischen, teils neuen harmonischen Gewand. Dieser Personalstil, den er mit anderen seiner Zeitgenossen teilte, machte seine großen Werke (Messe a-Moll op. 1 1924, Markuspassion 1927, Psalm 137 (An den Wassern zu Babel saßen wir) für 2 vierstimmige Chöre a cappella 1928 (seinem Lehrer „Meister Arnold Mendelssohn in Dankbarkeit und Verehrung“ gewidmet), Weihnachtsoratorium op. 17 1931, Kantate zur Olympiade op. 28 1936, Madrigalzyklen op. 27 und op. 31, die fünf Frauenchöre op. 32, Oratorium Saat und Ernte op. 36, Eichendorff-Kantate, op. 37 1938, Drei gemischten Chöre op. 40 mit Klavierbegleitung) nicht für alle Chöre machbar, begründete aber sicherlich mit den internationalen Ruhm seiner Frankfurter Kantorei.

Mit den nicht allzu umfangreichen Motetten seiner „Kleinen Geistlichen Chormusik“ wird Thomas schöpferische Arbeit wieder lebendig, so richtig in seiner hohen Kunst des Satzes und der Verkündigung, so falsch in seiner gewollten Modernität einer vergangenen Zeit. Kurt Thomas ist auch der Verfasser eines dreibändigen 1935 erschienenen Lehrbuchs der Chorleitung, das in ergänzter und revidierter Form des Öfteren wieder aufgelegt wurde. Es ist so richtig in Schlagtechnik u.a. wie falsch in der Betonung des „Führerprinzips“.


Rainer Goede
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Psalm 145 für SA(A)TB a cappella

Reinhard Kluths Motette „Ich will dich erheben“ lehnt sich in ihrer Stilistik an die a cappella Motetten des 19. Jahrhunderts an, wie sie etwa von Herzog komponiert wurden. Die Harmonik ist unspektakulär klassisch, nur der vorletzte Akkord fällt durch seine Dissonanz aus dem Rahmen und überrascht im Zusammenhang der Komposition.

Das Werk ist dreiteilig aufgebaut, wobei eine fast klassische ABA-Form mit kleiner Coda vorliegt. Die in C-Dur stehenden A-Teile umrahmen im Allegro einen in Terzverwandschaft stehenden teilweise 5-stimmigen B-Teil im Adagio. Intonatorisch sichere Chöre dürften mit der Interpretation wenig Mühe haben.

Die Uraufführung fand im Oktober 2018 im Kurhaus von Freudenstadt statt. Es sangen junge Chöre der Neuapostolischen Kirchenbezirke Freudenstadt, Nagold und Dornham. Das Stück ist gut im Gottesdienst zu verwenden und stellt eine gute tonale Gebrauchsmusik dar.


Sven Dierke
für www.notenkeller.de - Februar 2019 / September 2019

Johann Christian Friedrich Schneider (1786-1853) gehört sicher zu den unbekannteren Komponisten der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.
Als Organist an der Thomaskirche und Leiter der Singakademie in Leipzig, sowie als Musikdirektor des Stadttheaters wurde er zu einer der führenden Persönlichkeiten im Leipziger Musikleben der Zeit. 1821 wurde er Hofkapellmeister in Dessau und gründete auch dort eine Singakademie und ein Orchester. Sein musikalisches Werk umfasst 16 Oratorien, diverse Chorwerke, mindestens 23 Sinfonien, 7 Klavierkonzerte und diverse Kammermusik.

Seine hier vorliegende Missa in a-Moll für zwei vierstimmige Chöre von 1815 ist für die Leipziger Singakademie entstanden. Sie gehört zu einer Reihe von Kompositionen mit denen sich Schneider, nach einigen Orchestermessen, nun auf reine Vokalmessen eingelassen hat. Die umfangreiche Komposition zeigt eine brillante Chorbehandlung, die sich in der polyphonen  Verknüpfung der 8 Singstimmen zeigt.
Die Vertonung braucht einen sicheren Chor, der sowohl intonatorisch, wie auch technisch den Schwierigkeiten der Messe gewachsen ist. Das Druckbild erinnert teilweise an die Chorfugenkunst Bachs und mit seinen motettischen Sätzen ist Schneiders Werk durchaus vergleichbar. Wer sich die Zeit in den Chorproben nehmen kann, wird diese Messe heute vermutlich eher im Konzert als in der Liturgie aufführen.

Ein „normaler“ Kirchenchor wird damit sicher überfordert sein. Kammerchöre sollten sich der Komposition aber gerne annehmen.
Es lohnt sich.


Sven Dierke
für www.notenkeller.de - Februar 2019 / September 2019

Das vorliegende Ave Maria basiert auf dem Anfangsmotiv der gregorianischen Melodie mit der charakteristischen aufsteigenden Quinte. Rondoartig aufgebaut bilden die sich wiederholenden Teile einen nicht ganz strengen Kanon zwischen den Frauen- und Männerstimmen mit scharfen Punktierungen. Die Zwischenteile sind homophon gesetzt mit interessanten harmonischen Farbtupfern. Den Tenören wird einige Male das hohe a1 abverlangt, die tiefen Bässe dürfen bis zum D hinabsteigen. Das vielleicht zwei Minuten dauernde Stück ist von mittlerem Schwierigkeitsgrad und bietet einen sicher nicht langweiligen Kontrast zu klassischen Ave Maria Vertonungen.


Sven Dierke
für www.notenkeller.de - Februar 2019 / September 2019

Die Goldberg-Variationen als Medizin. Einst geschaffen als Heilmittel gegen Schlaflosigkeit, zur „Gemüths-Ergetzung“ können Sie uns auch heute noch Heilung für die Seele bringen. In einer Zeit, in der wir immer mehr dem Phänomen, bzw. der Krankheit des Ausgebranntseins, der Erschöpfung und des Burnouts begegnen, ist diese Musik wahrlich kurierend. Leise und zärtliche Töne, rasasante und mitreissende Klänge. Aufatmen, erholen, zu sich kommen.

Die Pianistin Jimin Oh-Havenith hat dies alles, laut dem kurzen Vorwort, selbst erlebt. Eigentlich war es nie ihr Wunsch, eine weitere Goldberg-Variationen-Interpretation zu schaffen. Und doch wurde es dann plötzlich Zeit dafür. Und dafür sind wir als Hörer Ihr zu Dank verpflichtet. Denn ihre Interpretation ist erfrischend und hörenswert. Wahrer Balsam.
Wenig erfreulich ist hingegen, was das Label an Zusatzinformationen bietet. Nur ein kurzes Vorwort auf englisch und deutsch. Nur wenige Informationen zur Künstlerin, keine Daten zum Instrument und nichts über die Variationen und Bach.

Was soll man sagen (oder was soll man schreiben – so dachte man wohl beim Label Musicaphon): Die Musik spricht für sich. Sie heilt.


Daniel Kunert
www.notenkeller.de - August 2019 / September 2019

Die vorliegende Motette über einen Test aus dem Buch Amos (5: v.8) nach der King James Version ist ein beeindruckendes zeitgenössisches Werk für einen versierten Kammerchor, der es gewohnt ist, sauber, ohne viel Vibrato zu singen. Das anspruchsvolle Werk umfasst 93 Takte, die von intonatorischen Schwierigkeiten voll sind. Chromatik, ungewöhnliche Intervallsprünge und dynamische Vielfalt geben dem von der Camerata Vocale Hannover und den Charis Chamber Voices, New York in Auftrag gegebene Werk eine große Dichte, die in einem äußerst „spannenden“ Klangbild münden.

Für mindestens Semi-Professionelle Chöre sicher eine lohnende Repertoireerweiterung, die auch beim Publikum Begeisterung hervorrufen kann.

Sven Dierke
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Every Grain of Sand

Komponist: Dylan, Bob
Arrangeur: Monsen, Ernst Th.
Verlag: Cantando

Das vorliegende Chorarrangement des Songs „Every Grain of Sand“ von Bob Dylan verwandelt das Original in einen wunderbaren Chorsatz, der sich sowohl für Pop-Chöre, als auch für Chöre mit hauptsächlich klassischem Repertoire eignet. Der Satz kann sowohl a cappella gesungen werden, aber auch mit den hinzugesetzten Akkordsymbolen unterstützt werden.
Die Melodie findet sich durchgehend in der Sopranstimme, während die Unterstimmen in Teilen homophon den Text unterstützen, teilweise fast instrumental auf Vokalisen gesungen, die einzelnen Strophen bzw. Teile verbinden. Harmonisch orientiert sich der Satz an Dylans Original, füllt aber mit Durchgängen oder Wechselnoten das Gefüge auf.

Eine lohnende Investition für Chöre, die sich an populäre Musikstile trauen und diese auch musikalisch umsetzen können.
Das Druckbild ist im Großen und Ganzen übersichtlich, die sehr breite Schrifttype des Liedtextes führt aber leider teilweise zu sehr engen Wortgrenzen.

Sven Dierke
für www.notenkeller.de - Februar 2019 / August 2019

Bach: Solo

Interpretin: Tobie Miller
Label: Raumklang

Heute ist die Drehleier ein ausgefallenes Instrument. Im Kloster Himmelkron, wo sich im Kreuzgang des 15. Jahrhunderts die schönste Darstellung eines solchen Instrumentes findet, war es sicherlich ein beliebtes Instrument zumindest der hiesigen Zisterzienserinnen. Seit dem 10.Jahrhundert nachgewiesen, beschreibt es Praetorius 1620 als Bawren Lyren, im Frankreich des 18. Jahrhunderts war es ein beliebtes Instrument am Hofe. Warum also nicht Bach auf der Hurdy Gurdy (engl.) oder Vielle à roue (frz.)?

Die Kanadierin Tobie Miller liebt ihr Instrument und sucht folgerichtig nach Musik dafür. Verblüffend überzeugend gelingt ihr Versuch, Bachs Partita Nr. 3 für Solovioline (E-Dur) und die beiden Violoncello-Suiten Nr. 1 (G-Dur) und Nr. 2 (d-Moll) auf die Drehleier zu transferieren. Was zunächst als Kuriosität daherkommt, klingt in Wahrheit so selbstverständlich, dass man sich fragt, wieso Bach nicht selbst auf den Gedanken gekommen ist, für ein solch klangschönes Instrument Originalliteratur zu schreiben. Tobie Miller beweist, dass man heute auch ohne den Namen Bach zu führen gültige Musik für die Drehleier schreiben kann. Ihr unprätentiöses Spiel nutzt natürlich alle Möglichkeiten ihres Instrumentes, Bordunsaiten und Schnarrwerk effektvoll aus. Zwischendurch ist die enge Verwandtschaft mit den Streichinstrumenten auch gar nicht zu überhören, nur an wenigen Stellen musste zur Adaptierung der Originaltext verändert werden.

Fazit: die Aufnahme bringt auf hohem Niveau Spannung und Freude gleichermaßen!

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Februar 2019 / August 2019

Der Name Johann Gottlieb Goldberg (1727 – 1756), geadelt durch Bachs Nähe, verspricht nicht nur eine höhere Sphäre, er löst sie auch auf mitreißende Weise ein. Der Freislich-Schüler aus Danzig wurde von Reichsgraf Hermann Carl von Keyserlingk, dem russischen Botschafter in Sachsen, entdeckt und zu Bach gebracht. Ihn zeichneten schon in jungen Jahren eine aufsehenerregende spielerische Virtuosität und die Fähigkeiten, zu improvisieren und schwierigste Partituren, wie eben die nach ihm benannten Bach-Variationen, vom Blatt zu spielen, aus. 1751 wurde er „Hochgräflicher Kammermusikus“ in der Privatkapelle des Grafen Brühl, bereits 1756 verstarb er im Alter von 29 Jahren in Dresden an der Schwindsucht. Zu seinen wenigen Werken zählen 24 Polonaisen (je eine in jeder Dur- und Molltonart im herrlichen Rokokostil), fünf instrumentale Triosonaten, eine Quartettsonate, wenige Kantaten und zwei hoch virtuose Konzerte für Cembalo, die Alina Ratkowska mit dem Goldberg Baroque Ensemble hier einspielte.

Die Warschauer Cembaloprofessorin Ratkowska nimmt sich insbesondere des musikalischen Erbes der Stadt Danzig an. Ihren spielerischen Fähigkeiten kommt das Oeuvre Goldbergs gerade recht, mit Vehemenz und Spielwitz begegnet sie Goldbergs strukturellen und virtuosen Ansprüchen in den beiden zeitgreifenden Konzerten, und das im wahrsten Sinne des Wortes „spielend“. Toll ist das anzuhören, schade, dass der häusliche Applaus sie nicht erreichen kann. Der Bookletbeitrag von Gerhard Allroggen bringt alle notwendigen Informationen, die Aufnahme ist wie immer bei MDG tadellos.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar 2019 / August 2019

In großer Regelmäßigkeit legen die Herausgeber Band für Band der Hammerschmidt-Gesamtausgabe vor, nun erschien der Band 5 mit den Dialog-Kompositionen Hammerschmidts von 1645. Die Dialogi I umfassen 22 „Gespräche“ zwischen Gott und der gläubigen Seele, die auch in der Mehrzahl zweier Cantusstimmen auftritt, nach verschiedenen Bibelstellen. Hinzu kommen Psalmverse und Choralstrophen, die das Gespräch in einem größeren Rahmen verankern. Mit einem kleinen Kunstgriff führt Hammerschmidt die Choräle „Was mein Gott will“ und „Auf deinen lieben Gott“ zum Zwiegespräch zusammen. Einige Nummern sind ganz faszinierende Verbindungen der traditionellen Motettenform mit der Dialogform („Ach, wie gar nichts“ und „Benedicam Domino“, Ps 34). Manchmal schreibt er kleine Symphoniae, besetzt mit Streichinstrumenten und Trombone, die auch als Ritornelle die Dialoge ausweiten zu kleinen Konzerten. Dass Hammerschmidt versteht, sehr eindrucksvoll zu schreiben, demonstriert er in dem Dialog „Ich der Herr, das ist mein Name“, verknüpft mit dem Psalmvers „Lobe den Herren, meine Seele“, und dem Dialog „Nehmet hin und esset, das ist mein Leib“. Auf einen biblischen Dialog greift einzig der Engelsgruß zur Marien-Verkündigung (Lk 1,28 ff) zurück.

Die Dialogi II umfassen 15 Sätze auf Texte aus dem Hohenlied Salomonis, das Gespräch zwischen Gott und der gläubigen Seele symbolisch auf ein Liebespaar konnotierend. Die Gefühle anregenden Texte sind eher in volkstümlicher Liedmanier vertont, die Instrumente ergänzen sie stadtpfeifferartig. Gedacht sind die natürlich mit Generalbass begleiteten Dialoge wohl als private Andachtsmusiken, die Dialogi I können heute aber auch in der lutherischen Messe durchaus einen sinnvollen Platz finden. Zwar schreibt Hammerschmidt leicht ausführbar, eine treffende Interpretation will aber immer erarbeitet werden, was nur zur Wiedergabe anreizen kann.  

Der umfangreiche Band wird komplettiert durch eine instruktive Einführung und den Kritischen Bericht, der auch einen Textteil bietet mit Übersetzungen und den Textprovenienzen. Hammerschmidt (1611 – 1675), seit 1639 Organist an St. Johannis in Zittau, war und ist auch in heutiger Praxis Favorit unter den Komponisten der Mitte des 17. Jahrhunderts. Beste Schul- und Kantoreipraxis ist das alles, dazu immer reizvoll die Texte nachzeichnend und stimmungsvoll treffend.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar 2019 / August 2019

Friedrich Wilhelm Rust - 12 Sonaten

Interpreten: Ilton Wjuniski, Clavichord, Haendeliana hallensis
Label: Querstand

Diese CD bietet mehrere Besonderheiten: da ist der Komponist Friedrich Wilhelm Rust (1739 – 1796, Enkelschüler Bachs und seit 1775 als Nachfolger von Johann Friedrich Fasch Hofmusikdirektor und Leiter des Theaters in Dessau), da sind seine Sonaten (zwischen 1765 und 1794 geschrieben zeichnen sie eine Entwicklung von C.P.E. Bach bis nahe Beethoven), da ist ein wunderschönes Clavichord aus dem Bestand des Händelhauses in Halle zu hören und da ist ein Interpret, der sich tief in diese verwunderlichen Sonaten und ihre Ansprüche vertieft hat.

Rust spielte schon früh Bachs Wohltemperiertes Klavier I auswendig, sammelte über 90 Werke Bachs hauptsächlich für Tasteninstrumente, die sich aus eigenhändigen Abschriften, Abschriften anderer Zeitgenossen sowie aus Drucken zusammensetzten, komponierte Kantaten, Oden und Lieder und technisch anspruchsvolle Kammermusik (Sonaten, Konzerte, Fantasien für Violine und Klavier, Partiten für Violine solo und eine Sonate für Violoncello solo con Basso (1775) - und er schrieb die hier eingespielten 12 Sonaten.

Die sind nun in der Tat beachtliche Zeugnisse einer in seiner Zeit ziemlich einsamen Kreativität, schon frühe Kritiker urteilten im 19. Jahrhundert: "Gemahnt schon an Beethoven“. Sein Enkel Wilhelm Rust, Thomaskantor, Komponist, Bachwissenschaftler und einer der Herausgeber der alten Bachausgabe, gab etliche Klaviersonaten in einer „Verbesserung im Stile Beethovens“ heraus, einige Jahre später gab Vincent d´Indy in Frankreich die 12 Klaviersonaten auch noch mit einigen Veränderungen heraus, heute sind die Sonaten in einer Ausgabe bei Salabert (4733) greifbar. Die erste Sonate (in F-Dur) stammt aus dem Jahr 1765, und trägt den Titel "Sonata per il Clavicembalo, con variate repetizione“ (Sonate mit veränderten Reprisen), sie atmet noch ganz den Geist von Carl Philipp Emanuel Bach. In der Folge hört man Anklänge an Scarlatti, Bach (Sonate d-Moll, Czach-Verzeichnis 32, mit dem Anfangsmotiv aus dem Musikalischen Opfer), Haydn und Mozart, vorausweisend auch auf  Weber, Schubert und eben Beethoven.

1996 erschien eine erste Einspielung auf einem modernen Flügel (Vladimir Pleshakov), 2006 eine von François Doublier, eine weitere durch Jermaine Sprosse („Der Clavierpoet“) auf einem Clavichord nach Christian Gottlieb Hubert und einem originalen Johann Andreas Stein-Fortepiano erschien 2017. Der Pariser Dozent für historische Tasteninstrumente Ilton Wjuniski hat die vorliegende CD bereits 2009 eingespielt, erschienen ist sie erst Mitte 2017. Er spielt auf einem bundfreien Clavichord von Carl Gottlob Sauer, Dresden 1807, das allen Intentionen Wjuniskis einschließlich der Paukengeräusche, Flageoletttönen und Pizzicati der Finger auf den Seiten, wie sie Rust vorschrieb, gerne folgt. Wjuniski hat noch einmal die Autographe visitiert, die sich in der Familie erhalten hatten. Bezeichnungen für die Bebung lassen erkennen, dass die Sonaten für das Clavichord bestimmt sind, ebenso Tonarten wie Des-Dur und fis-Moll. Den hochvirtuosen wie emotionell-interpretatorischen Ansprüchen der Sonaten wird Wjuniski auf eine sehr empathische Weise gerecht. Musikalischer Sturm und Drang, Rokokoanmut und tief durchgearbeitete Form sind wohl singulär bei Rust und Wjuniski vereint, wofür auch Wjuniskis Booklettext Pate steht.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar 2019 / August 2019

Sachsens kirchenmusikalische Vergangenheit ist für seine breite und bürgerliche Qualität berühmt, so bildete sich bereits 1561 in Waldheim (zwischen Mittweida und Döbeln gelegen) eine städtische Cantorey-Fraternität, die zu Beginn des 17. Jahrhunderts Werke des Stadt- und Hofkirchenkantoren im ernestinischen Weimar Melchior Vulpius (c 1570 – 1615) erwarb. In diesem Amt schrieb Vulpius, dessen Sonntägliche Evangelien Sprüche (1612/14)bis heute lebendige Tradition sind, seit 1602 umfangreiche Zyklen groß besetzter Kompositionen, darunter drei Teile lateinischer Cantiones sacrae (1602, 1603 und 1610); Sein kompositorisches Werk, darunter eine Matthäus-Passion (1613) und Kirchengesänge und geistliche Lieder Dr. Luthers (1604), stellt ihn qualitätsmäßig auf eine Ebene mit seinem Wolfenbütteler Zeitgenossen Michael Praetorius. Waldheims heutiger Kantor René Michael Röder befleißigt sich vorbildlich der Schätze, die in seiner Kantoreibibliothek bis heute getreulich verwahrt werden. Nach Aufnahmen mit Werken von Tobias Zeutschner und Johann Havemann (Berlin 1659) steht nun eine Gesamtaufnahme der Werke von Melchior Vulpius auf dem Plan, auch eine Notenedition, die erste der Cantiones sacrae überhaupt, ist geplant.

Die Cantiones Sacrae I bringen sechs- und siebenstimmige Vertonungen von Hymnen, Psalmen, Evangelien und freien Texten. Dabei nutzte Vulpius zwar den Vulgata-Text, formulierte ihn aber um wohl mit pädagogischen Hintergedanken für seinen Lateinunterricht. So sind auch manche deutsche Übertragungen nicht nach Luther übertragen. Von großer Inspiration sind etliche Stellen gezeichnet, zu Herzen geht der Aufschrei des reichen Mannes Pater Abraham oder der himmlisch schwebende Engelsakkord zu Beginn des Osterevangeliums. Die zweite CD-Edition (VKJK 1524) bringt die acht- bis dreizehnstimmigen Motetten aus der 1602 erschienenen ersten publizierten Sammlung, den Cantiones sacrae I, herausragend dabei die Motette Surrexit pastor bonus, in der er den Text des Chores 1 mit deutschen Osterliedern in drei anderen Chören zu einem raumgreifenden quadrophonen Erlebnis werden lässt.
Die dritte CD-Edition (VKJK 1701) enthält die 19 sechs- sowie die 5 siebenstimmigen Motetten der Cantiones sacrae II auf Psalmen- und Evangelientexte. Ganz große bildliche Suggestivkraft haben die Motette zu Heimsuchung Mariae (Lk 1, 39-45), wie das Kind im Mutterbauch hüpft (exiliit infans in utero eius), und die Jubel-Motetten zu den Psalmen 98 und 71.

Röders Capella Daleminzia singt die Motetten engagiert und astrein, wunderbar klangschön, begleitet nur von einem Positiv, nur bei den siebenstimmigen Motetten treten noch Bläser (Zink und Posaunen) und eine größere Continuogruppe hinzu, die aber immer dezent zurückhaltend bleiben. Natürlich lässt sich trefflich darüber streiten, ob die instrumentale Besetzung nicht hätte reicher sein können, zumal mit einer großen Orgel, wie sie zeitgenössische Radierungen übermitteln. Einziger Wermutstropfen dieser Aufnahme ist die schlechte Aussprache vor allem der Schlusskonsonanten, die es oft mühsam macht, dem Text zu folgen. Auch die kurze Akustik der kleinen romanischen Saalkirche Tanneberg macht sich einige Male unvorteilhaft bemerkbar.

Mehr als vorbildlich ist aber das Booklet zu nennen, in dem Röder fundierte Überblicke zur Vita von Vulpius, zur Herrschaftsgeschichte der ernestinischen Wettiner, denen die Kompositionszyklen von Melchior Vulpius geschuldet sind, zur Waldheimer Kantoreigeschichte und zur Gattungsgeschichte liefert. Die sorgfältige Gestaltung der CD-Hülle durch den Verlag schließlich ist das Nonplusultra für eine Aufnahme, die schlichtweg in die Kategorie von vorbildlichen Editionen gehört.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar 2019 / August 2019

Sneen faller, Snow is falling

Komponist: Skjelbred, Bjørn Bolstad
für SAB und Klavier
Verlag: Cantando

Nordische Winter-Musik aus Norwegen legt der Cantando Verlag mit Skjelbreds „Sneen faller“ vor.
75 Takte mit schönen „schrägen“ Klängen in Chor und Piano. Dennoch nicht schwer zu singen.

Der Text, keine große Offenbarung, liegt norwegisch und englisch vor. Etwas merkwürdig die Worttrennungen (Sno-ow), die möglicherweise suggerieren, dass beide Noten neu angesungen werden sollen. Inhaltlich: Schnee fällt, Sterne und Mond scheinen, Kalt ist’s und die Nacht flüstert Stille.

Für ein Winterkonzert eine schöne Bereicherung, etwas „Raumakustik“ schadet dem Stück sicher nicht.
Leider gibt es keine Informationen zum Hintergrund der Komposition und zum Komponisten. Die Ausgabe ist übersichtlich gestaltet, wobei der Gesangstext etwas klein geraten ist.

Sven Dierke
für www.notenkeller.de - Februar 2019 / Juli 2019

Tief in die Geschichte des langen Krieges hat sich Arno Paduch eingearbeitet, Werke ausgegraben von Komponisten, die ganz unbekannt blieben wie der Mühlhauser Kantor Nikolaus Weisbeck, wie der Kaplan des Grafen von Tilly Johann Sixt von Lerchenfels, wie der Leipziger Student und Schein-Schüler Marcus Dietrich Brandisius und der Eilenburger Organist Johann Hildebrand.

Mit ihren Kompositionen zeichnet Paduch den Verlauf des Krieges nach: den Einzug des Dresdener Kurfürsten Johann  Georg I. in Mühlhausen im März 1620, wo eine Strategie gegen die aufständischen Böhmen vereinbart wurde. Der eine (Lerchenfels) feierte den Sieg in der Schlacht am Weißen Berg am 8. November 1620 mit einem Te Deum, der andere, hier der Böhme Christoph Harant von Polschit und Weseritz, wurde hingerichtet. Zur Einnahme Schlesiens durch Sachsen im Oktober 1621 wurde gehuldigt, der Breslauer Paul Schäffer tat das mit einer Motette (Psalm 95), der Dresdener Hofkapellmeister Heinrich Schütz mit seinem Syncharma musicum SWV 49 und wohl auch seinem Teutonium dudem belli SWV 338. Seine große Motette Da Pacem Domine SWV 465 besingt die Kurfürsten bei ihrem Treffen in Mühlhausen im Herbst 1627. Den Sieg über Tilly im September 1631 setzte Brandisius in Töne, der schwedische Hoforganist Andreas Düben beklagt den Tod Gustav Adolfs in der Schlacht bei Lützen im November 1632. Wie schlimm die Lage war, ist zu hören im Klaglied Ach Gott! Wir haben’s nicht gewusst, was Krieg für eine Plage ist (Hildebrand). Zeitloses Hauptwerk der CD ist Weckmanns Opus Wie liegt die Stadt so wüste, 1648 kann dann Schütz endlich und friedlich Verleih uns Frieden genädiglich singen – mit dem zweiten Teil Gib unsern Fürsten und aller Obrigkeit Friede und gut Regiment, SWV 372/373.

Paduchs Vokal- und Instrumentalensemble gibt die Musik wie gewohnt mit hohem Engagement wieder, verwunderlich nur, dass einige Stücke kaum gemischt besetzt sind, was der Praxis der Zeit entspräche. So wirkt z.B. das Te Deum von Lerchenfels doch ziemlich mager. Paduchs Bookleteinführung zeichnet den Weg des Krieges sehr gut verständlich nach, im Textteil aber hat jemand zur Unzeit auf die Tilgetaste gelangt: der Text zu Schützens Da Pacem Domine fehlt, schade um die beeindruckende Aufzählung der Fürsten hierin.

Die Pracht der Huldigungsmusiken und die Klaglieder nebeneinander: sollte noch irgendjemand einen Hang zu gewalttätigen Lösungen durch „Landesführer“ heute spüren, schenkt ihm diese CD!

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar 2019 / Juni 2019

Der 400. Jahrestag des Prager Fenstersturzes macht aufs Neue bewusst, wie stark damals der Friede gefährdet war und wie leichtfertig Gewalt über deutsche Länder gebracht wurde – wie 1918 auch. Diese CD wendet sich den Opfern von purer Machtpolitik nach 1618, den Opfern einer Bürgerkriegs-Gesellschaft nach 1918 und Opfern von Not und Tod überhaupt zu.

In vier Abschnitten Angst/Katastrophe/Vergänglichkeit/Sehnsucht wird der Kontrast von Lebensfreude wie Lebensangst höchst kunstvoll und in kabarettistischer Zeichnung von Elend, Hunger und Tod dargestellt, zutiefst mitnehmend! Dorothee Mields ist dabei ganz neu zu erleben in den Texten von Friedrich Holländer (Wenn ick mal tot bin) und Hanns Eisler, die Lautten Compagney dazu in überraschend überzeugenden Arrangements der Lieder aus den 20er Jahren. Nicht minder ist Mields in ihrer bewährten Rolle barocker Textinterpretation zu hören. Die Vorlagen von u.a. Heinrich Schütz (Erbarm dich mein, Ps 51, SWV 447), Johann Hildebrand (Krieges-Angst-Seufftzer), Simon Dach/Heinrich Albert (Letzte Rede einer vormals stolzen und gleich jetzt sterbenden Jungfrau) und Andreas Gryphius (Die Herrlichkeit auf Erden muss Rauch u d Asche werden) sind nicht nur einfühlsam gestaltet, Mields bringt sie in ihrer ursprünglichen lebensbedrohenden Situation herüber, genauso wie sie von barocker Lebensfreude zu singen weiß (Melchior Franck, Die Martinsgans, und  Paul Fleming, Die Kunst des Küssens).

Eingestreut sind einige instrumentale Kompositionen von Scheidt (Gaillarden) und Erik Satie, seine Klavierstücke arrangierte Wolfgang Katschner für seine Truppe in sehr ansprechender Weise. Dass die CD schließt mit Schützens Verleih uns Frieden, SWV 372, ist da fast unvermeidlich - meint man. Aber es folgt von Holländer noch Die Kurrende, in der ein verachtetes Waisenkind besungen wird, das einst als Gottes Lieblingskind sich um seinen Thron wird schaaren.

Welch ein Eindruck, welch eine Hoffnung, welch eine Zuversicht, welch ein Glaube! Und welch eine Enttäuschung, dass es 400 und 100 Jahre später als diese Dichtungen und Lieder es immer noch nicht so weit ist, dass Elend, Flucht, Not und Tod nicht täglich irgendwo auf dieser Welt weiter an unsere Türen klopfen.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar 2019 / Juni 2019

Auch wenn Erhard Bodenschatz - * 1576 in Lichtenberg; † 1636 in Groß-Osterhausen/Querfurt, dort seit 1608 Pastor, Komponist eines Magnificats (1599), zweier Sammlungen von Psalmmotetten (1607 und 1608) und von Bicinien (1615) - nur knappe drei Jahre von 1600 bis 1603 Kantor in Schulpforta war, sein Name ist grundlegend verbunden mit dieser Fürstenschule Kursachsens durch seine Edition der Motettensammlung Florilegium Portense (Schulpfortaer Blütenlese). In zwei Teilen (Leipzig 1618 und 1621) enthält sie 271 Motetten von 58 Komponisten, darunter u.v.a. Christian Erbach, Melchior Vulpius, Adam Gumpelzhaimer, Christoph Demantius und Jacobus Gallus. Bereits 1603 hatte er eine Sammlung Florilegium selctissimarum Cantionum herausgegeben, sie gingen auf Vorarbeiten seines Vorgängers, des Leipziger Thomaskantoren Sethus Calvisius zurück und wurden vor und nach dem Essen gesungen, ein Brauch, auf den man heute nur neidisch sein kann. Dass das Florilegium Portense einen überragenden Jahrhunderte dauernden breiten Erfolg hatte, ist weidlich bekannt durch Bachs Nachorder für den Gebrauch in Leipzig 1729.

Zusammen mit Sätzen aus dem Florilegium selctissimorum hymnorum (Naumburg und Leipzig 1606) – diese Sammlung beinhaltet im Contrapunctus simplex gesetzte homophone vierstimmige Sätze – hat nun Peter Kopp knapp 400 Jahre nach der ersten Drucklegung eine Auswahl von 17 Motetten und Hymnen in Sätzen von u.a. Hieronymus Praetorius, Hans Leo Hassler, Orlando di Lasso, Sethus Calvisius, Melchior Franck, Michael Praetorius und GiovanniGabrieli eingespielt. Das erprobt lebendige Spiel seiner beiden Ensembles gibt einen hervorragenden Einblick in die sagenhaft große und zeitgeschichtlich eminent wichtige Edition von Erhard Bodenschatz, die seit über 250 Jahre leider immer noch auf eine Neuauflage wartet.

Das vorbildlich gestaltete Booklet gibt alle Informationen (Christoph Koop), auch die genauen Textquellen und Angaben zu den Erstdrucken. Dankbar liest man die in einer Leipziger Auflage von 1694 genannten jeweiligen liturgischen Zuweisungen im Kirchenjahr. Die Einspielung verdient das Premijm-Prädikat: Höchst löblich!

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar 2019 / Juni 2019

Max Reger - Werkausgabe Band II/8

Komponist: Max Reger
Herausgeber: Becker, Grafschmidt, König, Steiner-Grage
Verlag: Carus

Werke für gemischten Chor a cappella

Der gewichtige Band aus der Abteilung II (Lieder und Chorwerke, bisher erschienen der Band I mit den Liedern von 1889–1899) der Reger-Werkausgabe, die im Auftrag des Max-Reger-Institutes/Elsa-Reger Stiftung derzeit bei Carus erscheint, umfasst Regers A-Cappella-Kompositionen zwischen 1890 und 1902. In dieser Zeit setzte er Werke für den katholischen und evangelischen liturgischen sowie Volkslieder für den weltlichen Gebrauch. Sie sind den  Werkverzeichnis- Nummern WoO VI, op. 39, op. 61 und op. 79 zugehörig.

In der Regel handelt es sich um wirkliche Gebrauchsliteratur. Nur bringt Reger im homophonen Satz häufig ungewohnte und schnelle harmonische Wendungen, wie sie für ihn eben typisch sind. Aber auch von leicht aufgelockerter Homophonie geprägte Sätze sind dabei wie gleich das erste Tantum ergo in g, das schon 1895 auf Wunsch Adalbert Lindners, seines ersten Lehrers und späteren Biographen, entstand. Ganz anderen Anspruch stellen da die drei Chöre op. 39 (1899) dar, man sieht neben dem Einfluss von Brahms Regers gesteigerte Anforderungen an die Intonation, was einen Kritiker zu dem schönen Bonmot verleitete: Hier tritt die Liebe zur Arbeit in den Vordergrund. Wer aber die Arbeit liebt, wird mit wunderbaren Klängen belohnt, was vor allem für die Nr. 2, ein Abendlied auf einen Text von August H. Pinke, gilt! Eindrucksvoller als hiermit kann wohl kaum ein A-Cappella-Programm beschlossen werden. In der Praxis lebendig geblieben sind einige Sätze seiner Zwölf deutsche geistliche Gesänge (1900) wie das Adventlied Macht hoch die Tür, Schönster Herr Jesu und Ich wollt, dass ich daheime wär, aus den Sieben geistlichen Volkslieder (1900) sind dies die Sätze zu Der Mond ist aufgegangen und O Jesulein süß. 36 derartige Choralsätze bringt die Sammlung Der evangelische Kirchenchor, acht die Grabgesänge (1901), 14 die Kompositionen op. 79f, im Anhang finden sich noch einmal 7 Sätze aus op. 79f. Große Chormusik schrieb Reger mit dem Palmsonntagmorgen von Geibel, Musik, die allein beim Lesen den Wunsch nach einer guten Wiedergabe hervorruft. Die Noten hierzu sind leicht im Internet zu besorgen.

Das umfangreiche Vorwort bringt in mehreren Abschnitten Die Reger-Werkausgabe, Zur Edition, Chronologie der Chorwerke und Einleitung alles Wichtige. Im letzten Abschnitt ist ausführlich zu den einzelnen Ausgaben nachzulesen der Kontext, Zur Entstehung, Herausgabe und Rezeption der Chöre. Der Kritische Bericht beschließt den Band, dessen Sammlung endlich einen (1. Teil-) Gesamtüberblick über Regers A-Cappella-Schaffen bringt. Der sorgfältigen Editionsarbeit des Verlages sei einmal mehr gedankt. Eine Reger-Renaissance wäre nicht nur an der Zeit, sondern mit den vorliegenden Ausgaben leicht asuführbar.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Dezember 2018 / Juni 2019

Brahms in der Meininger Tradition

Autor: Fritz Steinbach
ISBN: 978-3-487-31183-8
Verlag: Olms

Wenn eine 3. Auflage innerhalb von vier Jahren benötigt wird, um die Nachfrage nach der “authentischen” Aufführungspraxis der Brahms-Sinfonien in Meiningen zu decken, so ist das bezeichnend für den heutigen Bedarf, interpretatorisch getreu an das Werk Brahms’ herangehen zu können. Das rund 105 Seiten starke Bändchen mit dem Untertitel Seine Sinfonien in der Bezeichnung von Fritz Steinbach (1855 – 1916, 1886 – 1903 Hofkapellmeister in Meiningen) kann hier den Weg weisen, denn  Steinbachs mit Brahms eng abgestimmte Partitur-Einzeichnungen  wurden damals von Walter Blume (1883 – 1933) genauestens aufgezeichnet und übersichtlich zusammengetragen.

Die Gestaltung der Sinfonien ist höchst hilfreich für die Interpretation der symphonischen Orgelwerke Brahms‘. Die sind zwar mit den zwei Praeludien und Fugen in g-Moll und a-Moll und der Fuge as-Moll nur sporadisch in seinem Werk vertreten, aber auch die Choralvorspiele WoO 7 und op. 122 können nur gewinnen.

So nimmt Blume aus den Aufzeichnungen Steinbachs Stellung zu den Tempobezeichnungen, beschreibt die Praxis des Rubatos, der Phrasierung, einiges lässt sich aus den Stricharten der Streicher herauslesen. Wiederholt betont Blume, dass die Vorschriften des Komponisten genauestens zu beachten und zu studieren sind, was aber nichts mit Pedanterie zu tun hat. Präzision ist eines seiner Kernworte, wie mit leichten Tenutos und sinngemäßen Artikulationen, Taktverschiebungen und Taktänderungen (6/8 wird zu ¾) gearbeitet wird und öffnet damit Augen und Ohren für eine Brahms-gemäße Klanggestaltung. Der detaillierte Umgang mit den oft nur rhapsodischen Themenfetzen in den Sinfonien gibt jedenfalls deutliche Hinweise, dass das Dauerlegato, das man so oft bei seinen Orgelwerken zu hören bekommt, schlichtweg eine falsche Lösung der Gestaltungsfragen darstellt. Eine nach Blumes Aufzeichnungen  gestaltete lebendige Interpretation könnte dem Brahmsschen Orgelwerk heute jedenfalls wieder mehr „authentische“ Rezeption verschaffen.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Dezember 2018 / Juni 2019

Vater Unser

Interpreten: Clematis-Ensemble, Paulin Bündgen
Label: Ricercar

Das Programm, gesucht und gefunden für die vorzüglichen Streicher des Clematis-Ensembles, besteht aus Werken von Kapellmeistern und Organisten der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Die aufblühende Musikszene nach dem Dreißigjährigen Krieg haben die Kapellmeister der Familie Düben in Stockholm in einer der größten Sammlungen der Zeit zusammengeführt, so stammen die meisten Stücke dieser CD aus dieser Dübensammlung, die die Universität Uppsala verwahrt. Es sind Werke u.a. des Schütz-Schülers David Pohle, von Schein, Eccard, Tunder, Johann Michael Bach, Theile, Ahle u.a.

Thematisch ist das Programm mit dem Lutherchoral Vater unser im Himmelreich überschrieben, inhaltlich geprägt aber ist es von  Lamentokompositionen. So stellt Johann Christoph Bachs einzigartiges Lamento Ach daß ich Wassers g’nug hätte den eindrucksvollsten Programmpunkt, des Ansbacher Hofkapellmeisters Johann Wolfgang Francks Kantate Weil Jesu in meinem Sinn den umfänglichsten, während der Nürnberger Organist Heinrich Schwemmer mit seinem Grabgesang den vermahnenden Schlusspunkt liefert. Der Choral Vater unser im Himmelreich ist textlich gar nicht vertreten, erscheint aber in einem Satz von Johann Eccard (das Booklet nennt ihn mit dem Vornamen Samuel) und in einer Streichereinrichtung von Georg Böhms Orgelchoral, die allerdings dem Effekt der Originalbesetzung nicht nahe kommt. Wenn auch diese Themenbündelung nicht überzeugen kann, die musikalische Wiedergabe ist es allemal, auch wenn der Countertenor Paulin Bündgen zwar mit schönen Vokalen für sich einnimmt, aber leider nicht über eine klare Aussprache der Konsonanten verfügt. Leider auch wurde diese Aufnahme mit einem Positiv besetzt statt einer richtigen Orgel, die einen klangvollen 16‘ im Bass hätte stellen können, wie es in der damaligen Praxis  üblich war.

Zudem leidet auch dieser sonst ganz gut informierende Booklettext von Jérome Lejeune unter einer fatalen Desinformation, in seinem Text bezeichnet er St. Sebald in Nürnberg als evangelische Enklave in einer mehrheitlich katholischen Stadt, und  das der allerersten Stadt, die die Reformation einführte. Leider fehlen im Textteil auch die Angaben zur Textherkunft, so dass die CD zwar schön anzuhören ist, dennoch einen sehr gemischten Eindruck hinterlässt.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Dezember 2018 / Juni 2019

Verbum caro factum est

Interpreten: Bach Collegium Japan, Masaaki & Masato Suzuki
Label: BIS

Weihnachten in Japan, ja natürlich, das feiert das Bach Collegium Japan unter Masaaki Suzuki seit 2013 auch mit eigenen Konzerten! Die 1a-Adresse liefert selbstverständlich gediegene Musik, gediegen musiziert – mit gediegen komponierten Sätzen von Masato Suzuki, dem Sohn  des weltbekannten Dirigenten. Er hat diese Sätze auch im Druck veröffentlicht. Masato Suzuki steht im Vordergrund dieser CD, sieben Noels von Louis-Claude Daquin spielt er auf der Marc Garnier-Orgel der Shoin-Kapelle in Kobe, die 1983 als Typ einer französischen klassischen Orgel mit IV/28 erbaut worden ist. Die  Noels unterteilen das Vokalprogramm mit deutschen und englischen Liedern wie Ich steh an deiner Krippen hier, O Jesulein süß, The First Noel, Hark! The Herald Angels sing, In dulci jubilo, Adeste fidelis etc.
Die CD beginnt aber mit dem Titel gebenden Verbum caro factum est, solistisch gesungen als Lied aus der Sammlung Piae cantiones (1582) und beschließt auch das Programm in einem dreistimmigen Satz aus den Trienter Codices (Mitte 15. Jh.).

Das (engl., japanisch, deutsch, frz.) Booklet bringt einen gut beschreibenden Text von Takumi Kato, Herkunft der Texte und Melodien sind benannt, zu den Intentionen der Sätze erfährt man leider nichts. Hörbar sind schlackenlose Sätze verschiedener Stilrichtungen, gut gemacht und wenig überraschend. Im Textteil fehlt die deutsche Übersetzung, die man sich bei den bekannten Strophen des wie nahezu immer gekürzten Silent night denken kann, sonst aber suchen muss. Zwar ist die Disposition aufgeführt, die Registrierungen aber fehlen. Auch sie sind denkbar, da die Titel sie ja inkludieren, nur sind die Titel leider nicht abgedruckt. Masato Suzuki hat einen wendigen leichten Zugriff, der den Noels leider nicht immer gerecht wird. Wenn etwa das Noel Suisse virtuos hüpft, meint man, ein unbekanntes Stück zu hören.

Mag es daran liegen, dass inzwischen auch diese Weihnachtslieder „ausgelutscht“ sind, so wie die ganze Adventszeit mit ihnen audiophon überbelegt ist: das doch wirklich schöne Musizieren des Chores und die schönen Klänge der Orgel wollen nicht so recht begeistern. Der Rezensent wünscht allen Lesern darum eine ruhige Adventszeit, die hungrig macht auf Weihnachtslieder an Weihnachten.

Von Liebe und Sehnsucht

Komponist/Bearbeiter: Felix Mendelssohn Bartholy / Pascal Martiné
Verlag: Schott

Romantische Lieder für Frauenchor (SSA) und Klavier nach den Duetten von Felix Mendelssohn Bartholdy

Mendelssohn Bartholdys Chormusik für Frauenstimmen hält sich in überschaubaren Grenzen. Neben einigen geistlichen Werken (Engelsterzett,...), die gerne und immer wieder von Frauenensembles gesungen werden.

Auf weltlichem Gebiet gibt es leider nichts Originales. Diese Lücke schließt nun vorliegende Publikation von Pascal Martiné, der acht Duette aus den „Gesänge für zwei Frauenstimmen und Klavier“ zur Dreistimmigkeit erweitert und für Frauenchor eingerichtet hat, dabei ist es dem Bearbeiter gelungen, die Stilistik der Duette beizubehalten.
Die Lieder sind gut singbar und sollten von guten Frauen- oder Kinder- oder Jugendensembles problemlos gesungen werden können.
Die Ausgabe ist übersichtlich gestaltet und gut lesbar. Eine dankbare Erweiterung der Literatur für klassischen Frauenchor, die gerne Verbreitung finden darf.

Sven Dierke
für www.notenkeller.de - Dezember 2018 / Juni 2019

Gerade einmal zwei Wochen benötigte Georg Friedrich Händel für den gewaltigen „Messias“, danach stand allerdings vierzehn Tage lang -angeblich ununterbrochen- Nahrungsaufnahme auf dem Speiseplan des schwergewichtigen Erfolgsautors, der die Würde und Präsentationslust der Engländer wie kein Zweiter meisterhaft zu bedienen wußte. Wie oft das bahnbrechende Oratorium mittlerweile auf Schallplatte, CD und DVD vorliegt, ist müßig herauszufinden und bedarf wohl keiner quantitativen Statistik. Nun hat sich eine Frau als Dirigentin und „Regisseurin“ dem hier nur 2 Stunden und 21 Minuten dauernden Giganten genähert. Welch Glück: Denn die Schweizerin Daniela Dolci nimmt den Hörer auf eine Reise voller Durch- und Umsichtigtkeit, die ohne Unterlaß weiblich-erfrischend ist. Auch deshalb so umfassend überzeugend, da man Vocalisten und Instrumentalisten von Musica Fiorita lediglich aus einer gewissen Entfernung und dennoch klar vernimmt (Entscheidung des Toningenieurs?), wenngleich sich akustische Bedingungen bei der Uraufführung 1742 in Dublin möglicherweise nicht weniger unkompliziert bewerkstelligen ließen. Die Solisten präparierten sich ausnahmlos mit viel Sinn und Erfahrung für dieses gewaltige Pensum: Der lettische Bariton Raitis Grigalis durche seine samtweiche liebevolle Gestaltung. Die knabenhaft agierende österreichische Sopranistin Miriam Feuersinger, der kundig wiewohl leidenschaftlich auftretend der italienische Altus Flavio Ferri-Benedetti bleiben wohltuend im hörenden Gedächtnis haften. Einzig die vornehme Zurückhaltung des Schweizer Tenors Dino Lüthi wirkt stellenweise etwas irritierend, denn seine Stimme versucht er diszipliniert zu führen.

Insgesamt hat die opulent aufgemachte CD (anregendes Cover samt erhellendem mehrsprachigem Klappentext (Oliver Binder)) ihren vorderen Platz im Reigen der ernstzunehmden Produktionen auf dem umkämpften Markt verdient.

Wieland Meinhold
für www.notenkeller.de - November 2018 / Mai 2019

Polyhymnia nannte Bach seine Lied-Sammlung, die er auf Initiative von Carl Friedrich Cramer, Professor für klassische Philologie in Kiel seit 1775, anlegte. Einen  Teil dieser Lieder (Wq 200) veröffentlichte Bach 1789 unter dem Titel Neue Lieder-Melodien. Diese Lieder gab nun Christoph Wolff zusammen mit den Oden mit Melodien, Wq 199 (1762, 21774), 35 weiteren Liedern, die zwischen 1782 und 1787 verstreut in Zeitschriften und Anthologien erschienen waren und 7 nur handschriftlich erhaltenen Liedern als Praxisausgabe heraus.

Die Erstausgabe in der Reihe der Gesamtausgabe (Packard Humanities Institute, Serie VI, Vol. 3) war bereits 2014 inclusive von Erstfassungen und noch weiteren Liedern erschienen. Bachs Lieder-Sammlung für Singstimme und Clavier umfasst insgesamt 84 Lieder, davon 9 mit geistlichen Texten. Die manchmal sehr kurzen neckischen Texte, manchmal aber auch viele Strophen umfassend, stammen von u.a. Johann Wilhelm Ludwig Gleim, Gotthold Ephraim Lessing, Friedrich von Hagedorn, Balthasar Münter und Albrecht von Haller. Sie gehören der Anakreontik an, kreisen um die Freude an der Welt und am Leben, an der Liebe, der Freundschaft und Geselligkeit, des Weingenusses und der Freude an der Natur. Wie diese Dichtung sinnlich aufgenommen werden sollte, so setzte sie Bach in Musik, kantable Melodik und ausdrucksvolle Klavierbegleitung bescheren sorglose Momente des Glücks. Ein kurzes, aber instruktives Vorwort begleitet die Ausgabe.
Der Rezensent wüsste sofort etliche Gelegenheiten zu nennen, diese Kleinodien in der Praxis gewinnbringend zu nutzen

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - November 2018 / Mai 2019

Mare Balticum I Music in medieval Denmark

Interpreten: Ensemble Peregrina, Agnieszka Budzińska -Bennett & Benjamin Bagby
Label: Tacet

Diese CD ist die erste von vier geplanten Programmen, die sich mit dem musikalischen Erbe der Ostseeregion des 12. bis 15. Jahrhundert beschäftigen. Die vorliegende Einspielung ist passend zur 850-Jahrfeier von Kopenhagen im Jahr 2017 mittelalterlicher Musik aus Dänemark gewidmet.

Zwei Schwerpunkte setzt diese CD: zum einen ist der Musikwissenschaftler und Sänger Benjamin Bagby zu hören mit fast atemlos vorgetragenen „Bänkelliedern“ zu den Morden an Fürst Knud Lavard († 1131) und an König Erik V. († 1286). Beiden wird im Booklet breiter Raum - nur mit Mühe passt das engl./deutsche Booklet in die Hülle - eingeräumt, eine gründlich die Vorgänge erhellende Vorlesung zu hier kaum bekannten mittelalterlichen Geschehnissen. Den Typus der Hofweise vertritt ein Gedicht von Michel Beheim, der von seiner Reise zur Krönung Christian I. 1450 in Trondheim berichtet, dessen Tugend er reichlich rühmt wie die eigene Seekrankheit ebenso anschaulich schildert.

Den anderen Schwerpunkt setzt Agnieszka Budzińska -Bennett mit ihrem Ensemble Peregrina mit polyphonem zwei- bis dreistimmigen Repertoire: mit den Hymnen Gaudet mater ecclesia, Maria candens lilium und Letificat laudatio, der Sequenz Psallat fidelis concio und der Antiphon Gaude mater letare. Zwar werden die Quellen in lobenswerter Weise genannt, ihre liturgische Stellung aber bleibt vollkommen offen. Den überraschenden Beginn der CD stellen zwei Dänische Lieder, das Gebet O rosa in Iherico und Mith hierthae brendher, dieses auch mit Beteiligung von Bagby.

So fremd wie die Musik im ersten Moment wirken mag, so bekannt sind aber doch auch die Formeln und Mittel, mit denen Agnieszka Budzińska –Bennett arbeitet, war doch die Kunst in Dänemark noch keine nationale, sondern gleichartig geprägt von kirchlich getragener Kultur wie in ganz Europa, die dänischen Lieder sind da keine Ausnahme. So wie zu begrüßen ist, dass diese frühen dänischen Überlieferungen nun einem breiten europäischen Hörerkreis bekannt gemacht werden, so erfreulich ist die lebendige Darstellung dieser Musik, die über Kenntnis hinaus auch Hörvergnügen bereitet. Darum: gerne mehrmals hören!

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - November 2018 / April 2019

Pièces de clavecin

Komponist: Francois Couperin
Herausgeber: Denis Herlin
Verlag: Bärenreiter

Premier livre (1713) (XXXVII + 128 Seiten) & Second livre (1717) (XXXVIII + 137 Seiten)

In internationaler Zusammenarbeit sind nun mit finanzieller Unterstützung der Musica Gallica (Ministère français de la Culture, Fondation Francis et Mica Salabert) diese beiden Bände mit der Neuausgabe der wohl berühmtesten Cembalowerke der französischen Klassik erschienen. Wegen des erheblichen Umfangs der Bände musste das Vorwort zweisprachig (frz./engl.) bleiben, der Kritische Bericht ist nur in Englisch abgedruckt. Aus Kostengründen konnten diese Texte leider nicht weiter übersetzt werden.

Francois Couperin (1668 – 1733) - Zeitgenosse von u.a. Georg Böhm, Nicolaus Bruhns und Arnold Brunckhorst, von Antonio Caldara, Johann Joseph Fux und Henry Purcell - hatte als Organist an Saint-Gervais in Paris bereits 1690 seine beiden bis heute viel gespielten Orgel-Messen veröffentlicht, als er seit 1693 auch als Hoforganist und –komponist Ludwigs XIV nach langem Unterrichten am Hof begann, neben Motetten, Psalmen, Triosonaten und Konzerten vier Livre seiner Pièces de clavecin (1713, 1717, 1722 und 1730) drucken zu lassen. Zwar in der Tradition seines Onkels Louis Couperin, von de Chambonnières, Lebègue, Marchand, Clérambault, Dandrieu und Rameau begründet, prägten seine typischen Charakterstücke eine neue Form und einen neuen Stil, insgesamt sollten es 240 Stücke in 27 Suiten werden.

So finden sich in der ersten Suite (Couperin betitelt diese als Ordre) des ersten Buches neben den insgesamt 9 Sätzen traditioneller Tänze wie Allemande, Courante (die allerdings beide auch einen neuen Typus verkörpern), Sarabande und Gigue, dann auch noch Gavotte und Menuet mit Double-Sätzen nicht weniger als 11 Sätze mit poetischen Titeln bisher ungekannter Originalität wie Les Silvains (antike Waldgötter), Les Nonètes (Nönnchen) oder L’Enchanteresse (verzaubernde Hexe oder bezauberndes Mädchen). Dieses fast ausgewogene Verhältnis verlässt er in den folgenden Suiten zugunsten der Charakterstücke, ändert so den strengen französischen Tanzstil zum spielerischen italienischen Stil hin ab. Neu war auch, dass sein Originaldruck im Hochformat erschien und in hoher notengrafischer Qualität genaueste Angaben zur Ausführung vorgab, für die er auch eigene Symbole schuf. 1716 beschrieb er diese in seinem Lehrwerk L’art de toucher le clavecin.

Der französische Musikwissenschaftler Denis Herlin - er lernte das Cembalospiel bei Kenneth Gilbert und Huguette Dreyfus - sucht in seiner Neuausgabe das Notenbild des originalen Druckbilds zu wahren, so z.B. bei den Arpeggiozeichen und den gerade gezogenen Legato- und runden Haltebögen, was das Notenbild der historischen Vorlage weit annähert. Darüber hinaus hat er die von ihm z.T. neu entdeckten Abzüge des Originaldrucks - der Kritische Bericht beinhaltet eine genaue Beschreibung der 16 Primärquellen - ausgewertet und ihre Varianten ausführlich dokumentiert. Ein detailliertes Vorwort zum langfristigen Geschehen (Couperins HofschülerInnen und seine Pariser Wohnungsstandorte) und direkt vor dem Druck von 1713 (Vorläufersätze seit 1707 (das 1713 nicht aufgenommene Stück La Diane ist im Anhang wiedergegeben), der langwierige Stich der 73 Seiten starken Ausgabe seit 1709 und die Widmungsträger), schließlich die Rezeptionsgeschichte, aufführungspraktische Hinweise, einige Faksimile-Abbildungen, die Erklärungen der Verzierungskürzeln aus seiner L’Art de toucher le clavecin von 1716 sowie Couperins Vorwort von 1713 komplettieren diese Ausgabe.

Der zweite von Herlin edierte Band enthält neben dem Second Livre von 1717 mit den 6. - bis 12. Suiten ebenfalls vielfältige Informationen im Vorwort (Vorgeschichte seit 1713, Couperins Vita seither und die Widmungsträger), die Druck- und Rezeptionsgeschichte, weitere aufführungspraktische Hinweise, noch einmal die Erklärungen der Verzierungskürzeln aus seiner L’Art de toucher le clavecin sowie Couperins Vorwort von 1717. Außerdem bringt der Band die acht Préludes und eine Allemande aus Couperins L’Art de toucher le clavecin, die für grundlegende Übungen von Schülern gedacht sind, sie dabei auch in die Variabilität des Tempos einführend. Dem folgt noch der Kritische Bericht mit genauer Beschreibung der hier 15 Primärquellen und ihren Abweichungen.

Nach ersten Neuausgaben von Louis Dièmer (Paris o.J.) und von Chrysander/Brahms (London 1888), zahlreichen Ausgaben im 20. Jahrhundert und der Faksimile-Ausgabe bei Fuzeau (Paris 1993) nimmt diese neue Ausgabe mit ihrem historisierendem Satzbild eine hervorragende Stellung unter den spielpraktischen Editionen ein, die dem Begriff Urtext zu Recht Recht gibt.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Oktober 2018 / März 2019

L’Inconstante

Komponistin: Elisabeth Jacquet de la Guerre
Interpretin: Marie van Rhijn
Label: Evidence

Élisabeth-Claude Jacquet de La Guerre (geb. Élisabeth Jacquet; *1665; † 1729) war erst 22 Jahre alt, als sie 1687 ihr Premier Livre derPièces de Clavecin veröffentlichte, das Second Livre sollte 1707 folgen, dazwischen die Oper Céphale et Procris (1694), zwei Ballettmusiken, Triosonaten (1695), Sonaten für Violine und Cembalo (1707) und später geistliche (1708 und 1711) und weltliche (1715) Kantaten.
Die Pariser Komponistin war die Tochter des Organisten Claude Jacquet, sie trat schon im Kindesalter als Konzertcembalistin auf, im Alter von fünf Jahren spielte sie vor König Ludwig XIV., der sie fortan besonders förderte. In ihrer ersten Sammlung vereinte sie vier Suiten, die nach einem Prélude non mesurés die traditionellen Tanzsätze bringen, ergänzt durch je eine Seconde courante und Sätze wie Canaris, Chaconne, Gavotte, undbeschlossen jeweils mit einem Menuet. Damit setzte sie der Tradition, die bei den Préludes non mesurés und den Chaconnen bei Louis Couperin in der Mitte des 17. Jahrhunderts und mit den Les Pièces de Clavessin, Vol. I & II von Jacques Champion de Cambonnières 1670 begonnen worden war und die bis zu Jean-Jacques Beauvarlet-Charpentiers Premier Livre 1770 fortgesetzt wurde, einen Höhepunkt vor den Werken von d’Anglebert, Marchand, Clérambault, Dandrieu, Rameau und endlich Francois Couperin.

Den Titel L’Inconstante (meint eine flexible Interpretation) erhielt die CD von dem Beinamen der Chaconne aus der Suite en ré, gerahmt werden die hier eingespielten drei Suiten en Fa, en ré und en la von der Allemande La Flamande aus dem Deuxieme Livre (1707) und seinem Double mit ausgeschriebenen Verzierungen. Die französische Cembalistin Marie van Rhijn, ausgebildet in Paris und London, ist seit 2014 Professorin am Conservatoire an Rayonnement Régional de Cergy Pontoise. Auf dieser ihrer zweiten CD brilliert sie bewundernswert mit ihrem flüssigen unaufgeregten selbstverständlichen virtuosen wie kontrollierten Spiel, schöner und gelassener kann die Pracht am Hofe Ludwig XIV. kaum zelebriert werden.

Das Booklet ist leider nur zweisprachig, englisch/deutsch, was nicht für einen zusammengewachsenen CD-Markt in der EU spricht. Die Aufsätze von Catherine Cessac und Marie van Rhijn bringen alles Wissenswerte zu Leben und Werk der zu Lebzeiten hoch bewunderten Komponistin wie zur Interpretation, die gemäß der Zeit beschreibend charakteristisch wie etwas überzeichnend sein soll und darf. Man darf gespannt sein auf die nächste CD van Rhijns, auf der die ausstehenden Suiten aus den beiden Büchern derPièces de Clavecin folgen sollen.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Oktober 2018 / Februar 2019

Missa brevis

Komponist: Vidar Hansen
Besetzung: SSAA a cappella
Verlag: Cantando Musikkforlag

Die Missa brevis des norwegischen Komponisten Vidar Hansen entstand im Jahr 2017 für vierstimmigen Frauenchor a cappella. Der klassische Aufbau des Messordinariums ist beibehalten, wenngleich das Gloria und das Credo auf die Kernaussagen reduziert wurden. So liegt also nicht der komplette Messtext vor, was möglicherweise traditionelle Gemeinden von der Aufführung abhalten könnte.

Der Komponist bietet ein Werk an, das von religiösen Volksmelodien aus der Provinz Østfold inspiriert ist, die im 19. Jahrhundert von L.M. Lindeman und um 1900 von Catharinus Elling gesammelt wurden. Die Tonsprache ist traditionell mit einigen wenigen Reibungen zum Genießen. Die Messe sollte von einem geschulten Chor recht schnell zu erarbeiten sein. Lohnend ist sie auf alle Fälle, gibt es doch relativ wenig gute Messvertonungen für Oberstimmen.

Die übersichtlich Ausgabe (21 Notenseiten + Vorwort in norwegischer Sprache) bietet neben den Chorstimmen eine Klavierreduktion, die für das Einstudieren sicher hilfreich ist. Auch zur Intonationsstütze ist dieser Klavierpart geeignet.

Sven Dierke
für www.notenkeller.de - August 2018 / Januar 2019

Charles Gounod, Saint Francois d‘ Assise

Label: Naive

Liszt, Légende de Sainte Cécile

Gounod erfährt im Jahr seines 200. Geburtstages endlich die ihm gebührende Aufmerksamkeit. So hat das Orchestre de chambre de paris zusammen mit dem Chor Accentus unter der Leitung ihrer Gründerin Laurence Equilbey nun in Ersteinspielung Gounods späte Tondichtung Saint Francois d‘ Assise, das nach seiner Uraufführung 1891 erst 1996 wieder entdeckt und aufgeführt worden war, eingespielt. Gounod fordert in dem zweiteiligen Werk (La Cellule / La Mort) noch zwei Solisten, die hier mit Florian Sempey, Bariton, und Stanislas de Barbeyrac, Tenor, besetzt sind. Mit diesem knapp 23‘-Werk werden noch zwei Kompositionen sinnvollerweise gekoppelt: Gounods kurze Hymne à sainte cécile von 1878, deren Violinsolo Deborah Nemtanu übernommen hat, und Liszts späte Légende de sainte cécile von 1874, in der Karine Deshayes den Part der Mezzo-Sopranistin singt. Trotzdem bringt es die CD nur auf 40‘ Spieldauer. Schmelzende Melodielinien und satte Harmonik kennzeichnen die Werke Gounods, Liszt setzt dazu noch auf einige Orchestereffekte. Große Virtuosität ist nicht gefordert, eher soll der mächtige Orchesterklang an sich beeindrucken. Höhepunkte romantischer Literatur stellen die Werke nicht dar, so wartet der Hörer eher ungewollt auf das Ende der Kompositionen. Seltenheitswert allerdings kommt dieser Aufnahme in hohem Maße zu! Das Booklet (nur frz./engl.) bringt alle Informationen in dankenswerter Ausführlichkeit.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Juli 2018 / Januar 2019

Gradus ad Parnassvm

ISBN: 978-3-487-05209-0
Verlag: Olms

Gradus ad Parnassvm / oder / Anführung / zur Regelmäßigen / Musikalischen Composition / Auf / eine neue, gewisse, und bishero noch niemahls in so deutlicher / Ordnung an das Licht gebrachte Art / ausgearbeitet / von / Johann Joseph Fux, Weil. Sr. Kayserl. und Königl. Cathol. Majest. Carls des VI. Ober Capellmeister.  Aus / dem Lateinischen ins Teutsche übersetzt, mit nöthigen und nützlichen / Anmerkungen versehen und heraus gegeben / von / Lorenz Mizlern, / Der freyen Künste Lehrer auf der Academie zu Leipzig. Mit sieben und fünfzig Kupfertafeln in Quart. Leipzig, im Mizlerischen Bücherverlag, 1742.

Wie viele Neuauflagen das Epochenwerk von Johann Joseph Fux (in lateinischer Sprache) und seine vier Übersetzungen (1742 deutsch, c. 1750 englisch, 1761 italienisch, 1773 französisch) seit 1725 erfahren hat, ist kaum zu eruieren, so auch nicht die der Übersetzung Lorenz Christoph Mizlers. Dass im OLMS-Verlag nun wieder ein neuer Reprint erschien (gebundene Ausgabe, 68,- EUR), beweist die ungebrochene Nachfrage seit nunmehr 276 Jahren, selbst im Internet ist das Buch (Exemplare der BSB und der Universität Wien) schon seit Jahren aufzublättern und zu studieren. Seinen Parnass (Berg in Zentralgriechenland, der als Sitz der Musen gilt) der Kompositionskunst hat der Wiener Hofkapellmeister Fux (*1660, 1715 – 1741) in zwei Büchern - im ersten Buch werden allgemeine Fragen zur Musik abgehandelt, primär die mathematische Errechenbarkeit der Intervalle und deren Proportionen zueinander mit Hilfe des  Monochords, im zweiten Buch wird die eigentliche Kontrapunktlehre dargestellt, angehängt sind 57 Noten“tabellen“ - in zahlreichen Capiteln, bzw. Übungen und Lectionen angelegt, Mizler hat sie in seinem aufgeklärten rationalistischen Verständnis einer „Musica scientia“ mit zusätzlichen Anmerkungen versehen.

Wer diesen Parnass mit vielen Übungen bestiegen hat, ist Meister der Tonkunst der alten Niederländer, des Kontrapunktes in allen Schattierungen, die „prima pratica“ Monteverdis und der Fugenkomposition. So hat Fux das zweite Buch denn auch in der überkommenen sophistischen Dialogform zwischen Lehrer (Palestrina) und Schüler (Fux) geschrieben, Fragen des Geschmacks (Affektenlehre), des Kirchenstils (A capella und vermischter Stil), und der „Klangrede“ im Recitativ bleiben nicht außen vor.
Mit Selbstverständlichkeit ist die Kontrapunktlehre nach wie vor Unterrichtsstoff an den Musikausbildungsstätten wenn auch kaum mehr in der Form Fuxens. Da aber die aktuelle Musikpraxis immer mehr die Musik des 14. bis 16. Jahrhunderts pflegt, bleibt das Buch Fuxens aktuell auch für den Hörer.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - August 2018 / Januar 2019

LES FUNÉRAILLES ROYALES de LOUIS XIV

Interpreten: Choeur et Orchestre Pygmalion, Ltg. Raphaël Pichon
Label: Harmonia Mundi

Er hat Frankreich und seine Stellung in Europa mit unvergleichlicher Gloire geprägt, bis der Spanische Erbfolgekrieg die Steuerlasten so ansteigen ließ, dass sein Volk nach seinem Tod (nach 72 Jahren Regierungszeit) auf den Straßen tanzte, lachte und musizierte. Die prächtigste Musik alllerdings hatte bei den Feierlichkeiten zu seiner Bestattung zu erklingen. Diese dauerten vom 2. September 1715 mit der Ausstellung des Doppelsarges im Paradezimmer des Grand Appartement von Versailles bis zur eigentliche Begräbniszeremonie am 23. Oktober in St. Denis, gestaltet vom Chef der „Musique de la Chambre“ mit u.a. mehreren Eigenkompositionen. Michel-Richard de Lalande, Nachfolger Lullys, hatte damals dieses Amt inne, verbürgt ist, dass sein „De profundis“ während der Totenfeierlichkeiten erklang.

Raphaël Pichon und Thomas Leconte haben sich dieser Begräbnismusik angenommen und sie kombiniert mit gregorianischen Gesängen und Werken von André Danican Philidor (»Marche funèbre pour le Convoy du Roy«) und von Jean Colin, Louis Chein und Charles d’Helfer. Aufgeführt wurde das Programm im November 2015 beim Festival Château de Versailles Spectacles in der der Chapelle Royale in Versailles, die »für den Gebrauch« des Sonnenkönigs gebaut wurde, zu seinem 300. Todestag in einer Licht-und-Schatten-Inszenierung des Lichtdesigners Bertrand Couderc. Der Live-Mitschnitt in der filmischen Umsetzung durch Stéphane Vérité ist nun erschienen.

Das auf französischen Hochbarock spezialisierte exquisite Ensemble Pygmalion überzeugt in jeder Hinsicht bis auf die etwas zu langsam und emotional ausmusizierten Psalmen und Hymnen der Gregorianik. Stilistisch perfekt singen die Solisten Céline Scheen, Lucile Richardot, Samuel Boden, Marc Mauillon und Christian Immler. So einfühlsam und mitreißend die Musik ertönt, so fragwürdig bleibt die filmische Version der Nacht- und Schatten-Inszenierung. Die mag im Moment der Aufführung gefangen genommen haben, die filmische Umsetzung mit ständig wechselnden Standpunkten entspricht nun einmal nicht der doch statischen ruhigen Sicht des Zuhörers im Konzert. Vieles ist so dunkel und farblich mutiert, dass man lieber die Augen schließt - wie es gute Zuhörer sowieso tun, um den Gehörsinn mehr Raum zu geben.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - August 2018 / Januar 2019

Charles Gounod - Mélodies

Interpreten: Tassis Christoyannis, Bariton; Jeff Cohen, Klavier
Label: Aparté

Nicht nur eine Wissenslücke füllen mit dieser CD in mehr als 80 Minuten Spieldauer der Bariton Tassis Christoyannis und sein Klavierpartner Jeff Cohen. Rechtzeitig zum 200. Geburtstag des französischen Hochromantikers Charles Gounod (1818 – 1893) am 17. Juni haben sie diese 24 Mélodies, die zwischen 1839 und 1884 entstanden sind, eingespielt.

Gounod hat die Liedkunst auf seine Art bereichert, seine Kunstmittel wie rhythmische Variationen, Rubatoverwendung Wechsel von harmonischer Dichte, einnehmende vokale Melismen, ariose und rezitativische Gestaltung, Ritornelle wie improvisatorischer Stil werden gezielt nach Textinhalt eingesetzt und lassen jede Komposition zu einem besonderen Kleinod werden. Was Gounod in seinen bekannten Opern Faust und Romeo und Julia und seinen 13 späten Messen in der großen Form beweist, das führt hier Lied für Lied zu kleinen Meisterwerken.

Diesen hohen Ansprüchen werden die beiden Interpreten sympathisierend gerecht, beweisen Geschmack und Kompetenz auf unterschiedlichste Art, so dass diese Einspielung nicht nur wissenschaftlich, sondern auch musikalisch eine Freude ist. Der positive Eindruck wird lediglich beeinträchtigt durch das Booklet (nur frz./engl.), das die Kommentierung der Lieder chronologisch bringt, divergierend mit der Einspielung selbst, so dass jedes Mal ein großes Suchen beginnt. Zu den Interpreten schweigt sich das Booklet völlig aus.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Juli 2018 / Januar 2019

Wie Mozart in die Kugel kam

Autoren: Rainer Schmitz/Benno Ure
ISBN: 978-3-570-55371-8
Verlag: Pantheon

Nur 1168 Seiten umfasst dieses total überflüssige Buch, das man nicht gleich ganz studiert haben muss, dafür ist es einfach zu dick und informiert stichwortweise dazu über Inhalte, die man wirklich nicht wissen muss. Einen Schaden allerdings trägt kein Leser davon, der hier „Kurioses und Überraschendes aus der Welt der klassischen Musik“ – so der Untertitel, zu lesen bekommt.

So seriös die Autoren hier auch nicht Wissenswertes mit großem Fleiß zusammengetragen haben, so erheblich ist auch der Nutzen für eine fröhlich anregende avirtuelle Gesellschaft. Wer würde nicht gerne in die Runde werfen – hier nur ein kleiner Auszug aus dem Buchstaben A: wer wann einen Pianisten dafür tadelte, dass er „Klavier spiele wie ein Pianist“, wann welche Opernhäuser abgebrannt sind, wie experimentell erforscht wurde, dass „sich schnell bewegende Tonquellen uninteressant sind“, dass Mozart einen Vogel (einen Staar“) hatte, dass ein Amuse unter einem Vernetzungsproblem des Hirns (und welchem) leidet, welche Musiker am 1. April geboren wurden, was Musiker von ihren Kritikern halten, wieviel Geld wann wo welche kostbare Autographe brachten (mit Verlaub: längst überholt), usw.
Wer etliches über Allüren und Affären wissen möchte, hat 6 Seiten Lesestoff, der bis zur nächsten Auflage sicherlich noch weiter anwachsen wird wie auch so manche andere Artikel bereits jetzt nicht erschöpfend behandelt werden konnten trotz zahlreicher Querverweise. Das pure Leben wird diesem Band, der bereits 2016 unter dem Titel „Tasten, Töne und Tumulte“ im Siedler-Verlag München erschienen war, sicherlich noch viele total unwichtige und überflüssige Ergänzungen bescheren!

Dringend empfehlenswert? Nein, nicht wirklich, aber durchaus seriös informell, und das einfach grenzen - und zuweilen auch taktlos, wie unsere Zeit eben auch ist.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Juni 2018 / Januar 2019

Fragmentum

Interpreten: Ensemble ordo Virtutum, Leitung: Stefan Johannes Morent
Label: Cornetto

Auf der Suche nach dem verlorenen Klang, so der Untertitel der vorliegenden CD, hat das sechsköpfige Ensemble Ordo Virtutum (etwa = Reihe der Tugenden) fünf ehemalige Klosterräume in Württemberg aufgesucht, Maulbronn, Alpirsbach, Hirsau (Marienkapelle), Bebenhausen und Salem, um dort aus diesen Klöstern zugehörigen Quellen, die erst kürzlich im Hauptstaatsarchiv Stuttgart, der Landesbibliothek Stuttgart und  der Heidelberger Universitätsbibliothek als Einbandmaterialien wieder aufgefunden, restauriert und zugewiesen wurden, zu singen. Diese Musikalisch-liturgischen Fragmente aus Gradualen und Antiphonalen (Messen, Vespern und Nokturnen) sind vielgestaltige Introiten, Lektionen, Allelujas, Offertorien, Communionen, Antiphonen und Responsorien, deren liturgische Zuordnung in der Inhaltsangabe wiedergegeben ist. Die Aufnahme verstand sich im Jahr des Reformationsjubiläums auch als Rückbesinnung auf das vorreformatorische Württemberg, wo Herzog Ulrich 1537 die Reformation durchsetzte, damit die Klöster auflöste und die Codices nutzlos machte.

Ist schon die Idee lobenswert, Musik der Klöster in den angestammten Räumen wieder erklingen zu lassen, so ist die Aufnahme noch mehr zu preisen als eine gelungene Wiederbelebung, der verständlicherweise zum Nachvollzug nur ein vollständiger Gottesdienstrahmen fehlt mit seinen wechselnden Ausführenden zwischen Liturgen, Kantoren und Konventen. Das antiphonale Psalmsingen wird hier leider auf einen Solisten und die anderen Ordo-Mitglieder zum responsorialen Gesang verkürzt, hier hätte man eher zwei gleiche Teilchöre erwartet. Schön aber, dass jedes Ordo-Mitglied auch einzeln zu hören ist, so wird die reiche Individualität auch einer großen Klostergemeinschaft auf natürliche Weise hörbar. Einziger Minuspunkt im sonst wohl gelungenen Booklet bleibt, dass die Texte nicht nach Zeilen wiedergegeben sind, ihre Übersetzungen sich auch nicht an entsprechender Stelle finden, so dass Hörer, die des Lateinischen nicht mächtig sind, hier Verständnisschwierigkeiten haben müssen.

Wohl kaum ein mittelalterlicher Konvent wird so schön gesungen haben wie die Herren von Ordo Virtutum, ihnen hört man gerne zu und wähnt sich dabei in einem klösterlichen Gottesdienst, hingegeben der Anbetung und dem Lobe Gottes.

Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Mai 2018 / Januar 2019

Spem in alium

Komponist: Thomas Tallis
Interpreten: The Cardinall's Musick, Leitung: Andrew Carwood
Label: Hyperion

Die CD bringt eine Übersicht über die Vokalkompositionen von Thomas Tallis, der in der Reformationszeit Englands sich auf die neuen liturgischen Bedürfnisse zur Zeit Eduards VI. und Elisabeth I. einzulassen hatte. Kurze englischsprachige Psalmvertonungen, Preces und Responses, je ein  Magnificat und Nunc dimittis  für die Morgen- und Abendandachten, aber auch einige wenige lateinische Motetten für besondere liturgische Momente finden sich da. Ihr Satzstil reicht von alter Polyphonie bis zur Homophonie, Anklänge an den Kantionalsatz des Festlandes sind da nicht zu überhören. Titelgebend und überwältigender Höhepunkt ist natürlich die 40-stimmige Motette Spem in alium (c 1572) auf einen Text aus dem Buch Judith, die zwar zu einer Matutin gehört, aber wohl kaum diesen liturgischen Zweck jemals erfüllt haben wird. Die aufführungspraktische Anforderung, 40 Sänger in 8 Chören im Kreis musizieren zu lassen, die sich ihre Melodieteile gegenseitig und den eingekreisten Zuhörern zusingen, ist schließlich nur unter höfischen Bedingungen denkbar.

Diese gedachte Ring-Wirkung kann natürlich auch eine SACD nicht völlig erfüllen, was aber die Kunst des vortragenden Ensembles The Cardinall’s Musick nicht mindert. Gerne hört man auch die Wiederholung dieser Musik, dann auf den Text Sing and glorify, der 1610 zur Krönung des Prinzen Heinrich als Prinz von Wales  überliefert ist. Der Leiter des Ensembles informiert zudem im Booklet prägnant zum Programm. 
Es erübrigt sich, zu dieser phantastischen Monumentalkomposition noch etwas hinzu zu kommentieren. Text und Musik sind einmalig:

Spem in alium nunquam habui praeter in te, Deus Israel, qui irasceris, et propitius eris, et omnia peccata hominum in tribulatione dimittis. Domine Deus, Creator coeli et terrae, respice humilitatem nostram.
(Ich habe niemals meine Hoffnung in irgendeinen anderen als dich gelegt, Gott Israels, der du zornig sein und doch wieder gnädig werden wirst, und der du all die Sünden des leidenden Menschen vergibst. Gott, unser Herr, Schöpfer des Himmels und der Erde, sieh an unsere Niedrigkeit.)


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Mai 2018 / Januar 2019

Chorbibliothek für Männerchor

Verlag: Breitkopf und Härtel

Der dritte Band der Chorbibliothek aus dem Verlag Breitkopf und Härte fasst auf 366 Seiten einen umfangreichen Teil der in 300 Jahren des Verlages erschienenen Einzelausgaben zusammen. Bis 2019 sollen nahezu alle Einzelchorausgaben des Verlages in 10 Bänden vorliegen.

Zum Aufbau:
Die ersten 93 Seiten widmen sich der geistlichen Musik, darunter zwei Messordinarien, dabei stehen klassische Männerchöre von Felix Mendelssohn Bartholdy und Franz Schubert Kompositionen von Johann Nepomuk David und Siegfried Thiele gegenüber.
Der zweite Teil umfasst weltliche Werke von klassischen Komponisten, von denen Jean Sibelius und Othmas Schoeck noch die „modernsten“ sind.
Da sind dann Hits, wie das „Zigeunerleben“ von Robert Schumann oder das Ständchen „Zögernd leise“ von Schubert neben unbekannteren Tanz-, Natur- und Trinkliedern aus dem klassischen Repertoire. Warum allerdings beim „Zigeunerleben“ als einzigem Stück die Klavierbegleitung nicht mit abgedruckt wurde, erschließt sich mir leider nicht.

Aufgrund der Wiederveröffentlichung älterer Ausgaben, ist das Druckbild sehr unterschiedlich, das meiste ist gut lesbar, manches leider sehr klein gedruckt. Als Sammlung für Chorleiter ist das Buch aber sicher eher geeignet als zum Musizieren, da das „Werk“ schon einiges wiegt. Alles in allem sicher eine gute, schöne Sammlung an klassischer Männerchorliteratur, die von leistungsfähigen Chören sicher gerne aufgenommen werden sollte.
Aber, welcher „normale“ Männerchor singt diese Literatur heute? Die meisten Männerchöre, die ich kenne, sind überaltert und halten sich mit schlechten Arrangements von 60-er Jahre Schlagern mehr schlecht als recht am Leben. Diese werden das meiste dieser Sammlung nicht singen können oder wollen. Vokalensembles, die sich auf höherem Niveau bewegen, dürften viele der Stücke bereits im Repertoire haben. Trotzdem ist anzuerkennen, dass der Verlag Breitkopf & Härtel sein Archiv weiter öffnet und so das Repertoire nicht der Vergessenheit übergibt.


Sven Dierke
für www.notenkeller.de - Mai 2018 / Januar 2019

Der Band umfasst die Dokumente vom Amtsantritt Bachs bis zum Beginn des 19. Jahrhunderts, also die Zeiten der Thomaskantoren Johann Sebastian Bach, Gottlob Harrer, Johann Friedrich Doles, Johann Adam Hiller und August Eberhard Müller.

Die Abschnitte zu den einzelnen Kantoren gliedern sich in: A Besetzung des Kantorats, B  Memoriale, Beschwerdebriefe, Gesuche und Verfügungen, C Besetzungs- und Musizierpraxis, D Schulordnung, Schulgesetze, kommentierende Schriften, E Nachrufe, Erinnerungsberichte und F Schulsachen und sonstige Dokumente.
Querverweise erleichtern das Auffinden von inhaltlich zusammen hängenden Dokumenten. Jedes Dokument wird ergänzt mit dem genauen Quellenort, hilfreichen Anmerkungen und Literaturhinweisen.

Eine Historische Einleitung, ein chronologischer Überblick und schließlich ein Namenregister komplettieren den Band, der für wissenschaftliche Arbeit unerlässlich ist, aber natürlich auch jeden anderen interessierten Leser gefangen nehmen kann, kann er doch hier in chronologischer Folge das damalige Geschehen problemlos sich vergegenwärtigen, auswerten und interpretieren.

Die Ausgabe ergänzt und weitet die fünfbändige Ausgabe der Bach-Dokumente aus. Erscheinungstermin für den ersten Band mit Dokumenten von der Reformation bis zum Amtsantritt Johann Sebastian Bachs ist der Oktober 2018.


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - März/November 2018

Die vorliegende Motette über einen Test aus dem Buch Amos (5: v.8) nach der King James Version ist ein beeindruckendes zeitgenössisches Werk für einen versierten Kammerchor, der es gewohnt ist, sauber, ohne viel Vibrato zu singen. Das anspruchsvolle Werk umfasst 93 Takte, die von intonatorischen Schwierigkeiten voll sind. Chromatik, ungewöhnliche Intervallsprünge und dynamische Vielfalt geben dem von der Camerata Vocale Hannover und den Charis Chamber Voices, New York in Auftrag gegebene Werk eine große Dichte, die in einem äußerst „spannenden“ Klangbild münden.

Für mindestens Semi-Professionelle Chöre sicher eine lohnende Repertoireerweiterung, die auch beim Publikum Begeisterung hervorrufen kann.


Sven Dierke
für www.notenkeller.de - März/November 2018

Als Musikfreund kommt man immer wieder mal in die Verlegenheit, dass das Gedächtnis einfach nicht alles speichern, bzw. nicht alles auf Anhieb wieder preisgeben kann, was einmal als "Input" hineinkam. Da ist es gut, Nachschlagewerke im Bücherschrank stehen zu haben, die schnell und unkompliziert helfen und rasch und effizient das Gedächtnis wieder auffrischen können.

Ein wunderbares Musiknachschlagewerk ist das Buch "Praktische Instrumentenkunde" aus dem Hause Bärenreiter. Es bietet auf kleinstem Raum, aber doch umfangreich und gut lesbar, Fakten zu 120 Instrumenten. So erfährt der Nachschlagende schnell etwas über Notation eines Instrumente, den jeweiligen Tonumfang, Klangcharakteristiken, kurze Hinweise zur Spieltechnik und vieles mehr.

Was soll ich noch mehr schreiben? Schlicht und ergreifend: Ein Buch, das in jedes Regal mit Nachschlagewerken gehört!


Daniel Kunert
www.notenkeller.de - August 2018

Neben den drei großen Motetten Regers op. 110 erklingen auf dieser  CD noch Bachs Motette Komm, Jesu, komm und Knut Nystedts (1915 – 2014)  Immortal Bach – Vokalimprovisation über den Choral: Komm, süßer Tod BWV 478 (1988). Die beiden Anfangszeilen werden  hier zunächst vierstimmig a cappella vorgetragen, dann singen fünf vierstimmige Chöre diese Zeilen gleichzeitig in verschieden gedehntem Tempo. So entsteht in langen Clustern eine sehr eindrucksvolle Meditationsmusik!
Erstaunlich sind nicht nur die gut bekannten Kompositionen Bachs und Regers, sondern vor allem die Maßstäbe setzende Interpretation. Hier spricht Bachs Motette in direkter Weise den Hörer an, die Klangrede wird zur Botschaft, die einen gefangen nimmt. So sollte es immer sein, wird aber leider nur ganz selten erreicht. Ähnliches gilt für die großen Motetten Regers, seine so ganz andere Musik lebt von Stimmungen, von harmonischer Ekstase, von traditioneller Form und vom unbedingten Ausdruckswillen Regers. Nur, hier ist das alles nicht restlos übertrieben wie in vielen anderen Werken des Leipziger Meisters. Wohl kaum jemand kann sich dieser Gipfel-Musik der Lebensendlichkeit, die das Thema dieser CD ist, entziehen. Florian Helgarth hat seinen Chor zu einer Leistung animiert, die alles anderes als selbstverständlich ist.
Zu einer solchen Aufnahme  kann man nur gratulieren!


Nie gehörte Männerchöre sind da zu genießen, u.a. die Zehn  Gesänge op. 83 auf Texte von Brentano, Dehmel, Eichendorff u.a. und die Zwölf Madrigale aus Renaissance und Barock bearbeitet für Männerchor (1900). Die Zehn Gesänge bringen hochkomplizierte Gesänge wie gleich die Nr. 1 An das Meer. Wie hier Reger brandende Wellen und den Sonnenaufgang nachmalt, das ist einmalig ergreifend und faszinierend, ähnliche süchtige Wirkung hat das Abendlied Hör, es klagt die Flöte wieder. Beim Husarendurchmarsch sprengt eine ganze Kavalkade durch ein Städtchen, bis der letzte einen einsamen aber zielgerichteten alternativen Weg gefunden hat. Andere Gesänge sind beinahe volkliedhaft unkompliziert, laden fast zum Mitsingen ein, was denn doch aber lieber geprobt sein sollte.
Geprobt hat das Limburger Ensemble Vocapella bestimmt auch nicht im Vorbeigehen, herausgekommen ist eine großartige Aufnahme, die ihresgleichen sucht. Dieser junge Männerchor singt nicht wie ein Opernchor, die geraden Töne sind ein Ohrenschmaus, der 1. Tenor nahezu süffig elegant, alle mit einer großen dynamischen Breite und guter Aussprache bei geschmackvoller Agogik, was sicherlich ein Verdienst des Chorleiters Tristan Meister ist. So unbekannt diese Chöre sind: wenn man sie einmal gehört hat, fragt man sich, wohin die ehemals weit und breit reiche Männerchorkultur Deutschlands gekommen ist. Ach wie schön wäre es, gäbe es sie doch wieder – weit und breit!


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar/August 2018

Das vorliegende Lied „Lyckans minut“ auf einen schwedischen Text von Erik Lindorm wurde zur Taufe von Prinz Alexander von Schweden am 9. September 2016 aufgeführt. Der Text beschreibt, dass man in seinem Kind sich selbst wiederfinden könne. Er ist in Schweden offenbar sehr verbreitet und beliebt.

Musikalisch steht das Lied auf tonalem Boden und ist eher in die „leichteren“ Genres einzuordnen.
Durch den schwedischen Text dürfte das Stück in Deutschland sicher schwer haben Verbreitung zu finden.


Sven Dierke
für www.notenkeller.de - März/August 2018

Der Gambist Thomas Fritzsch ist der Initiator dieser beiden CDs, die Telemanns Anregungen zu schulischer wie häuslicher Frömmigkeit erleben lassen. In seinem Fast allgemeine Evangelisch-Musicalisches Lieder-Buch 1730 hat Telemann über 2000 Texte und mehr als 500 Melodien gesammelt, sie auf ihre Urform zurückgeführt und ihre Varianten dokumentiert. 30 von ihnen singen und spielen hier Klaus Mertens, Bassbariton, Vincent Frisch, Knabensopran, Thomas Fritzsch, Viola di Gamba u.a., Stefan Maas, Barocklaute, und Michael Schönheit, Positiv und Cembalo. Die Melodien sind mit einem unauffälligen Generalbass versehen, der die Grundlage für einen vierstimmigen Satz bietet. Ein Register und eine Anleitung zur vierstimmigen Ausarbeitung fügte Telemann noch hinzu. Die Ausführenden haben meist die auch heute noch gut bekannten Choräle herausgesucht, so dass sich gut mitsingen lässt, auf der anderen Seite wird die Neugier auf Neues da natürlich enttäuscht. Klaus Mertens und Vincent Frisch zuzuhören ist aber bereits eine Lust, auch wenn in dieser Kleinbesetzung jede kleinste Unebenheit hörbar wird, wie nicht ganz gelungene Vokalführungen und Schlusskonsonanten. Gleiches gilt für die anderen Mitwirkenden, die die beiden so unauffällig wie vorbildlich begleiten.

Bereits drei Jahre zuvor hatte Telemann einen Evangelien-Jahrgang unter dem Titel Auszug derjenigen musicalischen und auf die gewöhnlichen Evangelien gerichteten ARIEN, welche in den Hamburger Haupt-Kirchen durchs 1727. Jahr vor der Predigt aufgeführet werden, bestehend aus einer Singstimme nebst dem General-Basse veröffentlicht. Darin finden sich je Sonn-, Fest- bzw. Feiertag je zwei Arien, die aus dem Kantatenjahrgang 1726/27 auf Texte des Eisenacher Kapellmeisters Friedrich Helbig stammen, hier aber reduziert sind auf die kleinstmögliche Besetzung. Zu hören bleiben also die bewegte und die Texte einfallsreich interpretierende Vokalstimme sowie der grundierende Generalbass. Thomas Fritzsch hat diese Arien angereichert durch einige Choralvorspiele aus den 48 fugirte und veraendernde CHORAELE von 1736 (im Booklet nicht genannt), sogenannte Dicta (Texte aus den Psalmen, den Paulusbriefen, von Erdmann Neumeister u.a.) und Chorälen (Komponist der Bässe im Booklet nicht genannt), so dass die Form kleiner Hausandachten entstand. Eingespielt wurden die insgesamt 9 Andachten mit 12 Arien an der Migendt/Marx-Orgel in Berlin-Karlshorst. Diese ehemalige Hausorgel der Prinzessin Amalie von Preußen (Disposition im Booklet nicht genannt) bietet reichlich verschiedene Klangmöglichkeiten, von denen man gerne mehr gehört hätte als hier geboten werden, auch steht sie zu sehr im Klangschatten des aufnahmetechnisch zu sehr praeferierten Vokalisten. Dass hervorragend musiziert wird, ist bei der Besetzung natürlich selbstverständlich.
Für diese Ausgrabung kann man Thomas Fritzsch nur dankbar sein. Möge sie dem häuslichen Musizieren auch heute noch Anreiz und Ansporn sein!


Rainer Goede
für www.notenkeller.de - Januar/August 2018